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Edición 16 - Galería: Memorias de la ciudad

2010-09-05T18:18:00.000-07:00

EXPOSICIÓN INDIVIDUAL DEL ARTISTA LUIS ALBERTO ESPINOZA.

La calle, tornada escenografía, alberga diferentes personajes que transitan diariamente en Lima mientras un fotógrafo registra las miradas ansiosas de algo que pueda perturbarlos. De la misma manera, la pintura de Luis Alberto Espinoza recrea, con intensidad psicológica, rostros de transeúntes que -pasmados ante algún espectáculo- circulan en nuestra experiencia colectiva y nos acerca hacia ellos.

-Por: Eibby Rosillo Ángeles

La exposición individual “Memorias de la Ciudad “nos muestra al ambiente urbano limeño reconstruido por el artista, sirviendo de escenario a protagonistas anónimos que forman parte de una ciudad tan contrastante. Así también resultan las obras expuestas, porque nos recuerdan fotografías caseras que podemos “photoshopearlas” libremente.

“Trabajo por temas y en su mayoría son escenarios urbanos; trabajo con la fotografía porque me permite captar un fragmento de la realidad visible y psicológica, como un estudio preliminar, donde antes de trasladar la imagen al lienzo hago una serie de composiciones. Soy un errante que captura imágenes en la ciudad. Así se inicia todo este recorrido” nos conversa el artista.

Al observar rápidamente los cuadros de Espinoza, éstos evocan el formalismo que dejó el “pop art” en la plástica peruana de los 70’s, sin embargo se escapa de esa denominación y crea, con un lenguaje propio, aquellos retratos “urbano colectivos”. Prueba de ello es Candor donde los tonos marrones, rojos cargados y ocres, predominan recordándonos los afiches producidos por Jesús Ruiz Durand. Luis Alberto sin embargo, observa que su mayor influencia proviene de los coloridos cuadros de Enrique Polanco, del sentido realista de Cristhian Bendayán y las composiciones fotográficas de Carlos “Chino” Dominguez.

En esta exposición, el tema urbano está siendo revalorado por un joven artista representativo de la plástica peruana actual, dotado de una buena técnica que nos lleva a admirar cada aspecto formal de su obra, mimetizándonos en sus personajes, contemplando los colores y acercándonos de una manera distinta, a la realidad de nuestro entorno.

Sobre el pintor
Luis A. Espinoza egresó de la Escuela Superior de Bellas Artes la especialidad de pintura y obtuvo el Bachillerato por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Ha participado en diferentes concursos de pintura, obteniendo en dos de ellos el primer premio: “Arte en Libertad” organizado el 2008 por Mapfre y el II Concurso Nacional de Pintura: “Jóvenes creadores 2009” organizado por la Municipalidad Metropolitana de Lima. Realizó su primera

Edición 16 - Cine: El cine después de mayo del 68

2010-09-05T18:14:00.001-07:00

O cómo la revolución sociocultural más importante de la segunda mitad del siglo XX influenció a la cinematografía mundial.

La revolución del Mayo francés está por cumplir 42 años. Se trata de la cadena de sucesos que se dieron en Francia (especialmente en París) como consecuencia de la convergencia de protestas de los sectores universitarios y secundarios (que protestaban contra la guerra de Vietnam y el imperialismo reinante de la época) y el movimiento obrero que terminaron confluyendo en una ola de violentas protestas y en la mayor huelga general de la historia de Europa (fue secundada por más de 9 millones de trabajadores).

Por: Rafael Arévalo

Sin lugar a dudas, el mundo atravesaba una serie de intermitentes cambios a medida que se acercaba el final de la década de los sesentas. Las diversas subculturas que habían aparecido en años anteriores comenzaron a eclipsarse mientras la juventud se mostraba cada vez más comprometida con la política, ya que deseaban conocer cómo es que funcionaba el sistema para así poder generar los cambios necesarios. De manera inevitable, todas las expresiones artísticas de entonces se vieron influenciadas por la coyuntura que se vivía, sobre todo el cine, que demostró una vez más su enorme poder como instrumento de formación de consciencias.

El cine en torno a Mayo del 68 fue sumamente político no sólo porque documentó y denunció todo lo que ocurría en aquel tiempo, sino porque la realización y circulación de películas sobre el tema cuestionaban las categorías sociales en todo momento y potenciaban la búsqueda de una transformación más que necesaria. Sin embargo, el tiempo le dio la razón a Jean-Luc Godard, que afirmó en aquellos días que el cine político sólo convencía a aquellos que ya estaban mentalizados con la idea que defendía el filme.

Un cine más comprometido de Francia para el resto del mundo

La nueva ola francesa acababa de surgir y cambió el panorama cinematográfico mundial para siempre. Los jóvenes críticos de la emblemática revista Cahiers du Cinéma desafiaron todo lo establecido y realizaron un cine desprovisto de grandes artificios, más sincero y directo, con el mínimo equipo necesario y con unas ganas de revolucionar o morir en el intento.

La primera cinta de esta nueva corriente fue “Los 400 golpes” (1959) de Francois Truffaut, Le siguieron “El signo del león” (1959) de Eric Rohmer, “Los primos” (1959) de Claude Chabrol, “Paris nous appartient” (1959) de Jacques Rivette y “A bout de soufflé” (1960) de Jean Luc Godard, entre los más importantes. Todos fueron auténticos éxitos de crítica y se repartieron los más importantes galardones de todos los grandes festivales de la época. Un nuevo cine de guerrilla había nacido y estaba dispuesto a dinamitar las bases de la industria para revalorizar el cine como arte y expresión.

Cuando los primeros hechos que provocarían el Mayo francés se empezaron a suceder, la mayoría de cineastas ya se mostraban sumamente comprometidos con los cambios que se venían dando, pero fue recién cuando la revolución reventó más de lo que nadie jamás imaginó, que el cine reflexionó sobre los resultados desde todos los puntos de vista posibles.

Todo se originó en la misma Cinemateca francesa. Fundada en 1936 por Henry Langlois y Georges Franju, fue, desde sus inicios, el templo máximo de todos los amantes del séptimo arte. El placer cinéfilo del redescubrimiento del cine se irradiaba desde allí al mundo entero. Las nuevas generaciones pudieron conocer la obra de maestros y cultivar un culto sin precedentes. En Febrero de 1968, se produjo el quiebre.

Langlois es destituido por el ministerio de cultura (que alegaba deficiencias administrativas) y esto genera una ola de protestas. Todas las personas vinculadas al cine salieron a las calles y se enfrentaron a la policía para elevar su voz en protesta contra una decisión que consideraban injusta y que incluso contaba con el apoyo de diversos artistas e intelectuales de todas partes del mundo. Luego de varios días de tensión, Langlois fue restituido en su cargo. Es innegable la importancia que tuvo este suceso como antecedente directo de la revolución de Mayo, que tuvo como principal momento la interrupción del mismísimo Festival de Cannes provocada por los propios cineastas.

En el ámbito netamente cinematográfico, la resaca de estos sucesos provocó una serie de estrenos de largometrajes que mantuvieron este tema en el ojo de la tormenta. Además de filmar “La chinoise” (1967), un claro antecedente que nos muestra a cinco jóvenes encerrados en un departamento durante el verano de 1967 mientras debaten y filosofan sobre el futuro, Godard (quien se había metido de lleno en el movimiento maoísta) creó el grupo Dziga Vertov que se encargaría de filmar pequeñas cintas influenciadas por las propagandas soviéticas que mantenían siempre informados a todos los interesados.

Otras cintas importantes fueron “Besos Robados” de Francois Truffaut, una historia de (des)amor enmarcada en esa época de tantos cambios, al igual que “L’Amour fou” (1969) de Jacques Rivette. También hay que mencionar a “Grands soirs et petits matins” (1978) de William Klein, un documental que deconstruye la historia diez años después y “Loin du Vietnam” (1968), película grupal en la que participaron Godard, Joris Ivens, William Klein, Claude Lelouch, Chris Marker, Alain Resnais, Agnès Varda, entre otros para “afirmar, mediante el ejercicio de su profesión, la solidaridad con el pueblo vietnamita en lucha frente a la agresión estadounidense”.

Entre las últimas películas de los últimos tiempos sobre el tema destaca “Los soñadores” (2003) de Bernardo Bertolucci, filmada de manera casi íntegra en el mismo departamento parisino en el que años atrás el mismo realizador rodará “El último tango en París” con el mítico Marlon Brando. En esta oportunidad vemos a un grupo de tres jóvenes (dos franceses y un estadounidense) que viven literalmente encerrados mientras toda la revolución se viene dando en las calles. No deja de ser simbólico que los dos actores galos (Eva Green y Louis Garrell) sean hijos de artistas que vivieron intensamente el Mayo del 68.

El lema “prohibido prohibir” sigue dando vueltas en las cabezas de muchos. Aquellos días de rebeldía continúan en la memoria colectiva de todos los apasionados por la historia. Intentaron cambiarlo todo de una manera romántica y utópica y, aunque no lo lograron, sus ideas siguen de manifiesto para muchos, pero esta vez todos los interesados parecen estar dispuestos a dar a conocer sus posturas a través de películas.

Edición 16 - Teatro: Jarana, comedia musical de la costa peruana

2010-09-05T18:05:00.000-07:00

Teatro de jarana

La dramaturgia retorna con fuerza gracias al apoyo de Instituciones culturales como El Centro cultural Peruano Británico, conocido ya por ser promotor de importantes obras teatrales en nuestro país como el concurso nacional de dramaturgia que busca incentivar a jóvenes creadores y la actividad productiva del género teatral.

Brindando además espacios para el desarrollo de excelentes producciones tanto de reconocidos directores teatrales así como talentos independientes que luchan por llevar sus obras a las tablas, contribuyendo con profesionales actores, escenográfos, diseñadores, etc.,que forman parte de esta expresión.
Tal es el caso de la obra JARANA comedia musical de la costa peruana, que reúne a actores, músicos y bailarines en torno a un ritmo que marca nuestra identidad a son de fiesta, baile y diversidad en cuanto a sus géneros; la música criolla.

Las tradicionales jaranas, originarias de “las diversiones nocturnas de carácter popular” aglomeraban el modo de ser de la cuidad, sus bailes típicos: la marinera, tonderos, resbalosas y valses, la famosa gastronomía y personajes típicos “Las chismosas del barrio” y los “jaranistas”.

Así nace y se impone la canción criolla, exaltada por Pinglo Alva y los clubes de músicos que amenizaban las calles de Barrios Altos, El Rímac, La Colmena, Abancay, Montserrate , la Victoria entre otros.
Esta propuesta acerca de una manera viva a aquellos ritmos de influencia foránea, que se conciliaron a través de tiempo con una naciente cultura dando origen a los más exquisitos compases cuyas letras intimistas tienen en su repertorio una gran variedad de temas.

Es así que la música criolla se convierte en la protagonista de la obra, que al son de guitarra, sonoras voces y cajón nos trae la historia de una familia de clase media cuyos integrantes, desde su perspectiva de género, edad y experiencia de vida, nos presentan diferentes miradas sobre una misma historia familiar a través del tiempo.

Valses, polkas, pregones y la infaltable marinera son ritmos cuyas letras y contenidos versan el amor, el dolor y la alegría tornándose en componentes ineludibles para una verdadera jarana. En este tenor Susana Roca Rey, productora musical, nos comenta que la jarana criolla es una verdadera fiesta de cantos y bailes celebrados días enteros en una vivienda e incluso en un vecindario, pero hablar de la canción criolla no sólo es hablar de los ritmos mencionados, es hablar también de grandes compositores como Serafina Quinteras, Luis Abelardo Núñez, Raúl Valdivia, Pedro Espinel, Amador Paredes, entre otros, que están presentes en “Jarana” y cuyo legado es interpretado por jóvenes músicos como, Milagros Guerrero, Carlos Castillo, Lucy Avilés, Ebelin Ortiz y Eduardo Abán “Papeo”.

¿El lugar de la historia? Una azotea de algún lugar de Lima, una azotea donde la bulla ya se hace sentir, un espacio que revivirá aquellas infinitas jaranas donde el corazón vibra a cada golpe de cajón y pregón; donde la comida, siempre infaltable tanto como la música, son elementos tan imprescindibles como el baile y la picardía.

La escenografía no podía estar lejana a una particular visión de Lima, es así que recrea a escala una obra del destacado artista Carlos Enrique Polanco (Techos. 2009).

Carlos Tolentino, director de la obra, nos comenta al respecto: “… y esto encajaba totalmente con la visión de Polanco, Enrique dentro de toda su producción tiene toda una serie de cuadros que son azoteas, pero no plasma la postal, es algo más, tiene una visión absolutamente diferente para darle esos colores de carnaval, de atardecer que en el fondo tienen cierta melancolía, coincidimos ambos en una estética del abandono.”

Edición 16 - Música: La fuerza de la música

2010-09-05T18:01:00.001-07:00

Abel Pérez y su nueva alternativa para la educación musical en el Cono Sur de Lima

Uno de los aspectos que siempre he apreciado de los artistas es su fuerza y constancia por hacer de los obstáculos y problemas el motor para su creación y utilizarlos al servicio de sus trabajos.

*Por Raquel Carolina Castro C.

El músico y maestro Abel Pérez nos es la excepción a esta nueva corriente de artistas y promotores peruanos creativos, trabajadores y sobre todo muy porfiados.
Su novel escuela de música Melodías, al convertirse en la primera del cono sur con proyección internacional es su mejor sello de presentación.

“Busqué una unión académica con otros colegas, quiénes rechazaron mi propuesta de establecer un centro musical” recuerda Abel el entonces profesor de educación musical de un colegio del distrito de vitarte.

Animado por un grupo de padres de familia del colegio, decidió crear por su cuenta la primera escuela del cono sur.

“Sentí la necesidad de sembrar música en los corazones de las personas y dar nuevas alternativas de enseñanza y preparación musical”

Nuestro país es uno de los más sensibles en cuanto al mundo de la música y el medio más seguro para perder su apreciación es limitando las oportunidades para los jóvenes creadores y público de otras zonas de Lima.

“Quería unir todos los género, campos y ritmos de música para la enseñanza artística en nuevos alumnos, promover talentos y espectáculos artísticos” nos indica.

Conociendo que la buena música se da dependiendo de su creador y su interpretación, buscó el respaldo de destacados profesores del Conservatorio de Lima como Katiuska Delgado, Paúl Chávez y Eduardo Torres en el 2008; ampliando el currícula con las especialidades de dirección coral, dirección y educación musical, composición y arreglos.

Villa el Salvador, polo de desarrollo de nuestra Lima actual se convierte en el punto de partida y expansión artística con la creación de su orquesta de cámara, los convenios con la Municipalidad del distrito, agrupaciones y promotoras; así como la profesionalización de su músicos gracias a las alianzas con instituciones como Orval y la Facultad de Teología Pontificia Civil de Lima, e internacionales: los Conservatorios Internacionales de Argentina y Brasil. El sueño de Abel convertido en una obra prima.

Edición 15 - Investigación: El plebeyo de la Lima criolla

2010-09-05T17:49:00.001-07:00

Felipe Pinglo y El Cancionero de Lima

Eran los años de la década de 1920 en Lima y eran también tiempos de entusiasmo musical por el tango, el fox-trot, el one-step, entre otros de origen foráneo. Sin embargo unas décadas antes, desde finales del siglo XIX, el Vals y la Polka europea llegarían para quedarse, echar raíces y nacer desde él un fructífero repertorio criollo de valses, polkas, marineras y tonderos iniciada con la “Guardia vieja” e inmediatamente después, con Felipe Pinglo Alva.

*Por Edwin Ortiz.

En aquellos días de 1920 ya en pleno “Oncenio de Leguía” (1919-1930) y en plena Juventud de Felipe Pinglo, la idea musical y poética de los valses ya contaba con la madurez suficiente por la cual los compositores se entregan a la creatividad, estando así a la altura de los gustos populares, compaginándose con esos otros ritmos extranjeros pero esforzándose por estar más presente y contar con la aceptación colectiva urbana.

Sin embargo, el gusto musical de la sociedad de entonces se dividía en dos: lo foráneo aceptado por el sector alto y medio, y las nuevas canciones locales de interés en la clase popular. Estas creaciones locales tenían picardía, por veces jaraneo y en otros melancólica pero siempre con la gracia de la música negra. Este sabor limeño que se interpretaba en los barrios populares pero era rechazada por las demás considerándola música de “medio pelo” o “media mampara”.

En este contexto de avidez musical se funda el Cancionero de Lima en 1910 a iniciativa de Manuel Ledesma. Salía todos los sábados a precio de dos centavos, donde su público objetivo era la gente del pueblo, que prefería mensajes de sus propias vivencias y experiencias. Único vocero y por ello era el medio preferido por los compositores criollos para difundir sus creaciones. Más adelante en 1929 se uniría a esta labor de difusión de La Lira Limeña a cargo de su editor Pedro A. Casanova. Sin embargo a partir de 1930 la presencia de tangos en las publicaciones era abrumadora, llegando a su clímax con la muerte de Carlos Gardel, dedicándole en El cancionero de Lima varios números de su serie, explotando de esta manera su desaparición.

Felipe Pinglo con su prolífica y variada producción, iniciaría una nueva etapa en la historia de la música criolla. Pasando del vals de versos superficiales y de fáciles melodías, para adquirir con él definida personalidad, con una melodía diestramente articulada acompañada de armonías que la modernidad de su tiempo le fueron trayendo y sobretodo de profundos versos que refleja la realidad social, connotando así una personalidad que no fue ajeno a la realidad de su época. Y los cancioneros se encargaron de difundir y calar en la memoria de quienes eran actores de este entramado social.

Pinglo habría compuesto en toda su existencia más de 300 composiciones evidenciando su sello lírico pues desde joven era lector asiduo de poetas como Rubén Darío (célebre por sus Prosas profanas y Cantos de vida y esperanza), Federico Barreto quien publicaba poemas en la revista Actualidades y que además dos de ellas sirvieron de letra para los valses Jaspe y Último ruego; también está Leonidas Yerovi quien publicaba sus poemas principalmente en la revista Variedades, Gustavo Adolfo Bécquer, poeta español modernista y Amado Nervo.

Musicalmente se conoce que Pinglo era zurdo al tocar la guitarra sin invertir las cuerdas de este instrumento, consiguiendo sonidos peculiares. Asimiló también los nuevos ritmos, de este modo fusionó vals limeño con armonías provenientes del tango argentino e incursionó en la composición de otros géneros musicales como el fox-trot en El sueño que yo viví, Llegó el invierno, Los sueños…sueños son y Dolores así como también temas en One step con Alejandro Villanueva, Juan Rostaing y Cuando tus ojos me miran.
Muchas de estas canciones tenían un contenido autobiográfico con un toque melancólico y muchas de ellas sugeridas por el ambiente bohemio, las angustias provenientes de sus males físicos y también por las protestas ante las injusticias sociales. Las calles de Barrios Altos con sus personajes sirvieron de inspiraron a temas como Rosa Luz, Linda morenita o De vuelta al barrio. Pinglo cantó al amor con su depurado lirismo en el vals Amelia y por esto fue comparado con los principales poetas románticos. Sin embargo sería con El Plebeyo que plantea un drama social y se tornó popular en 1930.

Los cancioneros no era más que una especie de folleto en el que se aprecia la calidad poética pero no el carácter musical porque no le acompañaba ninguna especie de cifrado armónico ni mucho menos alguna partitura como en la actualidad pero que sin embargo la gente aprendió a memorizar y cantarlas de oído. Por ello el valor documental de los cancioneros es parcial.

Pinglo en la música contemporánea

La música criolla al llegar a su madurez se convirtió en un paradigma, conservadora en su estructura produjo inconscientemente una fractura generacional y con ello una limitación, se llegó a decir que estaba “desgastada”. Durante décadas han transcurrido diversos intérpretes y compositores talentosos con producciones que llegaban al público de siempre pero con poca suerte para atraer a un público joven, revirtiéndose de un género popular a uno segmentado. Ya no reflejaba los nuevos hábitos y costumbres, ni el nuevo modo de sentir y ver el mundo.

En la actualidad se intenta mantenerla a través de programas de televisión evocando canciones de profundo sentir criollo, muy apegados a la tradición logrando cierta presencia en el medio. Esa fuerza criolla se siente también en las peñas, que abren sus puertas todos los fines de semana; concentrándose en Breña, Callao, Cercado de Lima, La Victoria y Lince.

Durante estos últimos años se han realizado esfuerzos por difundir la música criolla en un público más amplio a través de nuevos arreglos y adaptaciones. Uno de ellos es Pepe Torres quien con sus dotes musicales hizo un arreglo de “El plebeyo” con un atinado sólo para guitarra. Así mismo, Gianmarco Zignago en su disco titulado: Señora, cuénteme (1994), realizó un homenaje a la música criolla y en ella incluye un tema de nuestro bardo criollo. Pero recientemente quien ha tenido un fuerte impacto es el músico y productor Jaime Cuadra, de quien los críticos han valorado positivamente su trabajo, infundiendo “nuevas vestiduras” a temas clásicos del repertorio criollo y es que en poco tiempo su disco más difundido: “Cholo Soy” ha tocado en muchos países. El disco es una producción chillout donde incorpora la electrónica a diversos ritmos con melodías criollas ya sean valses, marineras e inclusive, el Himno Nacional del Perú, obteniendo un sonido diferente, contemporáneo, usándola tan libremente con un agudísimo sentido musical y muchas veces ácido.
Uno de los temas elegidos en el volumen 1 de “Cholo Soy” fue El plebeyo, donde suprime la letra explotando así los arreglos instrumentales. Al preguntarle a Cuadra sobre este detalle nos comenta que “quiso sacarle toda la destreza del instrumentista en el solo de acordeón que hace la línea melódica en una base de cuatro tiempos”. Su discurso musical comienza con una percusión que imita el latido del corazón, sístole y diástole contundente, para luego hacer variaciones cíclicas en todo el tema. “Era muy importante para mí -agrega Jaime Cuadra- porque tiene mucha simbología: El corazón, el sentimiento por la música y qué mejor un corazón que lleve a todo el tema. Es muy importante el corazón pues conecta con uno mismo y te jala” para luego entrar con un charango “desafinado adrede, un charango que le pone la nostalgia andina” y sonidos electrónicos que da la entrada al acordeón dibujando la línea melódica”. A mitad del tema se desarrolla el “Condor Pasa” proponiendo sutilmente lo andino, para luego volver al “Plebeyo” y finaliza con ese latir. Es así como un músico contemporáneo interpreta lo tradicional, de modo personal, que es válido y abre nuevas puertas a nuestra música.

Fuente:

Felipe Pinglo… a un siglo de distancia. Manuel Zanutelli Rosas. Editorial la gaceta S. A. Lima 1999
Felipe de los pobres: vida y obra en tiempos de luchas y cambios sociales, Ernesto Toledo Brückmann - Editorial San Marcos, Lima 2007.

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[1] Sus composiciones las publicaría en ambos cancioneros. En El cancionero de Lima dio a conocer: “ El Huerto de mi amada” (No 976), “Horas que pasa” (No 977), “Melodías del corazón” (No 979), “Canciones del porvenir” (No 1046), “A la memoria de Carlos Saco” (No 1053), “El Plebeyo” (No 1081), “El espejo de mi vida” (No 1082), Acompañada con una nota que dice: “Valses de toda moda” y en La lira Limeña se publicaron , “Juan Rostaing” (No 76)

“Bouquet” (No 96), “A la memoria de Artemio Prada” (No 118), “Rosa Luz” y “Pasión y odio” (No 123) Con notas que dice “gran vals en toda moda, cantado en cines y teatros”.

Edición 15 - Galería

2010-05-19T20:43:00.000-07:00

De vuelta al barrio
El retorno del criollismo en el arte

Las culturas chicha o novoandina, por la predominancia de los pobladores del ande y de la selva como nueva identidad de nuestra ciudad, nos recuerda otro fenómeno muy parecido; símbolo de la Lima de antaño: “El criollismo”.

Por Raquel Carolina Castro

El movimiento cultural, heredero de los rezagos coloniales de la clase criolla (hijos de españoles nacidos en Latinoamérica) junto con los aportes de la sociedad afroperuana, marcó una tradición popular urbana en sus costumbres que se vio reflejadas en un conjunto de expresiones culturales, entre ellas la literatura, la música y la plástica.

A fines del siglo XIX, el Perú inicia un proceso de autoconocimento y búsqueda de un sentimiento nacional. El surgimiento de una nueva identidad -marcada por la admiración por sus habitantes, iconografía, costumbres y paisajes-, permitieron captar lo más característico de lo peruano en diversas manifestaciones.

Pancho Fierro, padre del criollismo en la pintura
Como señaló José Sabogal sobre Pancho Fierro, artista mulato y autodidacta “es el primer artista criollo peruano, que percibe el magnífico espectáculo de formas de su tierra, antes de él inadvertidas (...) inicia el ciclo de la nueva plástica peruana”. Desde pequeño, tras la independencia del Perú, Fierro representó a los pintorescos personajes limeños, las festividades populares y las alborotadas procesiones, plasmadas en sus costumbristas acuarelas, las que formaron su genialidad y mítica figura.

Del callejón a la galería
El redescubrimiento de lo étnico en el movimiento indigenista y el folklore, llevó a destacados artistas a no dejar de lado el tema criollo. Vinatea Reynoso, Sabogal y Alfonso Sánchez “Camilo Blas” dan a conocer, a través de obras como Vista en Amancaes, La Jarana, El callejón, entre otros; la vida sencilla, alegre y el humor de los citadinos.

La Lima de los albores de la República no sólo fue de los campanarios, las flores y balcones: la casona colonial dio pase a los callejones de habitantes marginales y desheredados por las clases dirigentes.

Allí se crearon las tradicionales jaranas, las diversiones nocturnas de carácter popular -según el diccionario de peruanismos de Arona- para matar las tristezas, penas, zozobras del trabajo y la vida dura. En este espacio se aglomeraban el modo de ser de la cuidad y sus bailes típicos: la marinera, tonderos, resbalosas, valses, gastronomía y personajes típicos como las chismosas del barrio y los jaranistas, agrupando a zambos, negros, mulatos, blancos y cholos.

Así nace y se impone la canción criolla exaltada por Pinglo Alva, el entonces grupo juvenil La Palizada y clubes de músicos que amenizaban las calles de Barrios Altos, Rímac, La Colmena, Abancay, Montserrate, La Victoria, entre otros. En esta etapa, la procesión del Señor de los Milagros toma auge y se vuelve multitudinaria, convirtiéndose en símbolo de peruanidad.

El criollismo en el arte actual
Son múltiples las posibilidades de construir nuestra identidad nacional. El artista de hoy tiene la oportunidad de retomar las tradiciones y utilizarlas como base o modelos de creación. Revalorar la producción artística de aquellos maestros, adecuándolas al campo simbólico donde se manifiestan los cambios de las nuevas tendencias, a mí parecer, podrán crear un carácter particular y propio al arte peruano actual.

Edición 15 - Entrevista

2010-05-19T20:39:00.000-07:00

De vuelta a la Cuadra:
Entrevista a Jaime Cuadra, creador del Vals Peruano Fusión “Cholo Soy”

Jaime Cuadra nos acerca a sus gustos por la música criolla a través de sus producciones chillout. Él nos comenta acerca de sus nuevas propuestas y resuelve algunas dudas sobre su disco “Cholo Soy” que ya se encuentra en el segundo volumen.

Por Eibby Rosillo Angeles.

AC: ¿Cómo resulta la mezcla chillout de la música criolla que tú desarrollas?
J.C: A los 19 o 20 años me interesé en la música criolla de los trovadores antiguos. Tenía una pasión para aprender los acordes y las letras. Más adelante, cuando me lancé de solista de música pop, tuve el interés de hacer un mix con canciones tradicionales buscando algo nuevo. Así me puse a investigar diversos temas criollos comenzando por aquello que más me gustaba, aunque por un tiempo me dediqué a otros trabajos musicales hasta llegar a fines de los 90’s donde surgió a nivel mundial la fusión con el chillout porque me gusta más que haya algo suave dentro de la electrónica y esto se encontraba justo ahí, a diferencia del chillout europeo que lo sentía muy simple. Desarrollé el Cholo Soy con ritmos de jazz, chillout, melodías de música criolla y modifiqué (el compás) de 3/4 a 4/4. No hago ninguna evolución en el vals criollo, hago un remake de los temas más populares de la música criolla y lo llevo a otro género. Por el vals no he hecho nada.

AC: El Cholo Soy recuerda indudablemente al chillout argentino, particularmente a Tanghetto, porque sólo toma del tango la melodía y no así el ritmo. ¿Qué opinas de ello?
J.C: Hice trabajos con ritmos argentinos, por ejemplo en El Plebeyo recojo el acordeón, que muchos confunden con el bandoneón, en ritmo de tango. Pero así como usé el tango también utilicé la bossa. He utilizado todos los géneros latinoamericanos y en el Cholo Soy2 usé también flamenco. Por eso es un disco muy variado y parejo y siempre trato de no repetir el mismo género. Bossa, Jazz se juntan mucho, hip hop.

AC: En el Cholo Soy 1, el único que es instrumental es El Plebeyo. ¿A qué se debió?
J.C: No te puedo dar una explicación del porqué, no es por menospreciar la letra pero tampoco tengo una explicación para ello. Me sentaba todos los días de esos años, 2005 al 2006, a trabajar en mi estudio y quizá se deba porque quise sacarle provecho al acordeonista. Un tema es tan rico por su letra como por su melodía y en aquel momento pensaba en un disco hecho para el Perú, si lo hubiera imaginado para afuera le hubiera puesto letra. Aquí la gente escucha el instrumental y tiene la letra en la cabeza. Y El Plebeyo tiene mucha simbología: los latidos del corazón te lleva en todo el tema, te conecta y te jala. El charango también tiene lo suyo, quería ponerle algo de andino. Toco un charango desafinado adrede y le agrego el tema del Cóndor Pasa que también es una sutileza. La guitarra que le he puesto tiene un sentimiento distinto, es más rica. Los valses por lo general son llorones pero con el tema andino se le pone un sentimiento distinto. A ese tema le puse tango y le fue muy bien porque los compositores e intérpretes de ese tiempo, Luis Abanto Morales y el mismo Pinglo, tuvieron influencia del folclore argentino en nuestro vals y fueron criticaron en su momento también. Los grandes compositores como Chabuca Granda tenían una posición abierta, no sabemos quien adoptó una posición cerrada de que el vals no se modifica y no me parece esa postura. Si vemos en nuestra historia hasta el año 2006 sólo dos nos atrevimos a introducir cambios: Los hijos del Sol quienes armonizaron temas criollos con jazz, lo transformaron, afinaron y pusieron la voz de Eva Ayllón, maravillosa, modernizando el vals como género. Nosotros no hemos desarrollado el género como lo hizo Piazzola quien marcó una época y cambió el tango. Aquí se hizo algo pero mucha gente no acepta modificaciones y muchos de ellos han adoptado un género como lo hace Eva Ayllón.

AC: Tú has mezclado temas criollos pero nunca has compuesto uno con fusión.
J.C: Yo no me siento con el deber ni me toca a mí modificar el vals, yo soy productor musical, agarré las canciones que me gustaban y les hice nuevos arreglos, a mí me encanta la música tradicional y la sigo escuchando, pero ayuda mucho a que los jóvenes entiendan estas composiciones, que las hagan suyas y que tengan curiosidad para ir a las originales y así conozcan su música. Hay gente que no sabía el repertorio de los valses criollos, jóvenes entre los diez a veintitantos años que no conocían más que la flor de la canela. Y ahora conocen más, porque Cholo Soy tiene todo el aspecto juvenil, todos conocen el disco y mínimo se conocen 10 más y las hacen suyas.

AC: ¿Sientes que tus producciones son dedicadas más a los jóvenes?
J.C: Es que yo entro a sus códigos cuando a mí me gusta algo, el acercarme a ellos es como llevar una promoción de colegio con toda su onda. Lo mismo he hecho con la música. Yo no he transformado nada y soy primero en admitir que debería haber más compositores, más medios de comunicación que abran las vitrinas para que los nuevos muchachos entren, pero también estos muchachos no deben ser tan pegados a lo tradicional, ya la base debería cambiar un poco. Si se piensa en la historia de la música criolla lo mismo ocurrió con el acordeón, las castañuelas, el cajón, que no existían en los valses iniciales. Toda la música en el mundo evoluciona, entonces estos nuevos compositores deberían estar pensando en nuevos arreglistas pero no digo que lo cambien a cuatro cuartos sino en tres cuartos y seguir pero no quedarse ahí.

AC:¿Qué dicen los puristas de la música criolla acerca de tus producciones?
J.C: Te digo una cosa curiosa, el defensor más aguerrido del vals criollo es Augusto Polo Campos y me adora, eso no lo sabe mucha gente, pero es mi hincha. Yo hago cosas ácidas y a él le encanta. Hay un tema que se lanzará el 2011 y no tiene nada que ver con Cholo Soy sino es más ligado a mi carrera como productor musical. Hago música peruana de alguna manera, no necesariamente tengo que representar al vals, sino a la música peruana en general o latina, ahora tengo las puertas abiertas en el mundo. Augusto Polo campos hizo una canción y yo estoy feliz por James Bond y “Regresa“. He entendido claramente las cosas y es que por ese camino se abre muchas puertas, estás en contacto con el mundo, y se puede llegar muy lejos. Es lo más ácido que he hecho y él está feliz.

AC:¿Qué has mezclado?
J.C: Es un tema de él, que él mismo lo interpreta y te darás cuenta cuando lo oigas. Yo he tenido contacto con gente mayor: Polo campos, Abanto Morales y todos me apoyan. Les presenté un producto casi nuevo, fui atrevido y eso realmente vale. Intenté explicar mi proyecto en un comienzo, cuando aún no estaba el Cholo Soy y me resultó bien abstracto.

AC: Tú eres uno de los tres músicos más importantes que han hecho chillout con música tradicional peruana. Está Novalima, Micky Gonzales y tú con la música criolla. Sientes que has influido con este cambio, te has dado cuenta que te has posicionado a la vanguardia de una vertiente donde están ingresando nuevos músicos que hacen fusión.
J.C: A mí me da mucho gusto porque no me voy ha quedar en lo mismo, porque mi proceso y mi forma de ser es siempre tratar de adelantarme, tratar de marcar y sembrar. Yo no me quedo con un género ni me voy a dedicar a eso porque me ligó o funcionó. Cholo Soy está creciendo todavía no es que se haya terminado. Acá tal vez el fenómeno de la cumbia distrajo un poco la corriente de la fusión pero ya se está retomando. Hay muchos talentos en este camino y hay también bastante gente trabajando en esto quizá tomando como ejemplo algún trabajo mío y estoy muy honrado.

AC: Ningún tema de Cholo Soy fue tocado en la radio, ¿como has hecho con la difusión?
J.C: Yo estoy mucho más satisfecho que no se toque por la radio y que me conozca todo el mundo, es un fenómeno buenísimo para mí. Nunca estuve de acuerdo con los programadores de Radio Nacional que nunca apoyan lo nacional y realmente no me interesé que lo hiciesen con lo mío porque si quieren hacerlo, bienvenidos pero si no pues no me importa. Es una falta absoluta de respeto a los músicos peruanos. En todas partes del mundo el artista nacional tiene como mínimo el 51% porciento de la difusión y no los artistas internacionales. Las emisoras prefieren pasar refritos antes que la música nacional, salvo la cumbia, que aplaudo porque la gente lo ha reclamado pero hay mucho rockeros que se mueren de hambre y gastan todos sus ahorros por su trabajo y están ahí, y ahora el nivel de de calidad de grabación es altísimo en el Perú. No hay excusa ahora porque antes los programadores se escudaban diciendo que el nivel es bajo comparado con otro, ahora es igual. Imagina cuántos hits se habrán perdido así. Cholo Soy es el disco más vendido en historia de la discografía peruana y ahora se va por el doble platino. Para la difusión usé mucha estrategia. Yo he trabajado en publicidad por mucho tiempo desde que tenía 15 años. Cuando lancé mi disco nadie me conocía como productor. Distribuí yo mismo de puerta a puerta a todos los restaurants, discotecas, tiendas, lo regalé a todos y el disco en el 2006 entre julio y agosto ya sonaba en todos lados. Además estaba la onda chillout que ingresaba con fuerza y todo era Tango, Bossa Nova, así que encontraron algo peruano y lo pusieron, comenzó a correr hasta ser disco de oro en tres semanas. Se vendió rapidísimo, porque el boca a boca corrió y me apoyaron mucho las cadenas de tiendas. La estrategia de marketing y la publicidad fue muy fuerte.

AC:¿Cómo has hecho con la piratería?
J.C: La piratería es un mal mundial, vive con nosotros. No lo avalo en absoluto. No estoy de acuerdo con ello pero no estoy interesado en ganar plata con los discos. No puedo combatirlo pero hay gente que no puede comprar un Cd de 29.90 soles y sí uno de 5. En una reunión de veinte personas alguien pasa su disco pirata pero siempre va a pasar que uno de ellos compra un original. Por cada disco que vendo se vende 99 piratas.

AC:¿En tu página no tienes para descargarlo?
J.C: Hay pero para Apple. En My Space sí tienes para descargar. Mi página web del Cholo Soy se va a modificar.

AC:¿cómo es el proceso de producción?
J.C: Los procesos han cambiado desde una manera más arcaica que después se perfeccionó. En el Cholo Soy 1, comencé apuntando en mi cuadernito los temas y luego los guardaba, después hacía la base y veía qué instrumentos podría ponerle, yo hacía algunos y luego los reemplazaba con invitados. Finalmente jazzeaba los temas, primero los secuenciaba y luego lo cantaba, cantaba Eva, Pamela Rodríguez y yo. El disco 1 se hizo muy rápido. A mí me critican la rapidez con la que grabo los discos pero para mí es muy fácil porque tengo mi estudio propio y cuando hago un disco me dedico a eso, tengo doce horas al día para hacerlo y lo que la gente se demora en sacar turno, juntar su plata, pagar, sacar cita, que serán uno o dos años yo lo hago rápidamente.

AC:¿Qué se viene para el próximo año?
J.C: Descansé un poco del chillout, el próximo año me voy a dedicar promocionar el disco Cholo Soy 2 y me voy de gira. Está entrando recién a Alemania y Francia. La gente siempre me va relacionar con eso como productor no como cantante. Es bien difícil que la gente te asimile cuando te dedicas a varias cosas, es complicado. El 2009 año he hecho cuatro discos y acabo de terminar otro que es de música coral para navidad titulado "Navidad a Voces" y creo que es uno de los mejores discos para navidad y no porque lo haya hecho yo sino por la calidad del grupo, son temas religiosos y no hablan de regalos ni nada de eso, sino más espiritual. Hice otra producción de boleros y el Cholo Soy 3 que saldrá para el 2011. Hay un disco en el que participo, que es el disco homenaje a Chabuca Granda donde aparecen algunos trabajos del Cholo Soy 3. Y otro disco de fusión donde participarán Micky (Gonzales), Novalima y yo. No quise volver a hacer nada electrónico pero la gente ve mi producción y quieren que les fusione sus temas para que se venda más.

AC: ¿Qué comentarios resaltantes has tenido acerca del Cholo Soy?
J.C: La crítica más blanda fue de una amiga artista quien me dijo que debía enfocarme mejor porque yo soy muy experimental, no me gusta estar puliendo armónicamente, si me suena bien, ahí está, no me importa cruzar el do con otra nota. Lo desarrollo y si me gusta al público también le gustará, mi amiga me dijo: mira hazlo mejor porque eso lo pueden usar para criticarte, púlelo mejor y es por eso que el Cholo Soy 2 está mucho más cuidado, el uno es más así como: me llega. El primero gustó más porque seguí mi instinto en cambio el segundo lo hice cubriéndome las espaldas. El tercero regresa más a eso. En cambio la crítica más ácida fue una de internet que decía: qué de valor tiene agarrar cualquier línea melódica y ponerle cualquier cosa encima.

AC: ¿Has conversado con la gente que hace chillout argentino? ¿Qué opinión tienen de tu trabajo?
J.C: Les gusta mucho. A toda la gente que hace la misma música que yo le gustó mucho. A Santaolalla le he llevado el disco muchas veces y me ha felicitado, Bajofondo Tango Club también. Ellos fueron los primeros en escuchar el disco, estaban de gira y les di el disco. En IMA Awards del 2007, un festival muy importante en New York donde participé con el Cholo Soy1, ganó mundialmente, ganó a todos los músicos independientes que participaron de todo el mundo, con jurados importantes que no eran chibolos que hacían música electrónica, era un concurso mundial. No me la creía antes de eso, siempre tenía mis dudas pero realmente funciona, ese disco no me costó nada en comparación al segundo disco. Un disco internacional cuesta así el primero no lo pensé para el mercado.

AC: Tú produces el disco y otras empresas lo reproducen.
J.C: Ahí no lo saco yo, ellos me compran la licencia, me pidieron 2000 discos para navidad, una agencia de viajes por ejemplo y ellos se encargan de todo. Igual para las películas, yo gano lo mismo que los autores. Lo que gané con James Bond lo ganó Abanto, Lo ganó Polo campos. Todos ganamos lo mismo.

AC: Este es una buena forma de publicitarlo
J.C: Pero yo no lo hago. En este tipo de “especial marketing” la gente le da muchas vueltas, (dicen) que es muy loco, que tal vez no le gusta a los viejitos, pero pegó lo más tradicional, Novalima es más tradicional que yo, me encanta como suena pero es más como para escucharlo en una peña. Lo mío tiene algo de la música criolla y el resto es totalmente diferente.

AC: Estaba haciendo una comparación del Coba Coba de Novalima que hizo chillout de La Concheperla con el que tú hiciste del San Miguel de Piura y son alejadísimos, al extremo.
B: Los estilos son diferentes, es más cuando hacia Cholo Soy yo no conocía a Novalima y un amigo me dijo: Ya te ganaron compadre y rápidamente compré su disco pero cuando lo oí era completamente distinto a lo que yo estaba haciendo; me encontraba a la mitad del Cholo Soy y lo pensé en dejar porque a mí me gusta innovar y no copiar ni parecerme mucho menos. Seguir corrientes como que no es mi estilo.

AC:¿Tú has conversado con Micky Gonzales acerca de su trabajo?
J.C: Yo no he tenido el placer de hablar mucho con él. Me gusta su trabajo. El estilo es más alejado de mí, como que es más House, más electrónico. El género que él utiliza es más electrónico. Para comenzar Micky utiliza temas inéditos en su mayoría. Café Inkaterra son los que idearon el disco y de ahí Miky investigó e hizo lo suyo.

Edición 15 - Cine

2010-05-19T20:33:00.000-07:00

Cuando la imagen se revela: el cine experimental

El joven realizador Rafael Arévalo nos habla de su primera película experimental Alienados y otros temas polémicos del cine peruano.

Por: Julisa Espinoza

Un hombre que duerme por largas horas (Sleep, Andy Warhol, 1963). Cuarentaicinco minutos de nubes y piedras (La Région Centrale, Michael Snow, 1971). Figuras geométricas que aparecen y desaparecen (Ballet Mecanique, Fernand Léger, 1924). Objetos que se mueven como máquinas pero sin utilidad alguna (The Way Things Go, Peter Fischli and David Weiss).

Surgidas de una imaginación irreverente, éstas películas fueron realizadas por directores que se atrevieron a romper las reglas del cine convencional y sacar de sus casillas a cualquier consagrado cineasta. El objetivo: ser provocadores, imprimir un sello personal o transmitir sensaciones visuales a través de una propuesta diferente.

El cine experimental nació en Francia a inicios del siglo XX con las corrientes impresionistas y dadaístas en el cine, las cuales utilizaron de manera particular los recursos del lenguaje audiovisual. Un ejemplo de ello es La caída de la casa de Usher (Jean Epstein, 1928), basada en la novela del mismo nombre escrita por Edgar Allan Poe. Epstein recurre a escenas de una sola toma, cámaras lentas, sobreimpresiones, desenfoques e iluminación; elementos ideales para graficar el clima enrarecido que circula en esta cinta de horror.
El cine peruano no se ha quedado atrás en éste género. En 1952 el renombrado pintor Fernando de Szyszlo, contagiado por el vanguardismo europeo, se atreve a dirigir un corto de temática surrealista titulado Ésta pared no es medianera, en la que actúa junto a su entonces esposa, la poeta Blanca Varela y amigos artistas.
Hay tres caminos frente a una película experimental: abandonar la sala, quedarse valientemente hasta el final o quedarse dormido. Sin embargo, a pesar de las duras críticas y de ser tomada pocas veces en serio, el cine experimental es una posibilidad para reinventar el cine frente a la maraña de películas donde todo parece estar dicho y hecho. Para los parientes del cine experimental, como algunos de los filmes del director canadiense David Cronenberg, las propuestas atrevidas le han servido para encarar con soltura otras visiones y géneros, como el caso de la cinta The Fly (La mosca, 1986).

ArteCorpus conversó con Rafael Arévalo (Lima, 1982) sobre su primera película de corte experimental (Alienados, 2008) y sobre nuestra realidad cinematográfica. Las expresiones vertidas, ciertas o no, nos permiten conocer la percepción de las generaciones más recientes de realizadores.

Alienados y el Cine Peruano por Rafael Arévalo:

Grabado en formato DVD, Alienados no me costó más de 250 dólares. Eso lo gasté en comprar casetes, pasajes y alcohol para celebrar con mis amigos después de las grabaciones. Ellos además me apoyaron en la producción, entre jalar cables y cargar luces. Tengo la suerte de compartir con mis amigos el gusto por el cine.
La cámara profesional que me iban a prestar la robaron unos días antes de la grabación. No tenía buenos micrófonos ni iluminación, así es que quise convertir todas las limitaciones y defectos en efectos: decidí utilizar una cámara casera y homenajear el cine mudo. Pero en éste cine hay que expresar mucho y mis amigos no eran actores, entonces dije: vamos a despersonalizar a los actores, despersonalizar la historia y convertirlo todo en una historia colectiva; voy a transmitir esa nada en los personajes. Por eso todos los personajes (creyentes de ovnis) -excepto uno- empiezan dementes, idos y aislados. No quise hacer efectos ni disolvencias, todo lo contrario: use tomas largas, muy pocos movimientos de cámara, blanco y negro, jugué un montón con los tiempos sin orden cronológico y grabé de día y en un solo plano; justamente para alargar esa sensación de la nada en la que estaban sumidos los personajes. En cuanto a la música está usada para llenar los vacíos de la falta de audio y para crear atmósferas.Sé que es una propuesta muy diferente de lo que se suele hacer en el Perú pero no quería caer en lo más tradicional, en lo más común. Con el poco presupuesto y la oportunidad de experimentar que te brinda el digital, dije: al diablo, hagamos una película completamente diferente. Si no puedo hacer la película más normal quizás si la más anormal. A la película le ha ido muy bien, me la han pedido de lugares menos pensados: Chile, España y Bolivia; próximamente se presentará en Argentina. La idea es retar al espectador, decirles que todos somos capaces de hacer una película.
Mientras países como Argentina o Chile producen y premian cine en digital, en el Perú se piensa que el digital no es cine de verdad. Es cierto que tiene limitaciones como la profundidad de campo o la ausencia de una imagen preciosista pero sólo es cuestión de ser conscientes de lo que quieres contar para acoplar tu historia. El digital permite además ser un campo de prueba para saber cómo resolver cuestiones de puesta en escena, dónde colocar la cámara, usar la edición o el tiempo desarrollado: te enseña a aprender el lenguaje. Pero la misma gente se auto limita, estudia varios años para terminar haciendo un guión y no han grabado ningún corto. Lo importante es intentar, mandarse, descubrir y correr riesgos. Hoy la tecnología es cada vez más barata y buena. Es cuestión de tener una idea y una cámara.

La cartelera de Lima es pésima. La mayoría son blockbuster gringos -un cine bien idiota en donde todos terminan besándose al final- y plagas de clichés. Sólo en cineclubes se proyectan cine de autor: los dramas humanos, cómo son los barrios bajos de Francia o películas que transmiten la idiosincrasia de Asia. Esas películas arriesgan y cuentan cosas sin mostrarte todo, te permiten ver un punto de vista diferente, porque no estamos en Asia ni en Francia. Encuentro más feeling en una escena donde un hombre ve a una mujer cepillarse los dientes. En el cine comercial rara vez vas a encontrar eso.

El público peruano no va a ver cine nacional porque no se identifica con lo que ve, no se siente tocado. Nadie se va a identificar con películas como Cuatro o Tarata porque siempre se llaman a los mismos actores y se muestran temas cliché como la miseria de la clase alta o lo popular. También en la mayoría de películas las actrices hacen escenas de desnudo por gusto, se venden muy fácil; y hay violencia e insultos con carajos a cada rato. Se subvalora al público, no se le respeta.
Conacine (Consejo Nacional de Cinematografía) sólo premia temas que tienen que ver con lo peruano: la sociopolítica nacional, el terrorismo, etc. Hay un tema de argolla, siempre premia a los mismos dinosaurios: Lombardi, Tamayo, Chicho Durant, quienes siempre ganan. En cuanto al cine digital Conacine, debe hacer algo para que se haga más películas en digital, repartir premios no a grandes proyectos sino a varios pequeños.
Rafael nos cuenta que para este 2010 tiene planeado presentar cinco cortos que se entrelazan con historias de suspenso, tomando como personajes íconos bien peruanos como el Ekeko o el Tumi. Será una historia más tradicional y accesible, dice. Nos adelanta que para este próximo trabajo actuaran profesionales y grabará con equipo A1. Otro proyecto que tiene para el siguiente año es participar en el Primer Festival de Cine B Peruano, el llamado cine de bajo presupuesto, que será organizado por un reconocido portal de cine: cinencuentro.com.

Un cine diferente:
El perro andaluz (Luis Buñuel, 1929 http://www.youtube.com/watch?v=uYr_SvIKKuI
Pierrot le fou (Jean-Luc Godard, 1965): http://www.youtube.com/watch?v=ycg2yb3qiUo
Cabeza borradora (David Lynch, 1977): http://www.youtube.com/watch?v=Ub_Oa5PF2UI
Los actores (Omar Forero, 2006): http://www.youtube.com/watch?v=yQjo3KHBYjM

Edición 15 - Teatro

2010-05-19T20:31:00.000-07:00

Cuando sólo te queda tu cuerpo:
Teatro de la Figura del Grupo Gaia

Pobre genético, esposa abandonada, migrante clandestino o desempleado en navidad: “cuando no tienes nada, sólo te queda tu cuerpo” repite Inés Pasic, fundadora del grupo de teatro Gaia.

Por: Nicolás Ortiz Esaine

A una cuadra de La Romana, a dos del Queirolo y a tres de Metro; Inés Pasic hace hora durante el estreno de la obra CUERPOración comentando, con hidalga vocación, la falta de auspiciadores. Comparte, con ternura franciscana, una bolsa de camotes snack. Todo es consecuente en este mundo donde prima la belleza austera del cuerpo semidesnudo.

Gaia (diosa Tierra en Griego) nos presenta el Teatro de Figura, que parte del minimalismo extremo en el teatro, en donde los protagonistas son los miembros de cuerpos humanos. Más allá de un espectáculo divertido y sobrecogedor, es un retorno a nuestra humanidad, si sabemos explorarla, torcerla y mostrarla.

Al inicio, la “pancita” de 50 años de Inés se transforma en una mujer esquizofrénica entre balanzas y comida chatarra. Luego, sus pies se convierten en un anciano adorable con bata y calcetín como gorra dormilona, en un monologo mudo. Una mano candorosa encarna un niño vivaz y tímido, que descubre el mundo con una pelota. Inés, quien compuso esta opera mima cuando se estrenó de madre, hace nacer a esta criatura con su mano izquierda; que aprende mientras recorre el escenario.

En el plato de fondo, los Cuentos Marinos inician con la mano de Inés dando forma a un heroico marinero, que persigue su barco de papel. El mar es invocado en el escenario por el cuerpo agitado y ondulante de Silvia Bando–Landa, que da vida al océano en sus embravecidas contorsiones.

De postre, una máscara ambiciosa, cuál espíritu maléfico, busca poseer los contundentes cuerpos femeninos de las actrices; persiguiéndolas por todo el escenario, en un espectáculo entre sublime y perverso.

Sin duda, Gaia disfruta cocinando y sirviendo platillos de cuerpos humanos, sazonados por la oscuridad. Una suerte de Chefs que disfrutan observando, con sigilo, como sus comensales saborean sus obras.

Con sólo 4 sesiones programadas hasta el momento, esta obra de Teatro de Cuerpos que nos ofrece GAIA en el teatro alternativo Galpón.espacio, es una oferta tentadora. Y aunque termine pronto, nos permite reflexionar sobre las inmensas posibilidades que el Teatro tiene de hacernos conscientes de cosas como nuestros propios cuerpos. ¿Hace cuánto no nos miramos al espejo de forma entera?

Gaia Teatro
Fue fundado por Inés Pasic, Hugo Suárez y Gabriela Bermúdez en el 2003. En el año 2008 se unen Marie – Eve Lefebvre y Silvia Bando – Landa. Sus obras y propuestas artísticas, a través del humor y drama, busca el encuentro con las verdades a las cuales el ser humano siempre regresa a nutrirse.

Gaia es un nombre utilizado por James Lovelock -Ingeniero Químico e Historiador- para designar la hipótesis según la cual la suma de todos los procesos individuales de los organismos vivos es un organismo mayor que los contiene.

Intérpretes: Silvia Bando-Landa, Marie-Eve Lefebvre e Inés Pasic.
Email: gaiateatro.produccion@gmail. com
Web: http://gaiateatro.wordpress.com

Edición 15 - Internacional

2010-05-19T20:24:00.000-07:00

PISA
La Torre inclinada

Por Ángela Acuña

El cambio de vuelo a última hora y las horas de retraso, no le restan ni un ápice de interés a mi visita a Pisa. Todo eso queda olvidado.
Al noroeste de la Toscana, extendiéndose sobre la llanura del río Arno, se enclava Pisa, ciudad que se hizo famosa por los monumentos que conforman el Campo dei Miracoli, por las esculturas de la familia Pisano y por su gran tradición en estudios científicos, iniciada por Galileo en la época del Gran Ducado de Toscana.

Caminamos por la vía Francesco Crispi, la cual al cruzar el Arno, cambia de nombre y pasa a ser la vía Roma, al final de ésta, nos espera la Piazza Duomo o Piazza dei Miracoli, el corazón de la ciudad, con el espectacular Duomo, su campanario o como comúnmente, se le conoce, la torre inclinada y el elegante Baptisterio de San Juan.
Aunque la belleza del Duomo y del Baptisterio, puede dejarte sin palabras, soy sincera y como el resto de los mortales me dejé seducir por esa construcción cilíndrica que parece saludar a sus visitantes con su inclinación.

Cientos posamos en los alrededores con las manos extendidas para realizar la más típica de las fotografías. En la que parecemos sujetar la torre para evitar que se caiga.
La construcción de este singular campanario, se encargó al arquitecto Bonanno Pisano hacia el año 1173. Este se propuso erigir un campanario en forma de columna y separado de la iglesia. No obstante, tras la construcción de los primeros tres pisos, la torre empezó a inclinarse. La causa de la inclinación era el inestable subsuelo sobre el que se estaba levantando la torre. Pisano temió que su fama de arquitecto se viera afectada y mandó parar las obras.

Casi 100 años más tarde, Giovanni di Simone se arriesgó a reanudar la edificación, pero poco después también la abandonó.
Tommaso Pisano decidió continuar la construcción del campanario y terminar la obra. En 1372, la torre del campanario quedaba lista para su inauguración. Tras siglos de descuido y de visitas incontroladas los expertos detectaron que el campanario se había inclinado 4,5 metros con respecto a su eje y el 7 de enero del año 1990, las autoridades la cerraron al público por miedo a un derrumbe.
La torre tiene 55 metros de altura, pero sus cimientos sólo tienen 3 de profundidad. Los arquitectos e historiadores del arte llegaron a abandonar la torre a su suerte. Entre el mes de febrero de 1999 y junio de 2001 se puso en práctica una nueva técnica.
En los cimientos de la parte norte se insertaron una serie de tubos que debían permitir la extracción de treinta toneladas de tierra con la máxima seguridad y, a continuación, enderezar la columna unos 50 cm. La nueva técnica dio unos resultados magníficos, de manera que en la actualidad la torre presenta una inclinación moderada y absolutamente estable, aproximadamente la que tenía hace unos 250 años.

Desde el año 2002, se les permite a treinta personas por espacio de treinta minutos –actualmente previo pago de 15 euros- subir los 294 escalones y acceder a la sala de campanas, desde donde Galileo realizó sus experimentos sobre la gravedad. Los cincuenta y cinco metros de altura de la torre te permiten disfrutar de una estupenda panorámica de la bella ciudad toscana.

Exposición bipersonal de los Artistas Julius Sobrino y Luis Alberto Espinoza

2010-04-10T07:25:00.000-07:00

SEGMENTOS DE CONCRETO

La Galería de la Casa Cultural Mocha Graña y la revista web ArteCorpus invita a usted a la exposición bipersonal de los artistas Julius Sobrino y Luis Alberto Espinoza, a realizarse el miércoles 14 de abril a las 7:30 pm en la Casa Cultural Mocha Graña.

Segmentos de Concreto reúne he integra dos propuestas cuya relación está marcada por un desarrollo particular de la técnica el dibujo y la pintura. Esta propuesta propone valorar los rasgos significativos que asume la ciudad en la construcción de una propuesta gráfica, a través del dibujo desarrollado por Julius Sobrino que representa la ciudad como un gran escenario, integrado por la propuesta pictórica de Luis Alberto Espinoza y la interpretación de sus propios personajes.

La inauguración de la muestra se realizará el 14 de abril y podrá ser visitado hasta el 06 de mayo de 2010.

Agradecemos su difusión

ArteCorpus

www.artecorpus.info

http://arte-corpus.blogspot.com

Casa Cultural Mocha Graña
Av. Sáenz Peña # 107 – Barranco
2476292 / 993430598
http://mochagrana.blogspot.com/

Investigación. 14º Edición.

2009-12-20T10:40:00.000-08:00

ENTRE CUMBIAS Y COMBIS

Al pensar en una identidad musical que actualmente una a los peruanos de todas las regiones del país y sus diversas clases sociales sólo se me ocurre pensar en la cumbia. Ella es el fondo musical de nuestra agitada vida urbana y mal que bien ha transcurrido el mismo camino de las artes plásticas, desde lo urbano hacia lo oficial. No sorprende que temas como “Ya se ha muerto mi abuelo” sean tocados y bailados por muchos.

*Por Eibby Rosillo.

La cumbia se originó en la década de los sesentas debido a la difusión del mambo y ritmos afro caribeños, desde ahí hasta la actualidad este género musical ha sido desdeñado porque tuvo acogida en el ambiente migrante y marginal; además se fusionó con huaynos regionales, ritmos selváticos, pasillos, san juanitos, entre otros y desde el 2007 se ha popularizado de tal forma en el circuito mediático que ha tomado un camino de aceptación entre la totalidad de las clases sociales peruanas.

La música es indispensable en la cosmovisión andina, para ello basta observar el calendario festivo en el que cada mes está dedicado a un aspecto comunal o ritual que se mantiene desde antes de la llegada de los españoles en 1532. Es por ello que nuestra diversidad cultural se manifiesta también en una profusión de géneros musicales, muchos de ellos combinados con otros ritmos foráneos; pero siempre se logra identificar sus características propias.

La cumbia, por lo tanto, se produce en ese mismo contexto. El etnomusicólogo Raúl Romero ha analizado con mayor profundidad este tema y propone tres grandes estilos: el primero, que se caracteriza por la interpretación muy pegada a la cumbia colombiana con la introducción de dos guitarras eléctricas y un bajo, además de los bongós y timbales que eran propios de aquel género. Los músicos son de la capital y de aquí se desprenden Los Destellos, agrupación que apareció hacia fines de los sesenta y titulaban sus composiciones con nombres andinos. Una de estas canciones es Caminito Serrano . También adaptan, por ejemplo, temas clásicos como el famoso Para Elisa, de Ludwig V. Beethoven. Siguiendo con Romero, el segundo estilo se produce con la fuerte influencia que recibe del huayno, denominado también Cumbia Folk o Tropical andino. Es aquí donde se concibe ya el término Cumbia Peruana y/o Música Chicha, y que caracteriza al aspecto informal que adopta la capital debido a la fuerte migración del campo a la ciudad inducido después de la reforma agraria impuesta por el general Velasco Alvarado en los setenta, convirtiéndose en un fenómeno musical que se expande incluso hasta la Argentina, según lo muestra Jorge Chávez Malaguer, músico y compositor del Grupo Maravilla. Esta corriente toma como grupo exponente a Los Shapis, conformado por Julio Simeón “Chapulín” y Jaime Moreira, ambos nacidos en provincia, que adaptan temas tradicionales como el huayno El alisal y lo transforman en El aguajal o componen temas con sabores muy andinos: voz tensa y llorona con un pulso rítmico similar a los huaynos populares. Los Shapis introducen el uso de sintetizadores y también el órgano electrónico para mediados de los ochenta y es por ellos que los medios de comunicación los cubren con mucha atención, haciendo su parte los antropólogos y sociólogos. Además de Los Shapis, otros conjuntos de cumbia también hacían su parte como Chacalón y la nueva crema, Alegría, Los diablos rojos, Los Pakines, Manzanita y su conjunto, Los Ecos, Grupo Maravilla, Grupo Naranja, Grupo Guinda, Los Beta 5, Pintura Roja, entre otros.

Y por último, el tercer gran estilo que señala Romero, se produce con la contribución de la música tropical selvática en la cumbia. Tenemos así a Los Mirlos y Juaneco y su Combo. Posteriormente, hacia la década de los noventas, el boom de la tecnocumbia (ritmos de cumbia con la predominancia de instrumentos eléctricos) se mostraba con Rossy War a la vanguardia, incluía también el tex-mex y mantenía poca o ninguna relación, con el huayno andino. Dichas características, además de un vestuario distinto y el rol que la mujer protagonizó, hicieron que este género se popularizara en diversos medios sociales. La llegada de ritmos de la selva brasileña, como la toada, convirtió a la cumbia en un ritmo expresivo y con marcada coreografía que se manifestó en las emisoras radiales y circuitos televisivos, destacando el grupo Euforia.

Sin embargo la cumbia ha servido también para campañas presidenciales, cortinas de humo y, durante la década de los noventa, la chicha como la habíamos escuchado se confunde entre diversos estilos que toman fuerza. Resulta inolvidable –y penoso para muchos– el video que popularizó Alberto Fujimori con el Baile del Chino para postular por tercera vez a la presidencia de la república el año 2000. En este spot, a ritmo de tecnocumbia, se observa a distintos grupos sociales bailando animadamente con el entonces presidente que buscaba identificarse y acercarse por medio de este género a las masas populares. Esto no es fortuito y aunque definitivamente haya nacido por un interés político no podemos dejar de lado el fenómeno que la cumbia ejerce en la identidad nacional.

Otro caso que merece la pena observar es que durante los primeros años del siglo XXI, en las emisoras radiales y shows televisivos de señal abierta se dejó de tocar la cumbia con la intensidad de antes, tomando la posta ritmos foráneos como el hip hop, reggaetton, dancehall y demás. Fue para el 2007 con la muerte del grupo Néctar y de la cantante folklórica Sara Barreto (conocida como la “Muñequita Sally”), quien había pertenecido al grupo de cumbia Pintura Roja en los 80’s junto a Johnny Orozco, que la cumbia reapareció en los medios con temas del Grupo 5 y Bareto. El Grupo 5 merece consideración porque ha llegado a sectores sociales donde la cumbia no lo había hecho antes, además con la adaptación del tema La Culebrítica, un tema de autoría del mexicano Isidro Vargas Herrera, la popularidad que obtuvieron gracias a ella los encumbró en el ambiente musical de la cumbia. Esto los llevó a realizar presentaciones en espacios exclusivos como fue el caso del centro de convenciones del hotel María Angola para el 2008. Bareto en cambio se inició tocando géneros como el ska y reggae en espacios alternativos como lo es la discoteca Vocé (Lince), pero el 2008 produce el álbum Cumbia, homenajeando a grupos de la cumbia clásica como Juaneco y su combo (del emblemático tema Ya se ha muerto mi abuelo), Los Shapis y Chacalón y la nueva crema, sirviendo de nexo entre un género popular y sectores económicos pudientes que no habían tenido relación estrecha con ella. Bareto adapta la cumbia a un estilo propio, coqueteando con los géneros con los que inició (rock, ska y reggae) en posturas e instrumentos, manteniendo muchas de las canciones de su disco en versión instrumental.

Mención aparte resulta el fenómeno de Abelardo Gutierrez “Tongo”, quien con su popular Sufre peruano, sufre y La Pituca en español, inglés e italiano se ha presentado en la discoteca “Aura” de Larcomar y ha llegado incluso a las discotecas de Asia, un circuito exclusivo de los sectores altos. Con esto el “Tongo” ha cautivado al público más por su carisma y la sátira hacia su propia persona que por su música.

Por estos últimos aportes puedo incluir a la cumbia dentro de una corriente que forma la identidad musical peruana. Tanto que en el 2008 se realizaron dos conciertos en la discoteca Vocé de Lince, uno en junio llamado CumbiaVIP, que contó con la participación de Los Caribeños de Guadalupe; y Los Shapis le pusieron un nuevo matiz a su cumbia con el “unplugged” realizado en julio, entre otros casos. Con esto no se puede poner un punto final porque resta mucho material por documentar e investigar acerca de este fenómeno musical.

***

Temas recomendados:

ROSSY WAR: Que te perdone Dios
LOS MIRLOS: Poder Verde
EUFORIA: Ven a bailar
GRUPO MARAVILLA: Antahuara

Bibliografía:

• Raúl Romero. Andinos y tropicales: la cumbia peruana en la ciudad global. Instituto de Etnomusicología de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Lima, diciembre 2007.

• --- Música, danzas y máscaras en los andes. Proyecto de Preservación de la Música Tradicional Andina. Pontificia Universidad Católica del Perú; Instituto Riva-Agüero, Lima, 1998.

• Bolaños, César. La Música en el Antiguo Perú. En: La música en el Perú. Lima, Patronato Popular y Porvenir Pro Música Clásica, 1985.

Webgrafía:

• Bareto, en: http://es.wikipedia.org/wiki/Bareto (11/09/2009) y página oficial de Bareto: bareto.net (11/09/2009)

• Juaneco y su Combo, en: http://es.wikipedia.org/wiki/Juaneco_y_su_Combo (11/09/2009)

• “Cumbia peruana y música chicha” por Jorge Chávez Malaver, en: http://www.chichaweb.com/?c=118&a=1188 (11/09/2009)

• http://elgrupo5.com/ (11/09/2009)

• Los Shapis “unplugged”, en: http://www.cumbiadeperu.com/modules/news/article.php?storyid=131&title=Los%20Shapis%20tambi%E9n%20se%20desenchufan%20(Los%20Shapis%20-%20Unplugged) (17/09/2009)

• El Grupo 5 en el Centro de Convenciones María Angola: http://www.cumbiaperuana.com/portal/forum/forum_posts.asp?TID=179&PN=2 (11/09/2009)

• Los Caribeños en el evento de CumbiaVIP: http://www.cumbia.com.pe/?p=1016 (04/09/2009)

• Orígenes de la cumbia peruana, en: Texto que acompaña la portada del CD editado por Barbés Records, Brooklyn –New York: http://grandesdelacumbiaperuana.blogspot.com/2008/05/el-origen-de-la-chicha.html (10/09/2009)

• Autoría mexicana de La Culebrítica, del Grupo 5 http://www.rpp.com.pe/2009-04-16-grupo-5-se-quedo-sin-culebritica-noticia_176104.html (18/09/2009)

Agradecimientos a:
Oscar Torres y Edwin Ortiz

Entrevistas. 14º Edición.

2009-12-20T10:34:00.000-08:00

PROHIBIDOS DE VER SUS SOMBRAS:

Cantar del Cárabo traen el Teatro de Sombras a Lima

En Lima hay seres que sólo existen en la penumbra. Asoman desde la oscuridad, como pidiendo permiso. Cándidos, sabiendo que hacen una travesura, sonríen con sorpresa ante la luz natural. Al frente, gente que porta desde un chupón en la boca, cuentas por pagar o encanecidos chales. Pero en la luz no todo es verdad, así que deberán volver a sus cavernas desde donde se oirán aullar sus reflejos. Cantar del Cárabo, quienes traen el Teatro de Sombras a Lima.

*Por Nicolás Ortiz.

Conversamos con los el grupo de teatro Cantar del Cárabo, un colectivo peruano-canadiense que nació en el 2007 y se especializa en crear sus montajes bajo la técnica de un teatro de sombras. Y sacamos a la luz lo que nos dijeron:

La tribu de las sombras

Marie-Eve es una pedagoga teatral que algún día vino desde la invernal Canadá a la opaca Lima. “Yo soy actor y me hice a mi mismo” nos cuenta Capri y es quien, junto a Marie-Eve, encontró el teatro de sombras en la tierra de Charly García. Roger, artista plástico, llega al teatro de sombras en la búsqueda de “nuevas formas de expresarse”, formas y composición. Nadia es comunicadora y se convierte en su puente con la vida real. Son aves migrantes de las artes y la pedagogía, cómo el Cárabo, búho africano sin domicilio postal.

Teatro de las sombras

“Es una técnica de teatro, como otras, que no existía aquí. Nos topamos con él en Argentina y nos encantó. Supimos que era lo nuestro y no lo conocíamos… yo creo que (con esta técnica) puedes vencer la gravedad y también las dimensiones, puede ser a la vez grande y pequeño; o la humedad, puedes hundir a alguien sin mojar el escenario. También el espacio, recrear escenarios imaginarios que en el teatro clásico costaría muchísimo componer así como la profundidad, son varias dimensiones”. Es cine, teatro, títeres, mimo, dibujos animados.

La técnica surge en la china (sombras chinescas). “Se usaba el fuego, y servía para narrar epopeyas, leyendas”, reflejos que llevan al público a reconstruir las historias desde su imaginación, siendo un sujeto activo de sugerencias alucinadas. “Tiene muchas posibilidades expresivas, estamos recién impulsando esta técnica en el país; sería una locura dejarla” nos contesta, frenética, Marie-Eve.

Creando una noche artificial

“Montar la obra nos puede tomar una hora y media” entre colocar las lámparas, disponer los muñecos, efectos potentes como aserrín y talco, cortinas, vestuario, entre tantas cosas. “Durante la obra, debemos estar coordinados, es una coreografía” desnudando una sinergia donde hay que hacer precisos movimientos humanos para que criaturas fantásticas existan.

Se toman el tiempo eterno y esmero religioso que ponen los niños al ponerse a jugar; cuando desmontan los juguetes de una caja, los disponen en el suelo y le asigna un rol a cada uno: “nosotros nos sentimos también niños”.

Claro, desmontar no toma tanto tiempo porque como los niños “al final de tanta preparación, uno no juega tanto tiempo”. Se corre el telón y a la luz natural se convierten en duendecillos que embalan castillos, mares, lunas, cerros, combis, coliseos y toros en maletines porque “tenemos que limpiar todo el desorden que dejamos porque van a ocupar la sala”.

La imaginación no sólo es para niños

“Si, definitivamente tenemos la intención de educar, somos pedagogos” por eso se han atrevido a aparecer en la escena, ya no esconderse. Como el mago que revela el truco, sin dejar de ser fantástico cuando uno quiere creer, necesita creer. Básicamente, la vida fuera de la oscuridad los lleva a dictar talleres para todo aquel aprendiz de mago que se maraville con el tierno embuste del ecran.

“No nos importa que nos cataloguen como teatro para niños; pero viene todo tipo de público, también adultos”. Nos aclaran que la técnica no los gobierna, porque ya se sienten, desde 2 años de su fundación, con cierto control de este universo de expresión infinito como la noche, pero “igual seguimos preocupados porque todo funcione como lo esperamos. No podemos ver cómo están reaccionando, escuchamos si las risas o asombro. Pero lo que a veces quisiéramos es estar al frente y poder ver lo que estamos haciendo; pero no se puede” dicen, con pena, mientras la noche los absorbe al apagar las linternas.

***
Si quieres saber más del Teatro de Sombras, puedes ubicarlos a la luz del sol en:

Email: elcantardelcarabo@gmail.com
Web: www.elcantardelcarabo.blogspot.com
Teléfono: 9-9723-0648

Galería. 14º Edición.

2009-12-20T10:25:00.000-08:00

Deja que el artista te enseñe a ver tu mundo de diversas maneras.

Conoce la galería de ArteCorpus y disfruta del arte.

LIMA BAJO EL LENTE

Limafotolibre es el portal web que presenta composiciones fotográficas de paisajes y personajes característicos de la cuidad de Lima. La galería de ArteCorpus te invita a conocer esta novedosa propuesta.

Por: Raquel Carolina Castro

Siempre me pregunto hasta que punto se puede utilizar la cuidad de Lima como escenario artístico, un lugar que concentra todo tipo de formas, costumbres y que evoluciona multicultural, colorida y desordenadamente.

Un escenario que presenta miles de de situaciones, que nos crean todo tipo de sensaciones sean buenas o desagradables y que después se pierden en nuestro pensamiento e inconsciente como algo más que pasa en el día a día.

El artista es el reportero visual de todos los tiempos, con su talento y práctica nos proporciona una visión de nuestro entorno que de otra forma no podríamos comprender.

“La fotografía es mágica…”

“Nosotros observamos, capturamos y componemos momentos cotidianos…es una especie de espejo, tu estas viendo y a la vez la gente ve tu interior”me dice Bruno Guerra o Tunchi integrante de la página junto a josé Carlos Díaz ( Lokumba),José Valdivia (Oe) y Pool …(Fockus).

Pool me muestra diversos trabajos que llaman mi atención, entre ellas 4 imágenes que forman la obra “El Fotógrafo”, dónde se ve a una persona minusválida fotografiando a una familia en la Muralla de Lima; dando la espalda al majestuoso cerro San Cristóbal.

La fotografía amateur que crece a lo profesional es subjetiva, da libertad de interpretación tanto a la persona que la capta como a la que observa.

Es un mirada personal del artista, pero que brinda la oportunidad de ser entendida de muchas formas y perspectivas que van de de lo frívolo a lo conceptual, artístico y social.

Bruno me comenta “El humor es un elemento que nos gusta explotar. Nos acerca a lo positivo o negativo de la cuidad y es más fácil de entender cuando juegas con el humor popular”, Pool continúa “un ejemplo de ello fue el trabajo que realizamos “Asia –Eisha” una muestra de imágenes críticas a diversos lugares de la playa Asia pueblo, hasta las “ilógicas” zonas exclusivas”

Reviso su primera publicación y se me viene a la mente las últimas tendencias de utilizar lo popular “Chicha” en al arte, la identificación social y los medios que se han abierto a ello.

“Lo especial de Lima es que es una cuidad viva, que no sigue una línea, que está llena de gente a toda hora, ambulantes y vehículos”cuenta Bruno “Lo Chicha ahora está en todos lados, desde los conos hasta San Isidro y esto lo hace muy rico para el fotógrafo o cualquier artista, tiene muchas historias que contar”agrega Pool.

“Hay personas que viven en Lima y no la conocen…”

Su aporte está en acercarnos a diferentes realidades que concurren en un mismo lugar; ver e interactuar incluso en barrios que muy pocos se atreverían a registrar.

Una fotografía espontánea inicial es trasformada en una composición visual. Un laboratorio sin parámetros donde, aplicando sonidos y movimientos llevan del registro documental a lo estético experimental.

Los problemas se dan cuando el fotógrafo decide involucrarse en las situaciones, por lo que tratan de no intervenirlas. Cada imprime a la galería de fotos su carácter sea trasgresor, minimalista, popular o irónico.

Buscando nuevos Espacios

Se tiene el prejuicio del arte como algo indicado para una elite profesional y entendida; sin embargo la evolución del sistema cultural exige una nueva “democratización del arte”. Crear conciencia de la cultura artística en la nación de todo lo que nos rodea.

Desarrollar una demanda entre el público, sobre todo el jóven, es crear una identidad al país; patrimonio en todas las expresiones artísticas y que deben ser asumidas por todas las instituciones culturales incluyendo al cerrado INC.

Este último factor hace que los chicos de Limafotolibre busquen nuevos espacios masivos para difundir su arte, tecnológicos como la web , internet, blogs; o intervenciones en las calles de la cuidad, los microbuses, parques, restaurantesy bares; con afiches, autoadhesivos o esténciles.

Me despido de los chicos y concluyo que sus obras criticadas, aceptadas o rechazadas, son ejemplos de constancia, creatividad, habilidad, técnica y sobre todo apertura al alma de nuestra Lima de todas las sangres.

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Conócelos en www.limafotolibre.com
Perufotolibre.com

Artículo Nacional 14º edición.

2009-12-20T10:13:00.000-08:00

CINE PERUANO AL OTRO LADO DEL RÍO:

Pandilleros será filmada en escenarios naturales de la Asociación Limeña de Cantagallo

A unos cuantos pasos de la Plaza Mayor de Lima, de sus calles señoriales y turistas extraviados, cruzando las aguas del río hablador, se llega a la otra orilla donde está Cantagallo: ese pedazo de cielo con casitas de madera, rincones laberínticos y aromas de aguas de otros tiempos. La productora peruana Safe Producciones ha elegido este escenario natural como locación para su primer largometraje titulado Pandilleros.

*Fotos y texto por Julisa Espinoza

Cine peruano al otro lado del río. "Pandilleros" será filmada en escenarios naturales de la Asociación limeña de Cantagallo

La película será filmada en 35 mm. y estará dirigida por Walter Canchanya, quien ha transitado por los caminos del cortometraje y posee una larga trayectoria conduciendo talleres de cine para niños y jóvenes. El guión de esta película realizada por José Ibáñez y la colaboración del propio director, trata sobre una realidad común de muchos países del mundo: el pandillaje urbano. Al estilo de la connotada película brasileña Ciudad de Dios (Fernando Meirelles y Kátia Lund, 2002) pero con características locales, Pandilleros mostrará el bajo mundo en el que se mueven las pandillas, como el de los “cirujanos” o los “satánicos” cuyos nombres retratan un camino de violencia exacerbada. La historia del film se centra en los momentos de la vida del líder pandillero Elías, especie de justiciero que no tolera en sus dominios más violencia que la que sus seguidores pueden cometer. Elías vivió una niñez trágica en los campos de la sierra peruana que fueron vestidos de rojo en tiempos del terrorismo. Esos niños como Elías han crecido y ahora están en la ciudad… El productor de la película, José Cevallos, añade que el tema de las pandillas en Lima es muy latente y lo que se busca con esta película es dar a conocer el problema para llamar la atención de las autoridades.

En cuanto al casting de Pandilleros, este fue convocado desde Cantagallo, y en él se ha seleccionado a muchos niños y jóvenes con aptitudes para la actuación que viven en el lugar. Ellos están siendo preparados en talleres de actuación, defensa personal e inglés, además de recibir orientación psicológica y nutricional de manera gratuita. La preparación es exigente porque se trata de que los actores y la película alcancen un nivel óptimo que les permita participar en cualquier festival o trabajar nuevos proyectos. “La preproducción de esta película está rompiendo esquemas porque esto no se hace en ninguna otra parte”, manifiesta Cevallos. Al respecto, opina Walter: “cuando se hace un casting hay que ser muy minucioso en elegir a tus actores y trabajar de una manera especial en su preparación para poder encontrar en ellos a tus personajes.”

Safe Producciones no sólo está motivada en la realización de una película, sino en un compromiso social de llevar educación y cultura a través del cine. El proyecto está dando muy buenos resultados, los pobladores de Cantagallo se están comprometiendo con el tema, han cedido el espacio libre de su única escuela para los talleres y sus casas serán prestadas para las locaciones durante las filmaciones. En el caso de los menores que participan en los talleres, han cambiado sus tardes domingueras de fulbito o sus largas jornadas frente al televisor por clases de expresión corporal o juegos que promueven la confianza entre compañeros. Además Walter nos revela lo siguiente: “se ha seleccionado a quince participantes actores para que trabajen como asistentes de producción. No quiero que ellos aprendan sólo a jalar los cables o a asistir al jefe de producción, sino que además sean analíticos del arte cinematográfico, que tengan buen gusto por el cine y por lo que hacen. En esta corta preparación les estoy enseñando análisis del cine, introducción del lenguaje cinematográfico y como escribir un guión.”

Cantagallo es una asociación de pobladores nativos de origen Shipibo. Caminaron cientos de kilómetros desde el oriente peruano hasta la capital para protestar en contra de la dictadura del ex presidente Alberto Fujimori, en la denominada Marcha de los Cuatro Suyos del año dos mil. Cuando muchos de ellos decidieron quedarse en la ciudad, la falta de espacio los obligó a ubicarse en una zona suburbana, antaño refugio de grupos terroristas y foco de juveniles pandillas. Hoy en día Cantagallo, a pesar de sus carencias, ha logrado derrotar la violencia y se ha convertido en un sector progresista, cuyos habitantes se dedican al comercio y la artesanía.

Safe Producciones aspira con esta película dar a conocer Cantagallo al mundo y mostrar una realidad nuestra. Será la oportunidad de ubicar en el mapa a este rincón apartado de Lima y exhibir su paisaje urbano de pasajes estrechos y ropas secadas al viento. El film será traducido al dialecto shipibo (los padres y abuelos de Cantagallo lo trajeron desde la selva) para preservarlo y promoverlo sobre todo en los más pequeños, quienes recientemente reciben en la escuela clases bilingües junto al castellano. La productora espera además que la película sirva para promover el turismo extranjero y generar más ventas en las artesanías y productos que se producen y así conseguir un mayor desarrollo en el lugar.

Los fines de semana en Cantagallo ahora son diferentes, los gritos encolerizados, gestos amenazantes, miradas de odio o los golpes de furia incontrolables, simulados en escenas de ficción de las prácticas de actuación, atraen la mirada de vecinos y padres de familia, quienes se aglomeran en la escuela para ver cómo niños y jóvenes en medio de la acera polvorienta aprenden a ser actores al lado del río.

Galería

2009-07-28T11:43:00.000-07:00

“Soy de aquí, pero también de allá"

Erika Nakasone: Identidad y Tradición

Encontrar nuestra identidad y rol en la sociedad es un cuestionamiento que se da desde que nacemos en nuestra búsqueda por definirnos como seres humanos.
Lo que aprendemos y captamos por imitación o reflexión, las raíces familiares y de nuestro entorno, determinan nuestra personalidad, rol que vamos a cumplir a lo lago de nuestra vida.

Entre estas experiencias el choque ideológico de pertenecer a dos culturas completamente distintas en su visión y sus costumbres, como es el caso de los Nikkei (hijos de inmigrantes japoneses nacidos en el Perú) produce conflictos de identidades al formar parte de una sociedad como es la peruana y tener raíces orientales.

Los Nikkei lo canalizan y conjugan reinterpretándose a si mismos.
En el caso de la artista Erika Nakasones hace de la experiencia una ventaja ya que búsqueda trasciende lo ideológico y estereotipado, creando obras diferentes, fusión de ambas culturas ricas en simbolismo y formas de la tradición de de la artesanía Bingata, teñido usando patrones originados en el s. XV en Okinawa, adoptado por Erika y reinterpretado en los retablos, piezas de tradición popular peruana creados del imaginario andino.

La artista adopta ambas técnicas tradicionales puntos de equilibrio a través de sus iconografías, nuevos códigos de color, visión gráfica a través de su arte y diseño.
Encontrando la esencia de las dos culturas y el medio donde pueda reconocerle.

Al llegar a un lugar que no es el nuestro se inicia un proceso de desarraigo de nuestra vida anterior y arraigo a la nueva vida, adaptarse al nuevo modo de vida y costumbres de su gente. La expresión de una inmigrante y testigo de cómo se desarrolla el proceso de inserción social de la colonia peruana en le Japón"- Erika Nakasone.

Investigación

2009-07-28T11:38:00.000-07:00

LA CRÍTICA DE CINE Y LAS FORMAS DE ABORDAR SU ESCRITURA

Te sientas frente a la computadora y no sabes cómo empezar. El cursor del mouse parpadea por varios segundos y la página sigue en blanco. Las ideas merodean por tu cabeza, se agrupan y dispersan, hasta que al fin las reacomodas y te animas a tomar el teclado y a esbozar las primeras palabras. Después de varios minutos con la cara sobre la pantalla, recuerdas que tu editor te ha dado una hora límite para entregar tu trabajo. Miras el reloj y sudas frío. Aún te falta una última revisión. Luego de un arduo trabajo detectando cacofonías o reiteraciones y buscando sustantivos que definan mejor tus pensamientos, escribes tu firma orgulloso y pulsas enviar. Ya puedes respirar.

-Por Julisa Espinoza-

Críticos en plena sesión de trabajo reunidos en el Talent Press de la Berlinale 2008.
Foto: cortesía Natalia Ames.

Este es apenas uno de los primeros pasos al momento de enfrentarse a la escritura de una crítica de cine, hay otras dudas de forma y contenido que saltan a la cabeza cuando se trata de emitir nuestro juicio sobre una película. No existen recetas o una única metodología, los críticos nacionales más bien han propuesto una amplia libertad para abordarla, sin embargo coinciden en que las opiniones vertidas por los que escriben deben contar con el respaldo de un “background teórico”, una preparación en el conocimiento de las fuentes que nos permitan explicar con mayor detenimiento un texto fílmico. Andrés Cotler, cineasta y crítico, propone por ejemplo una relación más estrecha entre el film y la historia o la literatura. Así menciona: “¿Se puede entender el cine de Francisco Lombardi sin mencionar o analizar la producción literaria de la generación de los 50?”1.

Medios como los blogs han permitido que muchos se animen a tomar el papel de críticos de cine. Ante esta avasalladora ola de nuevos críticos, y con el afán de brindarles algunas recomendaciones, Arte Corpus ha elaborado una breve lista que procede del taller de Crítica de cine para jóvenes críticos, dictado por el reconocido crítico Alemán Klaus Eder, en el 12 Festival de Cine de Lima, y que en agosto próximo promete repetirse en una nueva versión. Atentos.

• No hay objetividad en la escritura, tus criterios siempre serán personales. Tienes un corazón y el corazón habla. Los estados de ánimo y las referencias culturales siempre afloran. Atrévete a ser tú. Di: yo creo que es una película de m.

• Pregúntate siempre ¿para quién estoy escribiendo? Esto determinará el contenido de tu escritura.

• La primera frase siempre es la más importante, da una idea de lo que se va a leer. Las dos últimas, sentencian tu opinión sobre la película. Por ejemplo: es la mejor película o es la peor película.

• No es necesario contar la historia o el argumento, pero si dar referencias sobre la atmósfera, el escenario o una información mínima del realizador. Ejemplo: Tropa de élite, de José Padilha, ganadora del festival de cine de Berlín en el 2008, cuenta sobre la realidad social de las favelas y la corrupción de la policía. En Brasil la vieron cerca de 16 millones de personas.

• Mientras más informado estés de la cultura o historia del país de origen de la película, mejor será tu criterio de opinión.

• Leer otras críticas te acercan a nuevas formas de hacer crítica. Roger Ebert, Jonathan Rosenbaum o Jim Hoberman son ejemplos de buenos críticos.

• Cuando termines de escribir tu crítica, déjala descansar. Esto permitirá que en una siguiente revisión renueves tus ideas y puedas pulir el contenido de tu texto.

• Tienes una fecha límite (deadline) para escribir tu texto, si no está lista no saldrá publicada.

• No se debe tener compromisos con nadie al momento de escribir. La independencia es fundamental para el crítico.

• La alfombra roja es para las estrellas no para los críticos. El medio de los críticos, es ir a un pequeño cine, vestir jean y ver buenas películas.

• Las críticas son como los vinos, mejoran con los años.

• Escribir siempre será una profesión solitaria.

Dos críticos de cine, uno de amplia trayectoria y catedrático universitario; y una joven crítica, presidenta de la Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI), quien además se ha abierto campo en revistas especializadas y festivales de cine, nos hablan sobre su labor y algunas recomendaciones para ejercer la crítica cinematográfica con responsabilidad.

Isaac León Frías:

No es mi profesión la de crítico de cine. Nunca hubiera podido vivir de la crítica en el Perú. Mi profesión es la docencia (cierto, de temas de cine). He escrito crítica desde los 15 años por vocación y como una manera de acercarme a las películas y de trasmitir mis impresiones, así como una manera de contribuir a la instalación de una cultura cinematográfica en el país.

Hice, con un grupo de amigos, la primera revista de cine de carácter cultural y especializado que se publicó en Lima desde 1965, "Hablemos de Cine" y el primer año la hicimos a mimeógrafo, moviendo nosotros mismos la manivela del aparato.

Una recomendación: ver mucho cine, leer mucho sobre cine, tener una información cultural lo más amplia posible y no tener expectativas de que se pueda vivir de la crítica.

Natalia Ames:

Siempre he sido cinéfila y al estar en la universidad me di cuenta de que lo que más me gustaba era analizar las películas, más que realizarlas, por eso me acerqué a mis profesores y les pedí que me instruyeran en la parte teórica del cine.

Lo más importante que me ha pasado en mi carrera como crítica ha sido asistir a la Berlinale para hacer un taller sobre crítica de cine en pleno festival. Aprendí diversas herramientas para criticar con cuatro mentores y siete jóvenes críticos de diversos países.

Una recomendación: Que vean mucho, mucho cine, si es necesario muchas veces cada película, y que lean libros sobre cine y crítica.

Notas
(1) Tren de sombras, Nro. 2. Lima, agosto de 2004.

Links de interés
http://www.periodismo.net/cine/ Curso de periodismo cinematográfico en la red

http://www.berlinale-talentcampus.de/story/77/1877.html taller / taller / Festival de Berlín Berlinale

http://www.bafici.gov.ar/home09/es/talentcampus/index.html taller /Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente BAFICI

http://www.pucp.edu.pe/centro_cultural/index.php3?c_idseccion=12 taller taller / Festival de Cine de Lima

http://www.nisimasa.com/?q=node/308 taller de periodismo de cine en el Festival de Cannes / Asociación NISI MASA

Entrevista

2009-07-26T20:16:00.000-07:00

NOVALIMA: FUSIÓN Y RITMO EN EL COBACOBA

Novalima es un grupo musical que fusiona ritmos afroperuanos con electrónica, dub, house y otros estilos. Es una agrupación reciente pero que sin embargo vienen conquistando los primeros lugares en diversas radios internacionales como World Chart, Billboard, entre otros. Artecorpus conversó con Grimaldo del Solar y Ramón Pérez, integrantes de Novalima y esto fue lo que nos dijeron.

*Por: Eibby Rosillo.

NOVALIMA - Integrantes

Fue un día de ensayo sin mucho tiempo porque se les acercaba la gira en Europa. Novalima está promocionando su reciente disco COBACOBA lanzado en diciembre por el sello de Putumayo: Cumbancha, una disquera que compila y difunde música del mundo con estilo propio.

ARTECORPUS: ¿Cómo inició Novalima?

NOVALIMA: De cuatro personas, el primer disco fue full producción. Novalima no era un grupo que se reúne y empieza a tocar y compone canciones. Empezamos como un colectivo, varios músicos que colaboran y es más trabajo de estudio. Hubieron varios percusionistas que colaboraron en AFRO, porque AFRO fue un proyecto, que no son los percusionistas de ahora. Los invitamos porque queríamos tener más color pero ya a la mitad de afro nos quedamos con los mismos músicos que participan como Novalima: Juan Medrano Cotito, Mangüe Vasquez, Constantino Alvarez, Marcos Mosquera y Milagros Guerrero, nos enamoramos de ellos. COBA COBA tiene colaboraciones de personas no del entorno nuestro sino de afuera. Una vez que tuvimos el disco afro decidimos armar un show en vivo, invitamos a los músicos que colaboraron y armamos la banda y ahí nos convertimos en nueve personas. Nuestro sexto concierto fue en España. Este disco también refleja eso, más compacto, más de grupo.

A.C: Si analizamos el primer disco NOVALIMA, éste refleja temas inéditos, pasando por AFRO que es totalmente criollo y al final en COBACOBA recogen géneros como el hip hop y boleros. ¿Cómo fue el desarrollo musical de Novalima?

NL: Desde el segundo disco: AFRO ya es bastante afroperuano. El primer disco fue diferente porque fue con el primero que nace Novalima y hay una fusión de todos los estilos del mundo porque cada uno tenía sus propios proyectos personales. En el segundo ya es totalmente afroperuano, estábamos probando estilos y le agarramos el punto y es en el tercero que concluimos. Realizamos una investigación musical desde el segundo disco y se volvió ya un sonido más propio del grupo cuando los demás integrantes se vinieron a vivir a Lima. En AFRO también hay marinera pero en COBACOBA hemos profundizado otros estilos como el reggae, hip hop, salsa, es un disco más consecuente.

NOVALIMA - En Ensayo

A.C: ¿Están pensando en hacer fusión con cumbia?

NL: Estamos haciendo una remezcla con Cumbia, una combinación con el disco de Bareto. Recién ahora hemos terminado de grabar un disco de remezcla del COBA COBA con participación de artistas internacionales. Son como catorce temas que van a estar saliendo después de la gira que tenemos en Europa. Son artistas de talla que han colaborado con nosotros y también va a salir con el sello “Cumbancha”. Este proyecto viene por parte de ellos.

NOVALIMA - Milagro Guerrero

A.C: ¿Y con la música andina o selvática? ¿Piensan incluir fusiones con esos géneros?

NL: No nos encuadramos. Investigamos bastante cada género y buscamos música nueva y aquello que caiga en nuestros oídos si nos gusta, lo hacemos. No planeamos hacer un disco afro peruano sino lo que nos fue gustando lo juntamos y luego hacemos un disco de lo que hay.

A.C: ¿Conocen agrupaciones jóvenes o amateurs que estén produciendo algo similar a lo que ustedes hacen? Que se hayan influido por su música.

NL: De hecho Novalima ha influenciado a gente nueva. He escuchado proyectos nuevos que han fusionado rap con afro peruano, hace poco me enviaron un mp3 de un rapero que hizo fusión con música afro peruana. En los últimos cinco años han salido nuevas propuestas, no exactamente al estilo Novalima pero sí hay fusiones de música afro peruana con otros estilos. Vemos que está evolucionando con proyectos como el de Susana Baca o Novalima y van generando nuevas ideas.

A.C: ¿Hay algún género que Novalima jamás fusionaría?

NL: Lo que observas de Novalima es el fruto de todo aquello que hemos alrededor de estos veinte años. Hace 15 años dos de nosotros estuvimos tocando heavy metal, thrash, hard rock. Creo que en todos los estilos hay buena música. Lo que escuchamos es lo bueno que hay en cada estilo. Hasta hace poco se podría haber dicho que jamás fusionaríamos con el reggaeton y ahora no es así, el COBACOBA tiene ritmos reggaettoneados. No nos encerramos en un estilo de música. No mezclamos gustos con categorías de bueno o malo.

A.C: Novalima se caracteriza por la percusión dentro del estilo afro peruano. ¿Han pensado lanzarse a otros estilos?

NL: No haríamos un estilo diferente, incorporaríamos dentro de las fusiones pero siempre el mismo concepto de fusionar lo antiguo como lo moderno. Si cambiáramos radicalmente el estilo del grupo ya cambiaríamos de nombre y sería un nuevo proyecto.

A.C: ¿Cómo creció Novalima? Sea en responsabilidad, popularidad, actualizaciones, etc. ¿Cómo sienten que han madurado?

NL: Ha crecido mucho. Todos los años nos reorganizamos para terminar de hacer todas las cosas que tenemos. Con la agenda que hemos tenido gracias a la disquera “Cumbancha” estamos en 60 países, no hay nada más gratificante que compartir lo que uno hace. Tratamos de hacer lo mejor posible. Tenemos más responsabilidades, menos tiempo, más países, más entrevistas. Cada año tenemos que reorganizar el equipo y crecer a la par. El mismo show en vivo que antes éramos ocho músicos y ahora somos cerca de quince, incluyendo el luminotécnico, DJ’s, chofer, etc.

A.C: ¿A qué creen que se debe la popularidad de Novalima?

NL: En Perú, cualquier peruano que te escucha te mueve el corazón familiar. La música afroperuana es movida. Tenemos una puerta directa al público peruano. A nivel internacional, este mismo ritmo que nadie ha escuchado antes, los mueve. En Londres no sabían lo que eran, se movían y bailaban de una manera graciosa pero los vacilaba. Es lo rico de este ritmo, el afroperuano te mueve. Además que internacionalmente no es muy conocido como la bossa nova o samba de brasil, o el son cubano. Conocen algo que hace Susana Baca pero nada más. Si muestras algo nuevo hay posibilidad de llegar más lejos.

A.C: ¿Están produciendo otro disco?

NL: No. Por ahora estamos haciendo remezclas, además nos está llevando tiempo promocionar nuestro disco COBACOBA. En Europa ha salido recién en enero - febrero y es ahí donde estamos viajando.

A.C: Cuando graban, mezclan y masterizan ¿lo hacen en estudio propio o lo envían a un estudio grande?

NL: Hacemos una pre mezcla: tocar algunos instrumentos, edición, etc. La hacemos nosotros y de ahí Toni Conomí en Londres, nuestro quinto Novalima, como productor lo envía al estudio en Londres, lo probamos, y luego lo mandamos a masterizar por lo general al estudio de Nueva York. Para la mezcla vamos a Londres los cuatro y luego enviamos ya el master a Nueva York, son los mejores viajes que tenemos.

A.C: ¿Qué se viene?

NL: Después de la gira en Europa que acaba en Barcelona tenemos el festival de verano en EEUU. ¿Gira nacional? No se nos ha presentado la oportunidad. Localmente no nos conocen. Nos falta marketing. Novalima no es un género comercial. Tuvimos una experiencia interesante en la Plaza Mayor porque estuvimos ante mucha gente de acá moviéndose con nuestro ritmo. El mercado aquí es un poco difícil además porque Novalima comenzó con todos, salvo ramón que vivía en Perú, vivendo fuera y lo movimos con nuestros contactos y la primera disquera que firmamos fue en Londres. Después que regresamos recién se formó la banda y es ahí que comenzamos a marketearnos acá. No hicimos promoción alguna. Nuestro trabajo se pasa de boca en boca y vemos que el disco se comercializa igual acá. Generalmente nuestro disco se comercializa en el exterior pero en estos últimos años el COBACOBA se ha vendido igual en Perú. En radio peruana no suena Novalima. Internacionalmente el COBACOBA se encuentra número uno en la categoría Billboard Music, Radio Alternative en EEUU, entre otros.

A.C: ¿Y no han intentado sonar en alguna radio nacional?

NL: Sí, lo intentamos, pero nos han querido cobrar dos mil dólares. Hay radios que para que la pongan varias veces al día, te cobran. Muy pocas radios lo han colocado por iniciativa propia. Vemos que es difícil poner Novalima en las radios peruanas, por eso mejor lo promocionamos en el extranjero.

A.C: Sería extraño que un turista venga y pregunte por ustedes y la gente no sepa qué responder.

NL: Sucedió. En la televisión en un programa de cable invitaron a Jorge Drexler y se tocó el tema de la música peruana, Drexler dijo que tienen un grupo que fusiona la música afroperuana que en el mundo lo conocen pero no recordaba el nombre y las presentadoras dieron mil nombres: Micky Gonzales, Jaime Cuadra, Susana Baca, pero no dijeron Novalima. Y él sí sabía.

El grupo Novalima comienza con el trabajo de cuatro músicos que se conocían desde tiempo atrás, en Lima, pero radicaban en distintos lugares del mundo, Grimaldo del Solar desde Barcelona, Carlos Li Carrillo en Hong Kong, Rafael Morales (Londres) y Ramón Perez en Lima. Actualmente los músicos que forman parte de la agrupación son:

Juan Medrano Cotito (cajón y voz), Mangüe Vásquez (congó y cajón), Marcos Mosquera (bongo y cajón), Milagros Guerrero (voz principal) y Constantino Álvarez (timbales). En la base se encuentran: Rafael en la guitarra, Carlos toca el bajo, Ramón en el teclado y Grimaldo hace la secuencia.
_________________________________________

NOVALIMA.
Contactos: info@novalima.net
URL: www.novalima.net

Video clip “Machete” en Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=zEfl-KNa4Nc&feature=channel_page

Edición Nº 13, Año 4, Mayo - Junio 2009

Nacional

2009-07-26T20:03:00.000-07:00

PORTAVOZ PERÚ:
SANTA ANITA NO SE QUEDA CORTO

Es domingo por la mañana en Santa Anita. Un grupo de jóvenes entre catorce y veinticinco años se alistan para ir a un taller ubicado en un espacio de la municipalidad de ese distrito. Walter Canchanya, responsable de conducir el taller, lleva sobre sus hombros una pesada mochila de la cual extraerá sus herramientas de trabajo: un reproductor de dvd y muchas películas. Varios ojos inquietos se alistan para conocer lo mejor del cine y realizar sus propias historias en imágenes.

-Por Julisa Espinoza-

Alumnos del 1º a 3º de secundaria del colegio Paraíso Florido de San Marín de Porres,
en momentos de grabación del cortometraje Amigos por siempre (2001).

PortaVoz Perú es una asociación de comunicadores sociales que viene dictando talleres gratuitos de cortometraje dirigidos a jóvenes y adolescentes de la periferia de Lima. Esta labor de responsabilidad social ha beneficiado a muchachos de San Martín de Porres, Villa El Salvador, Comas, El Agustino, San Luis, Santa Anita y algunas provincias del país. Tienen proyectado llegar a Ventanilla, Puente Piedra y Carmen de la Legua.

PortaVoz se formó con un grupo de amigos de la universidad de San Marcos y San Martín de Porres, quienes se conocieron en el año 2000 en la “marcha de los cuatro suyos”, suceso de protesta masiva en contra del régimen autoritario de Alberto Fujimori. Se iniciaron en prensa, cubriendo los acontecimientos sociales de la época, pero cuando ingresó al gobierno Alejandro Toledo, la fiebre política cesó. Walter Canchanya se integra al grupo y propone la creación de talleres de cortometraje. A partir de entonces han producido en promedio veinte cortometrajes.
El taller de Cortometrajes

En los talleres, los chicos conocen a los inventores del cine en la pantalla de un televisor. Aprenden de manera práctica el lenguaje cinematográfico, construir una historia, elaborar un guión y finalmente producir una película. En la tercera sesión, los alumnos de Santa Anita ya saben usar la cámara y han grabado su primer ejercicio de cortometraje. Reunidos en círculo analizan y comentan las películas que Walter les ha proyectado, como El Profesional (Luc Besson, 1994) o El Bola (Achero Mañas, 2000) y de ellos destacan las actuaciones, describen el movimiento de la cámara o explican el argumento.

Lucy Saldaña (14), Henry Campos (22) y Raúl Cartajena (25) son vecinos de Santa Anita, participan en el taller porque quieren comprender cómo se hace una película. Coinciden en que el cortometraje permite desarrollar la creatividad de los jóvenes, reflejar la sociedad y crear identidad. Raúl, menciona como ejemplo un cortometraje de la historia de Santa Anita

Preparando un corto

La idea es que el taller termine con la realización de un cortometraje y que la experiencia les sirva para realizar sus propios proyectos. PortaVoz cuenta con equipos propios, entre cámaras, trípodes y tachos de luces. Walter se encarga de apoyarlos en la edición y la música, mientras que el guión es elaborado por los chicos. El proceso creativo comienza con la indagación y descubrimiento del mundo de los jóvenes, con preguntas como: ¿De dónde son tus padres? ¿Por qué crees que han venido a vivir acá? “Entonces ellos empiezan a entrar en su realidad, a analizar las cosas, y a partir de allí salen trabajos bien interesantes”, comenta Walter.

Uno de los primeros talleres de PortaVoz fue dictado en el colegio Paraíso Florido del Asentamiento Humano del mismo nombre, en San Martín de Porres. A pesar de las carencias materiales del lugar, con paredes de estera y ubicado en medio de una pampa, y de la intranquilidad inicial de los alumnos; los escolares lograron un buen desempeño, al crear una historia de reflexión: el peligro que suscitan para los menores el uso irresponsable de explosivos regados en la ciudad. La experiencia fue motivo de entrevistas y reportajes en diarios y televisión.

Los chicos de Santa Anita
trabajan en conjunto en todo el proceso de realización de su cortometraje.

Rambo en el Cono Sur

Cuando PortaVoz fue a dictar un taller en un colegio militar de Villa María del Triunfo, las chicas querían hacer un cortometraje tipo novela, mientras que los chicos plantearon una historia como la popular película de acción Rambo, incluso uno de ellos propuso: “yo puedo conseguir una ametralladora porque mi papá es policía, y nos subimos al cerro de Villa María”. Al respecto Walter opina: “eso les dan los medios de comunicación, entonces te dices, cómo revertir esa forma de pensar”.

Creo que no está muy claro como el gobierno apoyará este proyecto, porque no puedes decir que vas a generar políticas o un Ministerio sin recursos. Es un tema muy importante. En la actualidad el INC no trabaja políticas culturales en artes visuales; no maneja espacios, becas, indicadores, industrias culturales, museos de arte visual y plástico, acervos nacionales, etc. Teóricamente los pasos son los siguientes: hacemos el documento, se presenta al congreso, la gente lo rebota en el congreso, se mejora, se publica y luego este documento debería ser considerado por el Consejo Nacional de Cultura en la generación de nuevas políticas culturales.

Fotos: PortaVoz Perú
Agradecimiento: Walter Canchanya - PortaVoz Perú

PortaVoz Perú
http://portavozperu.blogspot.com/

• Mi Barrio y Mi Cine I Festival de cine alternativo / PortaVoz Perú, 2009
http://www.youtube.com/watch?v=WMEIikmdhLc

• Proyecto “Medios en la Escuela” / Concurso de cortometrajes Hacelo corto
http://www.buenosaires.gov.ar/areas/educacion/programas/corto/

Portavoz Films:
• Lejos del paraíso (2009), por Walter Canchanya / Produción: Johnny Mendoza / Trailer
http://www.youtube.com/watch?v=x3Tjk4jjkxw

• El Bebé Toro (2006), por Giuliana Gamero
http://www.youtube.com/watch?v=u1wxx8kTTuE

• Que vida fue la mía (2005), por Walter Canchanya / Producción: PortaVoz Perú / Trailer
http://www.youtube.com/watch?v=OJA8HQDBsMQ

Convocatoria / Casting:
http://www.safeproducciones.com/

Edición Nº 13, Año 4, Mayo - Junio 2009

Actualidad

2009-07-26T19:22:00.000-07:00

COMAS O NO, HAY TEATRO
VII Festival Internacional de Teatro en Calles Abiertas – FITECA

Había una vez, en un cerro muy lejano, niños abandonados y maltratados que crecían en la calle. Hasta que un día, armados de zancos y máscaras viejas, estos niños bajaron de la cima del cerro tocando trompetas hechas de botella de plástico a crear, con el grupo el teatro de la zona, una nueva historia. Así nació el FITECA

*Por: Eibby Rosillo.

En pleno ensayo. El grupo de la Gran Marcha de los Muñecones para el FITECA 2009.

El FITECA se viene realizando desde el 2002 en uno de los cerros de Comas: La Balanza. Cada año, en mayo, este lugar decora su escenario para recibir los trabajos de artistas internacionales como son de Argentina, Brasil, Bolivia, Canadá, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, Italia, México y por supuesto, grupos nacionales.

Desde el 2002, este festival internacional ha generado mayor expectativa. Lo que se inició como una experiencia barrial ha trascendido a nivel nacional. Vienen de todos lados para gestar esta actividad. Siempre se realiza la primera semana de mayo y este año se han invitado a cerca de 40 grupos nacionales e internacionales. Hay teatro para todos los estilos, para niños, adultos, público experimentado, aficionados, etc. Paralelamente también se crean talleres con actores nacionales e internacionales, comparten experiencias y sobre todo, sirve de encuentro cultural entre la comunidad y los actores.

Sueño de una noche sin verano

La historia de los niños descendiendo histriónicamente por los cerros podría sonar a ciencia ficción, pero no es cuento. Jorge Rodríguez, uno de los organizadores y creadores del FITECA, nos mencionó cómo se originó la idea de armar y producir un festival de gran magnitud sin financiamiento de alguna institución. Él es director del grupo teatral de La Gran Marcha de los Muñecones y se encontraban ensayando en su espacio cuando vieron venir en pasacalle a unos niños con instrumentos que ellos habían desechado. Al trabajar con estos niños, la visión que tenían de su ambiente cambió.

Más tarde, en el 2002, organizaron junto a otras tres personas: Janet Gutarra, Marco Esqueche y Luis Sandoval el primer FITECA, teniendo el apoyo de la comunidad y muy poca de la Municipalidad de Comas.

La agonia de Rasuñiti por el grupo de Teatro Waitay

La Odisea 2009

En este VIII festival, tuvo más presencia que en ediciones anteriores el teatro nacional, entre los que figuraron: Yuyachkani, La Gran Marcha De Los Muñecones, Voces Entre Tablas (desde Arequipa), Bola Roja, Estirpe Teatro Ayacucho, Lunasol, Arenas y Esteras de Villa el Salvador, Willy Hernández, El Medio De La Nada, entre otros. Los invitados extranjeros fueron de Colombia, Costa Rica, Bélgica, Argentina, Ecuador y Bolivia.

Fue una edición más trabajada, tuvieron mejor sonido y se notó la presencia municipal sin embargo el espacio quedó muy corto ante la afluencia de espectadores que en años pasados.

La vida no es sueño (en Comas)

Este barrio antes era muy peligroso, las pandillas se peleaban diario, después que el FITECA se produjo, las peleas bajaron a una semana, luego a un mes y hasta ahora que ya no se ven. De esos chicos que eran los más bravos, ahora tienen sus esposas, trabajan, participan en la sociedad. La calle en un inicio era tierra de nadie, el pandillaje y toda la violencia pasó a ser un espacio de teatro, de ensayo, los niños se ponen los zancos y se van a comprar pan en zancos, ahora es un lugar participativo. Ellos le han cambiado de nombre a la calle y le han puesto lo el nombre que han elegido.

El Gran Teatro del Cerro

Además, se está logrando la construcción de una alameda de la cultura en todo el trayecto que lleva hasta el FITECA. Esto se ha organizado de tal manera que los estudiantes del cuarto año de Arquitectura de la Universidad Católica (PUCP) han elaborado un proyecto urbanístico y la municipalidad aporta con el financiamiento. La comunidad junto con los estudiantes planificaron lo que quieren hacer, con propuestas horizontales de ambos lados, todo fue participativo. El paso siguiente a este proyecto es organizar junto con los vecinos las actividades artísticas mensuales.

Cómo llegar.

Para aquellos que vienen desde el centro de Lima, se debe tomar la av. Túpac Amaru, pasar el hospital de la solidaridad de Comas hasta llegar al paradero del Banco de Crédito a una cuadra de la av. España, también en Comas. Se reconoce el paradero porque los murales están pintados artísticamente por el festival. Los que llegan con transporte público, deben cruzar la pista auxiliar y tomar los colectivos que van hacia el FITECA. El pasaje en una de estas “lanchas” es de 0.80 céntimos de nuevo sol.

Edición Nº13, Año 4, Mayo - Junio 2009.

CORPUS EDITORIAL

2009-01-18T15:25:00.000-08:00

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

La crisis económica en el país crea una inestabilidad en la valoración de la educación y el arte quedando erróneamente en un segundo plano.

Al organizar un evento artístico cultural vemos diferentes factores que hacen muy loable dicha tarea, en especial para los jóvenes artistas y promotores culturales que inician su trabajo.

El Estado y las empresas, al creer de manera equivocada que al arte no es un evento masivo, no apoyan las actividades culturales y al no ser difundidas las personas quedan limitadas, sin criterios ni apreciaciones. De esta manera el arte se ve relegado solo para un grupo de personas que acceden a ella creando un circulo viciosos de una élite muy difícil de romper.

En esta nueva edición los invitamos a conocer algunas de las recientes propuestas, que al ser concientes del principal problema del arte actual tratan de replantear y abrir el panorama artístico hacia nuevos espacios, públicos y medios buscando representar su verdadero valor y propósito.

Resaltamos los aportes de nuestros lectores en el foro ArteCorpus sobre el mecenazgo en el país, aclarando la función del llamado mecenas cultural, su importancia y dando nuevos alcances para obtenerlo.

Finalmente estamos muy contentos de poder presentarles nuestro segundo proyecto al organizar la exposición “ IN “ del artista Juan Carlos Delgado en el Centro Cultural de la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Forma parte del arte!

ArteCorpus.org

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QUIENES SOMOS

Arte Corpus es una página web peruana especializada en la investigación, difusión y promoción del arte. Este espacio ha sido creado por un grupo independiente de historiadores del arte y artistas que buscan suscitar el interés y la comprensión de las diferentes manifestaciones artísticas, enriqueciendo el conocimiento que se tiene de las mismas a través de artículos, entrevistas, investigaciones y exposiciones.La página apunta a tener un perfil de actualidad, constituyéndose en un centro de información sobre temas culturales del momento, a nivel local e internacional. Sobre todo, pretende ser una ventana para los nuevos investigadores, artistas y críticos.

Consejo Editorial:
Raquel Castro
Eibby Rosillo
Julisa Espinoza

Agradecimientos:

Miriam Castro - Fondo Editorial de U. San Marcos,Elvis Chuco - Tekno,Fundación Daros, Manuel Marcos Percca,Luis Repeto Málaga, Joseph de Utia, Hugo Alegre, Iván Fernández.

EL CENTRO CULTURAL DE LA PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATOLICA DEL ECUADOR Y LA CORPORACIÓN ACADEMICA DE RESTAURADORES Y MUSEOGRAFOS DEL ECUADOR (CARME)

2009-01-18T15:20:00.000-08:00

Organiza el Encuentro de Museos de las Américas en la Mitad del Mundo que, con el tema: "Gestión y Marketing: Herramientas indispensables en los museos del siglo XXI", se realizará entre el 17 al 20 de junio del 2008. Todo el programa Académico se realizará en el auditorio mayor del Centro Cultural PUCE.

El congreso contará con la presencia de algunos expertos extranjeros como Neil Kotler, Presidente de Marketing para Museos y Turismo. Consultores, USA; Gary Edson, Director Ejecutivo del Programa de Museos de Ciencias de la Universidad de Texas, U.S.A.; Marina Chinchilla, Coordinadora General del Museo del Prado, España; María Victoria Sánchez Gómez, Subdirectora General de Museos Estatales, España; Quirino Olivera, Director Ejecutivo de la Asociación Amigos del Museo del Señor de Sipan, Perú; Luisa de Peña Díaz, Directora General de Museos, República Dominicana; Mónica Bahamondez, Centro Nacional de Conservación y Restauración del Museo de Isla de Pascua, Chile; Lyliam Alburquerque, Universidad de Buenos Aires, Argentina, entre otros.El Encuentro de Museos de las Américas, está dirigido a todos los países del continente americano y a funcionarios de museos y centros culturales (directores, administradores, asesores de marketing, gestores y promotores culturales, profesionales de museos, amigos de los museos, presidentes y miembros de fundaciones, museólogos, museógrafos, conservadores-restauradores, consultores, profesores, curadores, investigadores y estudiantes).

Las actividades académicas a desarrollarse, permitirán a los asistentes participar de conferencias magistrales y ponencias sobre la Gestión de fondos para Museos; Marketing de Museos: Propuestas de aplicación; y la Presentación de los Museos de las Américas, que darán a conocer la aplicación efectiva de sus estrategias para la consecución de fondos.Organizan y dirigirán el desarrollo del Encuentro de Museos de las Américas Gaby Costa Ullauri, Coordinadora del Centro Cultural de esta Universidad, (cc@puce.edu.ec o gmcosta@puce.edu.ec ) y Juan Carlos Fernández-Catalán, Presidente de la Corporación Académica de Restauradores y Museógrafos del Ecuador (CARME / carmecuador@yahoo.com)

Para mayor información: www.encuentromuseosquito.com

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

ICONOS URBANOS

2009-01-18T15:09:00.000-08:00

Joseph De Utia y sus fantasmas urbanos

-Galería-

Stainer manchada

Utia es un artista multidisciplinario que comparte la plástica, la gestión cultural y la dirección de la página web Círcuito de arte.

En el mes de mayo llamó la atención su exposición Retratos de la Vida Urbana, en la galería municipal Pancho Fierro con motivo del ALCUE, en donde retrataba el tema urbano desde sus personajes más resaltantes.

"El tema urbano se ha convertido en una parte integral del desarrollo creativo de muchos artistas. También procura desafiar la sabiduría convencional mostrando las dimensiones menos conocidas de la plasticidad con recursos digitales hasta obtener el encanto de lo visual en cada retrato”. Declara el artista.

Este simbolismo cuestiona los personajes que se representan como modelos o figuras de nuestro quehacer cotidiano y que marcan una época llena de cambios y paradojas. El artista desde siempre ha sido un cronista que va librándose de fantasmas que ingresan en el imaginario colectivo mimetizándose hasta convertirse en parte de nuestra personalidad.

Personajes que admiramos u odiamos, que imitamos o rechazamos, de los que siempre estamos atentos a sus historias y que queramos o no reflejan nuestra manera de pensar, nuestros valores y nuestra estética actual.

Así vemos reflejada la admiración por la cultura “chicha”, personajes emergentes de los conos, la nueva música andina como Dina Páucar o el deporte, entre otras figuras. "Busca compartir el retrato vivo de lo cotidiano de la experiencia del exponente con su entorno personal, local, e introspectivo”, afirmó la directora de la Galería Municipal.

Sofía

Pat priest

Fabiola Fucsia

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

LOS DIOSES Y LOS HOMBRES

2009-01-18T14:33:00.000-08:00

HUGO ALEGRE

-Galería-

El encuentro

Para muchos el arte es una dimensión sagrada de la realidad, por ello este escenario metafórico resulta propicio para que un artista como Hugo Alegre exponga y confronte los personajes de ese universo de dioses personales. Donde el sincretismo, la yuxtaposición y la resistencia se determinan e influyen recíprocamente, en una dialéctica que se genera en ese difícil y algunas veces incomprensible diálogo de dos culturas radicalmente distintas. Han transcurrido ya más de 500 años de este diálogo, pero en su haber podemos encontrar la presencia de este artista cuya reflexión plástica nos ubica permanentemente en el ojo de la tormenta.

Angel

“Hugo Alegre recupera el lenguaje figurativo en el que el antropomorfismo revelan los distintos procesos biológicos de la existencia humana, la gama racial de sus componentes y la supremacía de seres fantásticos en los que combina el zoomorfismo de las culturas ancestrales y vernáculas tanto de las fuentes clásicas occidentales como las incaicas. Su indicio más significativo de a contemporaneidad es la cromaticidad en la utilización de las gamas psicodélicas y la sencillez figurativa, tomando como referente el arte popular”.

Astrid Bahamond

Crítica de Arte – San Salvador E.S. 2002

libro nhugo

“Quienes conocen mi obra pueden advertir que no pinto por pintar, ni por rutina. Mi trabajo responde a una valoración del hombre andino, como presencia mestiza en la diversidad cultural peruana.En mis inicios opté por la pintura de carácter costumbrista, porque tenía la necesidad de expresar mis recuerdos, la nostalgia de lo vivido. Además la cotidianidad en el campo llevada al terreno de la plástica, fue esencial para desarrollar un lenguaje propio de color y composición. Una realidad de constantes cambios, producto de la fusión de nuestras culturas y de la cual yo también soy parte. Pero en este contexto de transfiguraciones, intuí una forma de resistencia que se expresaba en el constructo mágico religioso.. Los personajes protagónicos de esta lucha eran los brujos, chamanes y curanderos. Son ellos quienes encarnan el sincretismo conceptual que da sustento a millones de latinoamericanos.Es esta interpretación la que hace cambiar las formas de mi pintura, de la figuración a la abstracción, pasando de la nueva figuración al simbolismo, del surrealismo a la figuración para luego retornar al pop art, estilo que lo disfruté tempranamente cuando era estudiante en el colegio secundario”.

HUGO ALEGRE

Estandarte I

Adan y Eva y La Fuente del Deseo

Guardianes de la Huaca

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

"JUANACHA" O LA OTRA MANERA DE HABLAR Y ESCRIBIR HOY SOBRE ARTE

2009-01-18T13:47:00.000-08:00

Por: MANUEL MARCOS PERCCA

«(La devaluación de la crítica) tiene mucho que ver con ciertos ejercicios irresponsables de los que cobardemente todos los que hemos hecho crítica en diarios y revistas deberíamos ser capaces de aceptar. De introducir ideas nuevas sin darle un correlato directamente a la situación de las artes plásticas localmente». Jorge Villacorta [1]

«(...) El enorme alcance de los canales de comunicación que atraviesan las fronteras culturales tiene el efecto de desmantelar viejas formas de marginación y dominación, y permite imaginar nuevas formas de democratización y multiplicidad cultural».William Rowe y Vivian Schelling [2]

«La ausencia de confrontación abierta favorece una tendencia conservadora que se acompaña de formas de movilidad patrocinada al interior del campo».Néstor García Canclini [3]

Hace unas semanas el periodista Eduardo Deza puso en nuestras manos la edición N° 1 de la revista JUANACHA [4] a fin de que la comentemos «de manera diferente». Sentimos su pedido como una tarea difícil, en primer lugar, porque la revista no tiene una editorial —al menos no en el sentido tradicional del término— que la defina o nos acerque a sus objetivos y, segundo, porque sus artículos —casi veinte— detallan las «nuevas actitudes» hacia la glosa, el análisis y la crítica de las artes por parte de gente que, particularmente, no conocemos. Sin embargo, confesamos que mientras le dábamos una «ojeada» afloró nuestra curiosidad, cosa que nos dio ánimos de aceptar los requerimientos del experimentado hombre de prensa y, posteriormente, remitirla a esta publicación.

En nuestro medio, es difícil encontrar una revista sobre arte que sólo cueste cinco soles como JUANACHA, y eso puede ser algo meritorio: la revista tiene más de cien páginas, un tamaño que hace cómoda su lectura, muchos artículos, mucha información. Sabemos de más de veinte proyectos que pretendieron realizar algo parecido pero que quedaron truncos en el camino. Sobre su diagramación y diseño, estamos seguros que los entendidos encontrarían muchas deficiencias, y a ellos preferimos dejarles la crítica. Lo que sí podemos rescatar, a simple vista, es el hecho de que al estar elaborada en blanco y negro JUANACHA posee una saludable apariencia de pulcritud. En la portada aparece una suerte de retrato del crítico de arte Jorge Villacorta, trazado con tinta negra (con todo, al parecer olvidaron poner el nombre de su autor así como la técnica empleada).

Merece destacarse que todos los participantes en la revista son jóvenes artistas, curadores o críticos de arte «independientes»: Sharon Lerner, Piero y Rodrigo Quijano, Eliana Otta, Miguel López, Luz María Bedoya, Juan Salas, flavia Gandolfo, Philippe Gruenberg, Gilda Mantilla, entre otros. En JUANACHA priman las entrevistas y la trascripción de conferencias y los artículos son concebidos en tono de crónica. En sus páginas uno encuentra dossiers, reseñas, apuntes de eventos internacionales de arte del 2007, traducción de artículos referidos a la vida cotidiana, etc. De ellos destaco «El lugar de la crítica», que viene a ser la trascripción de una charla del crítico Jorge Villacorta dado en Lima en 1997 (pp. 37-43), y «Villacorta: Ten Years Alter» (pp. 99-107).

Todo lo posible existe en esta primera edición. Todo lo humano desfila en su interior. Y tanto así como aciertos, también tiene flaquezas. Hay entusiasmo y exaltación pero también silencios y, en algunos casos, amnesias selectivas. Estos silenciamientos selectivos hacen que JUANACHA sea la expresión de una forma de situarse frente a las artes que difícilmente compartiríamos. Nos hacen verla como la expresión casi perfecta de una «corriente» que nos anuncia una nueva forma de analizar el arte contemporáneo que obvia todo instrumento conceptual para comprender su dimensión material al interior de la vida social. Por eso consideramos que JUANACHA nos indica que el énfasis de quienes hoy escriben y hablan sobre arte radica en lo cultural y lo simbólico. Que ya no se reflexiona a las artes desde sus relaciones de «dominación», «alienación» o algo que deba ser cuestionado y alterado, sino simplemente como parte de la realidad de una sociedad posmodernizada. En otras palabras, la revista nos advertiría de la ausencia de toda actitud evaluadora y crítica: «negativa».

¿Qué estamos viendo con toda esta perspectiva? Que JUANACHA evidencia el tránsito de un pensamiento crítico del arte y el artista —que buscó en el presente las posibilidades de su transformación considerando que todo podría ser de otra manera— a un pensamiento que se limita a constatar y «exaltar» el carácter inmodificable de la sociedad, el arte y la condición de los artistas [5].Así, no es nuestra intención formular un comentario sobre la calidad de los artículos de la revista, sino más bien analizar esta «nueva» forma de hablar y escribir sobre arte, una tendencia que es evidente no sólo en JUANACHA sino, también, en otras revistas o medios de difusión actual. Para eso nos basaremos en algunos aspectos que puedan denotar el paso de una actitud y pensamiento critico-socialista (en cierto sentido «hereje» e impugnador del sistema cultural y artístico vigente, de un voto ético por el cambio) a otro invadido de espíritu demo-liberal (que busca interpretar el arte como un «espacio común», producto de «positivas» mezclas e hibridaciones culturales, para no presentarlos como campos reales de disputas y tensiones entre diferentes grupos, sea estéticos, étnicos o de clase).

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Ya se ha mencionado que JUANACHA evidenciaría el paso de una reflexión y crítica ligada a una ideología del cambio a un cambio de la reflexión y crítica que sólo busca ver el arte desde perspectivas culturales y simbólicas. Incluso, parafraseando a Horacio Machín [6], se puede decir que de interpretaciones del arte dentro de una perspectiva histórica materialista —para suscitar fuerzas de cambio socio-artístico— se ha dado paso a una visión post-histórica: es decir, a una donde toda historia es contingente y todo cambio es coyuntural y la crítica del capitalismo deja de ser un articulador de la idea de identidad estética, regional, nacional o cultural. Llegado a este punto nace la pregunta general: ¿Qué sucedió para que la manera de hablar y escribir sobre arte en la actualidad carezca de un contenido y una dimensión cuestionadora «negativa»?

Sucedió que hace unos años todos los esfuerzos del capitalismo por desdibujar los grandes discursos —o metarrelatos— que planteaban la historia y el análisis en términos de disputa, lucha, tensión u oposición de ideologías, estéticas y culturas (nacionales, regionales o locales) lograran su objetivo: borrar del mapa a muchos de los entusiastas o forjadores de dichos planteamientos, antagonistas «negativos». De hecho, estos personajes fácil, y rápidamente, son seducidos e incorporados —en calidad de funcionarios— al interior del sistema, para construir un aparato de propaganda que «hablase» no tanto en clave de disputas y luchas, sino de una crisis de «todos» los paradigmas teóricos de occidente —sobre todo, esos «divisionistas» y «confrontacionales»— o de una urgencia de que la vida social en su conjunto adopte las formas democráticas en pro de la «convivencia», la «paz mundial» y la «supervivencia». Eran los tiempos de la Guerra Fría.

Animados por el colapso de los regímenes de ideología comunista y la caída del Muro de Berlín (1989), vendieron la idea de que ésas fueron las señales concretas para que el planeta entero se integre bajo el modelo democrático-liberal de occidente y su promesa de «libertad infinita» para actuar, crear y competir. Ambos sucesos, además, les permitió fundamentar la falacia de la irrupción de un nuevo mundo, una nueva era, una sociedad abierta, una meta-cultura global, que no podía ser construida ni criticada por teorías «negativas» o «divisionistas» nacidas en los inicios de la era industrial.

Alejados de visiones que cuestionaban la esencia misma del sistema capitalista, los nuevos letrados del sistema buscaron difundir, e imponer, la idea de que lo fundamental era «contemplar» la nueva realidad cotidiana, su carácter indeterminado, los desplazamientos culturales en época de globalización y desmaterialización, las nuevas subjetividades y sus sentidos múltiples, o «describir» las contemporáneas conductas sociales y culturales (fragmentarizadas y heterogéneas) surgidas en el «presente postcapitalista» y posconvencional. ¿Qué se haría con lo pensado y escrito hasta ese momento? Los títulos que inundaron las librerías del mundo, desde inicios de la década de 1990, nos ayudan en la respuesta: «… fin de la historia», «… fin de la era de la razón», «... improcedencia y fin de las utopías que buscaron la unión y la libertad de los oprimidos y explotados del mundo», «... fin de la era capitalista y de sus enemigos: los revoltosos anticapitalistas», «fin de la era industrial», «crisis y muerte del proletariado», «...muerte de los grandes relatos», «... muerte de la pintura de vanguardia», «… muerte del autor», «... fin de la idea de la lucha por el poder», «... agonía de los partidos políticos», y así sucesivamente.

Al mismo tiempo aparecieron libros y vulgatas sobre postmodernidad, postestructuralismo, deconstrucción, posvanguardia, nuevos actores, escenarios y formas de tensión global, rebeliones en los massmedia, arte y teoría del caos, estéticas y tecnología post-industrial, etc. Así, no fue difícil que surja la incriminación, desde ámbitos «alternativos», al saber academizado y se lo tilde de «ideologizado» y «antidemócrata» y luego se dictamine su «crisis» o se hable de la urgencia de abrirla a una realidad pluralizada y heterogénea: la supuesta realidad que generaba los «nuevos tiempos». A la divulgación de todos estos textos y artículos que cuestionaban la ideología del cambio social o la identidad teórica del socialismo, que alimentó la reflexión y la crítica, le siguió el fomento a la exploración de temas de «franca relevancia en el mundo».

Para el caso de las artes —plásticas—, el acercamiento a la realidad de «lo cultural» y la globalización representó el ánimo para renovar la reflexión y crítica de arte. Para esto, previamente se retoma a los intelectuales latinoamericanos que desde fines de la segunda mitad de la década de 1970 buscaron desarticular los aparatos teóricos que permitían plantear la oposición entre lo local y lo internacional en las artes o que apaciguaron los temores que generaba la expansión del capitalismo sobre las culturas artísticas y estéticas latinoamericanas [7]. Así, toda opinión, teoría y crítica de arte se orientó a reconstruir y comprender las modalidades de creación de sentido e identidad artística en el nuevo mundo, en un mundo donde —como reza el clise— la fluidez de las comunicaciones ha terminado de desdibujar las oposiciones y barreras y permitido imaginar nuevas formas de democratización y multiplicidad cultural.En esta reconstrucción se deslegitimó la importancia de la crítica de izquierda —vigente en las décadas de 1970 y 1980— por considerar que por sus mecanismos de análisis —centrados en conflictos y tensión socio-estética o en un horizonte revolucionario de reflexión que considera necesario cuestionar, e incluso, «demoler» el orden existente como condición para la construcción de un «orden» estético superior— están impedidos no sólo de penetrar la nueva realidad histórica del arte, sino que no pueden articular nuevas maneras de pensar la relación entre arte y «sociedad civil» y «Estado democrático». Menos aún, entonces, estarían en facultad de producir un nuevo tipo de participación, de ciudadanía o cohesión social en tiempos de globalidad. Quizá esa sea la razón por la que la promoción y defensa de la democracia y los «espacios comunes» sea hoy, más que nunca, la consigna con mayor capacidad para agrupar y movilizar a los pensadores y críticos del arte local.

Éstos reivindican una agenda democrática en el espacio de la reflexión, explicación y crítica de arte, porque lo que predican es una gestión de estéticas que no dependan de estructuras que impliquen divisiones o actitudes «negativas» o cuestionadoras del orden imperante. En su curiosa defensa del orden democrático-liberal han levantado una barricada explicativa y un «todo» estético popular y supuestamente abierto, en donde importa —en nombre de la sana convivencia— sólo interpretar subjetividades (estéticas) y describir nuevos fenómenos artísticos. En cierto sentido, cumplen el trabajo fundamental de llevar todas nuestra propuestas plásticas a los dominios de la democracia radicalizada de hoy: la esfera global donde no hay otro espacio sino el espacio de la misma globalización (y de sus instituciones) para constituir la oposición y la verdad.

Por la constante mención en sus textos, se puede señalar que varios de los que se incluyen en esta nueva corriente buscan, también, recuperar —como un gesto democrático y solidario—, los conocimientos y las prácticas de artistas entendidos como «del pueblo» de los tiempos posmodernos. Pero este gesto reemplaza el concepto de «su poder» con el de «su cultura», minimizando la importancia de la ideología de estas gentes y la fuerza de sus artes. De esta forma el «todo» social, e incluso político, del artista llega a ser el «todo cultural» del artista. En este gesto recuperativo el artista del pueblo posmoderno no tiene ninguna característica determinante: sólo es un emblema alegórico, producto de la actividad del crítico (o curador) mismo. Por lo tanto, el momento mismo de recuperación compasiva de las «memorias», «voces» y «experiencias» que no han sido oídas llega a convertirse en algo similar al espejo del narcisista donde el artista del pueblo sirve sólo para reflejar las preocupaciones y la búsqueda de figuración del crítico o curados de arte liberal posmoderno.

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Ya es típico al interior de toda esta corriente que sus principales miembros, en el marco de la retórica de la «confianza», asuman la representación del artista peruano ante la globalización. Al mejor estilo de los representantes de Estado, ellos viajan (como embajadores de lo peruano) a cuanto evento artístico mundial exista. Pero sus voces intermediarias les devuelven —al artista peruano y a su obra— el estatus de periféricos o de marginalidad pues todas las disidencias estéticas del artífice son sutilmente ingresadas en la máquina —de las metrópolis del arte— para que filtre y exotice las disidencias nuestras y, finalmente, las comercialice en el mercado global.

Y como era de suponerse, también se ha vuelto típico en esta corriente el gusto por formar «espacios de acción concertada», «plataformas» o «ambientes de diálogo de confianza». Y puesto que en esta arena «pública» se discuten temas de «interés común», el artista y la coyuntura social y política serán, naturalmente, temas de debate. Pero esa interacción antes cumple con ciertos procedimientos que regulan la participación. Aquí la única fuerza considerada válida será la de los «buenos argumentos»: aquellos que hablen de la relación arte, democracia y sociedad civil. Por eso no es extraño encontrar en estos pseudos «espacios de debate» cierta animosidad por erradicar a aquellos que les recuerden la supuesta «falsa problemática» del arte: la dominación y la «resistencia cultural», del arte y el poder, y de la pugna entre las estéticas y las ideologías artísticas de una clase social con otra. Es más, allí se descarta la tesis de que el arte, en cualquiera de sus manifestaciones, reproduce y expresa valores ideológicos diferentes. En otras palabras, se tergiversa conceptos y posiciones, cerrando toda posibilidad para un encuentro fecundo entre el arte y los valores ideológicos. Ésa es una de las paradojas que se producen al incorporar al arte las agendas de la democracia contemporánea y también los parámetros de sus espacios de acción.

Para los que tienen la posibilidad de acceder a estas pseudos plataformas de diálogo, no les será difícil percibir una actitud tendenciosa por enjaular el ímpetu cuestionador y contestatario de los artistas de la región dentro de universos interpretativos fragmentados (únicamente simbólicos, culturales y discursivos) con el objeto de no reinscribir sus demandas en el campo de una búsqueda de la transformación y revolución material y total de la existencia de la sociedad o el sistema artístico. Ésta es la razón por la que en esos lugares nunca se habla de los artistas que abogan por una transformación real de la sociedad: sólo hablan de las virtudes del artista cuya obra «devela» el poder y el discurso hegemónico. De hecho, nunca se refieren a los artistas que cuestionan la clase que detenta el poder: sólo mencionan a los artistas que cuestionan a las instituciones, como si estas tuvieran un carácter independiente al margen del poder central.Así, el arte de Lima deviene ahora en un «espacio» reorganizado por los análisis culturalistas, en base a experiencias cotidianas (globalizadas), que de las organizadas por el antiguo aparato critico "materialista". Esta mirada culturalista obvia los intereses económicos y de poder, y por ello se redefine y aborda el arte como algo popular (como un summun que depende sólo del accionar de las personas, grupos y minorías y no de las estructuras), como parte de un proceso de hibridación cultural, de «cholificación urbana», como lugar de cruces de variables entre la cultura estética local, la nacional y la internacional, y como desapropiación de valores y reconversión de identidades estéticas. Con ello evitan la reflexión y crítica que «nos aísle» o que nos haga recordar la institucionalidad imperante.

Este tipo de neo-crítica también considera lo cultural como único campo de lucha -pero en su sentido estético- o se fija sólo en lo simbólico y la sintaxis del lenguaje artístico. En sus publicaciones se tiende a explicar sólo los movimiento artístico-culturales, sólo a interpretar «Iúdicamente» subjetividades estéticas o sólo a describir nuevos fenómenos cotidianos, «estetizados».

En general, los miembros de esta corriente han renunciado por completo a toda preocupación por las articulaciones histórico-sociales o político-económicas con procesos artísticos e ideológicos cosa que haría más comprensible el problema real de las artes, la identidad, la nación y las representaciones. O tienen la tendencia a desacreditar las «estructuras» teóricas que antaño fundamentaron la reflexión y crítica de arte. En todo momento sus publicaciones plantean la caducidad del lenguaje radical de aquella crítica. Es más, demuestran que fue inservible para, luego, terminar fundando una crítica «más realista», «más acorde» y «menos esencialista». En suma, el fondo de sus pretensiones de análisis de los problemas del arte esta ligado más a contingencias específicas y a exigencias inmediatas que a una suerte de proceso orgánica y éticamente concebido.

Puesto que al interior de dicha corriente se busca apartarse del pasado («teñido de dogmas y utopías temerarias») y desestabilizar la institucionalidad del escribir sobre arte, se habla desde concepciones metodológicas trans-históricas, trans-clasistas, trans-ideológicas, trans-políticas, trans-revolucionarias, trans-nacionales, trans-patrimoniales, trans-centralistas, trans-culturales, trans-disciplinarias y trans-textuales. Así, su narrativa se define bajo principios de la narrativa popular (de concepciones que no requieren justificación teórica ni académica) o ésta basada en desplazamientos y nomadismos conceptuales —incluyendo apropiaciones de sistemas y subsistemas, resignificaciones, préstamos y reciclajes teórico-estéticos. Esta neonarrativa popular —que por ejemplo invade a JUANACHA— es un conjunto de juegos de lenguaje fusionado con la variedad del «discurso de la calle», de lo cotidiano y de lo ordinario: de la nueva realidad «descentrado» y globalizada. Queda reducida, muchas veces, a mera ocurrencia ingeniosa o pura trivialidad.

A los miembros de la nueva corriente los términos comunes como «investigador», «ensayista», «crítico» o «especialista» no les gusta. En tiempos de «giros idiomáticos" y «desarraigos» buscan autodefinirse bajo principios post-académicos o trans-institucionales del arte. Por eso se hacen llamar, vaporosamente, «curadores», «gestores» o «xxx-independientes».Apartados de discursos y teoréticas monocentradas del arte, escriben desde la institucionalidad mundo: el mundo global, democratizado y neoliberal. En su gusto por la simultaneidad, en su convencimiento que vivimos en una esfera pública massmediática han constituido redes de intervención teórica y de debate no identificables por las cartografías del saber institucional o academizado. Lo que los visibiliza son sus textos o «simulacros», en ellos nos dicen que son entusiastas de la globalización y de sus metáforas del descentramiento y que se identifican con la política cultural de los movimientos cívicos, la filantropía corporativa y el socorro internacional para el fomento y desarrollo de las artes y la cultura o que entienden el posmodernismo como una nueva forma de hacer reflexión y crítica cultural, que no apela a instrumentos conceptuales para comprender y explicar las dimensiones materiales e ideológicas en las que se inserta el arte o, finalmente, que han reemplazado las viejas perspectivas de análisis, ligadas a cuestiones políticas e ideológicas por una de activismo dirigida a democratizar y reformar, «en nombre de la razón y sana convivencia», esas «anticuadas» perspectivas de análisis y crítica «distanciadoras», «dogmáticas», «temerarias», «utopistas», «NEGATIVAS» y que antaño todos compartimos.

CONCLUSIONES Y PROPUESTA

No basta acudir sólo a perspectivas simbólico-culturales o únicamente a esquemas de estructuras materiales de la producción y reproducción socio-estética para sustentar el análisis, el comentario o la crítica a una obra o proyecto artístico que cuestiona el inmediato social y político. Para emitir una crítica o comentario de una obra que contenga una actitud de cuestionamiento al poder o a la situación política es necesario atender tanto al arte como espacio privilegiado para una construcción de la cohesión simbólico-social cuanto como espacio donde, también, existen tensiones, conflictos y contradicciones reales de orden ideológico, histórico, económico y de clase.

Consideramos que las propias prácticas artísticas deberán desvanecer esa «amnesia selectiva» de los que al momento de escribir e, incluso, deliberar sobre arte disocian los universos culturales y simbólicos de las estructuras económicas y de clase en las que se inscriben, o establecen que no hay una realidad cruda de lo material y artístico más allá de lo cultural y simbólico. «Amnesia selectiva» que no padeció, por ejemplo, el crítico peruano JUAN ACHA, cuyo aparato teórico y planteamiento crítico, basado en Marx y el Marxismo occidental, nunca descartó ni desdibujó el vínculo tensional y dialéctico entre aquellos universos y estructuras, entre lo material y lo cultural.

Es necesario el reencuentro con el espíritu de aquella perspectiva teórico-crítica que fue un gesto ético, libre y creativo, que concibió el arte como espacio de tensión y conflicto pero también como espacio de construcción y cohesión social. Es necesario que el tema del conflicto y de la ideología sea un tema de reflexión en el arte. No sólo hay que pensar en función en como son las cosas en las artes, hay que retomar el ánimo de pensar en cómo nos gustaría que fueran. Para terminar, nuestros ánimos de interpretar la relación «curador», «gestor» o «critico independiente» con los modos y usos demoliberales sólo pretenden plantear el problema de la intromisión de una agenda y una ideología demoliberal en el hablar y escribir hoy sobre arte.

Lima, febrero de 2008

NOTAS

[1] Villacorta, Jorge. «El lugar de la crítica». En Juanacha, Nº 1, Espacio la culpable. Lima, primavera 2007. Páginas 37-43 [39]

[2] Rowe, William y Schelling, Vivian. Memoria y modernidad. Cultura popular en América Latina.
Editorial Grijalbo, S.A. México D.F; 1993. Página 13.

[3] García Canclini, Néstor. "Cultura transnacional y culturas populares. Bases teórico-metodológicas para la investigación". En Cultura transnacional y culturas populares. Néstor Gorda Canclini y Rafael Roncagliolo (editores). IPAL, Lima, 1988. Páginas 17-76 [34].

[4] Juanacha. Nº 1, Espacio la Culpable, Lima, primavera 2007. 110 páginas.

[5] Esta parte del texto esta inspirado en Edgardo Lander. "Las transformaciones posmodernas de la política". En Raquel Sosa Elízaga (coordinadora). América Latina y el Caribe: Perspectivas de su reconstrucción, ALAS, UNAM, México, 1996.

[6] Machín, Horacio. «Intérpretes culturales y democracia social». En Mabel Morana (editora), Nuevas perspectivas desde/sobre América Latina: El desafio de los Estudios Culturales. Editorial Cuarto Propio, Instituto Internacional de Literatura Iberoamericana, Santiago de Chile, 2000. Páginas 335-350 [337].

[7] Entre otras cosas, se retoma a esa generación de intelectuales latinoamericanos que desde la segunda mitad de 1970 rompe los discursos y paradigmas de la izquierda regional que hasta esos años permitía hablar de «resistencia cultural», de arte de los "grupos y culturas opresoras» y arte de los «grupos y culturas oprimidas», de arte, cultura y «liberación» o de arte del «pueblo» y arte de la «elite». Convertidos en funcionarios del sistema desde la década de 1980, serán los encargados de forjar planteamientos que sostienen que las culturas populares latinoamericanas mostraban una capacidad enorme de adaptación al avance del neocapitalismo y su cultura globalizante y por lo tanto era absurdo sostener la «vieja» ideología de la «resistencia». Asimismo, establecen ideas como que la «cultura baja» ya no era «baja» sino un escenario «vivo» e «hirviente» de resignificaciones plásticas y estéticas porque en tiempos de globalización todos tienen la oportunidad, y capacidad, de apropiarse de los códigos y mensajes del orden "hegemónico". Para estos neoconservadores la «apropiación» pasó a ser una práctica intercultural de «resistencia» a la «dominación». También dijeron que no existe una «masa» controlable o alienable pues, realmente, existen —desde 1989— «ciudadanos» activos, que se mueven libre, autónoma y desideologizadamente en la complejidad inabarcable de una cultura globalizada e híbrida.

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

ARTECORPUS presenta: "IN"

2009-01-18T13:35:00.000-08:00

Pintura, instalación y animación 3D

Juan Carlos Delgado

La página web ArteCorpus presenta la exposición : IN. Pintura instalación y animación 3D del artista plástico Juan Carlos Delgado.

Comprender el por qué de las cosas ha sido una inquietud inherente al ser humano desde que adquirió razón y conciencia. Ya sea a través del arte, la filosofía, la religión o la ciencia, buscamos respuestas a nuestras preguntas existenciales (quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos) para vivir más tranquilos en un Universo lleno de misterios.

La exposición IN que se realizará en Centro Cultural (Galería Subterránea) de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú - ENSABAP, invita a la reflexión sobre estos aspectos existenciales a través de pintura abstracta, instalación, animación, visitas guiadas y algunas dinámicas con el público asistente.Con el boom del Internet, las telecomunicaciones y las industrias del entretenimiento, la Pintura y el Arte en general necesitan plantear nuevamente su hacer, reinventarse y evidenciar su rol social con más claridad.

Juan Carlos Delgado utiliza su propio yo para analizar y retratar su condición como ser humano, ciudadano y artista visual, en temas tales cómo la vida, la muerte, el sexo, la tecnología, su entorno y la función que cumple en un momento lleno de cambios, crisis y movimiento, usando de apoyo los valores de la estética Zen (el artista es también practicante de aikido), con el objetivo de representar un proceso de autodescubrimiento que, tarde o temprano, toda persona llegará a experimentar. Enfrentarse con el lienzo en blanco e ir hallando el cuadro en el hacer mismo puede ir más allá de la experiencia plástica, para lograr una experiencia de autoconocimiento, existencial e incluso de tipo religioso. “Más allá de cualquier tendencia dogmática, creo que el arte a través de la pintura puede manifestar un gran canto de interioridades, donde podemos hallarnos todos” - Juan Carlos Delgado.

www.juancarlosdelgado.com

La exposición IN se inaugurará en el Centro Cultural de la ENSABAP el 01 de julio a las 7:30pm y permanecerá abierta hasta el 23 de julio de 2008. Las visitas guiadas serán los días sábados de dicho mes, en dos turnos: 10:00am – 12:00m / 2:00pm – 4:00pm.

Mayor información:
Centro Cultural de Bellas Artes
Atención: lunes a viernes: 10am – 8pm
sábados: 10am – 4pm
Dirección: Jr. Huallaga 402-Cercado de Lima
Teléfono: 426 6966

Organiza:
Asociación Arte Corpus.org
www.artecorpus.org
artecortpus@hotmail.com

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

EL CAMINO DE UN GRABADOR ALBERTO AGAPITO Y LOS DESAFÍOS DE SU ARTE

2009-01-18T12:57:00.000-08:00

Entrevista al maestro Alberto Agapito

*Por: Julisa Espinoza Bedón

Investigadora e Historiadora del Arte

“Estaba en el comedor mirando hacia el jardín, de pronto apareció una avecilla de rojos intensos y se detuvo en un arbusto en busca de alimento. Con esa mágica presencia de tan extrañas y admirables formas en mi cabeza, corrí a mi taller y empecé a dibujar”.(1) Esto le sucede al grabador Alberto Agapito cuando una intensa presencia lo atrapa y lo invita a coger lápiz y papel o a mancharse las manos de tinta.

Posando al lado de sus visiones aladas.

El maestro Alberto Agapito nació en Mala (1949), un valle costeño del sur peruano. “Soy un lunar en la familia” -afirma. Sus padres eran agricultores y su tío farmacéutico. Soñaban con verlo vestido de blanco y le preparaban las sendas de la medicina. En cuarto año de secundaria, una visita inesperada le cambió el destino. Un profesor cargado de bandejas, ácidos y placas vino a enseñarles grabado. Fue la primera experiencia con el arte del dibujo al revés. Quedó tan admirado de esta cualidad, que al terminar el colegio decidió seguir el camino de los buriles y las gubias. Al enterarse su madre, ella recordó que en Mala habían unos personajes llamados “moneros”, quienes errantes, tocaban las puertas de casa en casa, y ofrecían a los habitantes pintarles retratos a cambio de dinero; y le dijo: “¿Qué vas a hacer? ¿Cómo te vas a mantener? ¡Andarás como ellos!…”. Viajó a Lima con la intención de matricularse en la Escuela de Bellas Artes, pero el terremoto de 1966 en la capital, se lo impidió. Las calles estaban inmersas en una atmósfera ensombrecida y el edificio de la escuela quedo afectado. Las actividades académicas fueron suspendidas, y muchos jóvenes no alcanzaron a tener un pincel entre las manos.

Sin título. Colografía (1986).El ICPNA ha editado el catálogo de su muestra en homenaje a sus 35 años de trayectoria.

La inquietud de seguir adelante en sus propósitos lo llevó a la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Católica. A pesar de su condición humilde, pudo superar obstáculos de una universidad privada. Todo lo consiguió con perseverancia, desde lograr las primeras ventas hasta obtener becas de estudio por su buen rendimiento. Tuvo el privilegio de conocer al maestro Adolfo Winternitz (Viena, 1906 – Lima, 1993), quien fue director de la entonces Escuela de Artes Plásticas (hoy Facultad). Él enseñó a sus alumnos, cuenta Alberto: “Necesitas cinco minutos de inspiración, el resto es trabajo”.

Importantes pintores nacionales solicitaron al maestro ejecutar grabados para sus diseños.Sin título. Monotipia (1990).

“Alberto Agapito: muestra antológica (1968 - 2007)”, fue un ejemplo de aquella frase. Se exhibió el pasado mes de mayo en la galería ICPNA, San Miguel, y reunió gran parte de su producción. Sus motivos van de lo figurativo a lo abstracto: Montañas, lunas, aves, figuras geométricas y estructuras. Una mirada, Agapito las ha transformado en arte. Desde niño vivió rodeado de naturaleza, es su máxima inspiración. Pasamayo, paisaje de carreteras sinuosas, mar y arena, donde el sol eternamente muere al atardecer, le sirvió para plasmar la visión de un estallido de colores intensos, vibrantes y eternos, ordenados en un caos sin salida. El color es su lenguaje. Ellos parecen competir por brillar en el espacio de su límite cuadrado. Acaricia el alma y nos invita a entrar en el fascinante mundo de sus misterios.(2)

Intaglio (1971).Primer premio nacional de grabado del ICPNA.

En 1972, el último año de su carrera universitaria, andaba preocupado por el futuro que le esperaría fuera de las aulas que lo habían acogido. Ocupado en el taller, entregado a los quehaceres cotidianos de su profesión, no se imaginaba una noticia inesperada. Entró el conserje y le dijo: “¡Agapito le llama el profesor Winternitz!”. Mientras iba a la oficina, repasaba preocupado si había cometido alguna falta –los artistas eran bohemios y no faltaban las reuniones de copas. Winternitz le dijo: “Siéntate te tengo una sorpresa. Tú vas a conformar la plana docente” . Agapito enmudeció. “Que cara abre puesto, que replicó”: “¿Quieres o no quieres?” Desde entonces es profesor de la especialidad de grabado.

Sin título. Monotipia (1990).

Sin embargo, el horizonte de un grabador no siempre es feliz: “Es difícil de vender, no hay mercado”. Y es porque al ser producidos en varias copias, a veces no los adquieren por el temor a que algún amigo ya los tenga colgado en su casa, o porque creen que materiales como la tinta o el papel no son perdurables, dice Agapito. Tilsa Tsuchiya (Supe, 1936 - 1984), quien fuera reconocida artista plástica en nuestro medio, le dio un buen consejo en los ochenta: “Lo mejor es que sigas produciendo y guardes…algún día va a aparecer alguien”. Alberto comprobó cuanta razón tenía.

Agapito es integrante de uno de los talleres particulares de grabado con más persistencia en el país: el Taller 72.Intaglio (1985).

Una confesión: Alberto Agapito anuncia el cierre de su etapa como grabador, su separación del Taller 72 y el rumbo por un nuevo camino: La pintura.El grabado es una arte completo, requiere la destreza de técnicas variadas en cada una de las fases de su producción. Estamos seguros que en esta aventura nuestra alma se verá una vez más capturada en la amplitud de todos nuestros sentidos. Otra vez el tiempo correrá para atraparnos y alejarnos por instantes de nuestra existencia cotidiana.

Sin título. Técnica mixta (2007).

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

La importancia del mecenazgo Cultural

2009-01-18T12:53:00.000-08:00

Las contribuciones del mecenazgo público al patrimonio artístico siempre ha sido claves dentro de el desarrollo y enriquecimiento de las colecciones museísticas, la creación de galerías, centros de arte, nuevos espacios y presentaciones culturales El apoyo prestado a los artistas económicamente fomenta el desarrollo cultural de su tiempo.

En la actualidad la llamada esponsorización heredero directo del tradicional mecenazgo, responde a criterios empresariales pues se utiliza como un instrumento para lograr publicidad, sin embargo, su origen se identifica con el del mecenazgo o patrocinio como una forma de mecenazgo moderna y adaptada a las estructuras económicas actuales.
*Nuestros lectores nos brindan una importante opinión en el foro Artecorpus sobre la manera en que se puede concienciar a las empresas para brindar mayor apoyo a las actividades artísticas.

“Me parece que la palabra correcta seria "patronazgo", que más que un apoyo desinteresado hacia el artista era una especie de "marketeo" de parte del titular mecenas, que como ya todos sabemos mas o menos en el XVIII se identificaba más en lo que vendría a ser la nobleza, la iglesia y algunos que otros reinados o gobernantes, por así decirlo; ya que la única finalidad era la de poder dejar huella a posteridad de su nombre y su ya obtenida posición en la sociedad, y que luego con el pasar del tiempo deriva en la búsqueda de un patriotismo. Aplicándolo ya a la actualidad, creo que la palabra correcta sería un mecenazgo pero en relación a empresas o instituciones que no sólo disfruten del arte en general, sino que también podría servir para proporcionar no sólo la dicha publicidad sino también crear ante la sociedad, un puente o una relación directa entre esa empresa y/o institución con la cultura y el arte (de sobre quién se haya ejercido el mecenazgo), que en muchos de los casos sería explotado para diferentes finalidades, incluyendo una concepción (no en todos los casos claro) de algún modo equivocada por quienes no tienen la suficiente idea de mecenazgo cultural, por así decirlo. Y para ésto se deberían estipular dentro de un marco conceptual global, ideas que evoquen un análisis y sobre todo capacitaciones o conversatorios por parte de gestores culturales o curadores, a las entidades interesadas para crear una interacción más clara y guiar este hecho hacia un sólo punto: el apoyo desinteresado hacia una identidad y educación cultural para la sociedad en general”.
Yan

“Si se toma solo la relación de empresa y mecenazgo tal vez la pregunta más adecuada no sería el cómo concienciar a la empresa privada, sino el de cómo concienciar a la población con respecto al consumo del arte, a la empresa como tal, tiene como primacía ganar dinero e invertir para mejorar su marca. Si a la población no le importa el arte preferirá invertir en otro sector como el deporte. Nunca se ganan mundiales en fútbol pero todos publicitan e invierten en fútbol.Entonces se está frente a un dilema, en el que la solución son dos: primero hacer marketing y la verdad seria bueno, ha habido buenas actividades culturales pero casi nunca se sabe de ello, hay que aprender a salir de la galería y de los centros culturales. Lo segundo es enfocarse a un nuevo grupo que pueda patrocinar las actividades culturales. Y es que muchos no saben cómo funciona la cuestión de la publicidad empresarial, por ejemplo muchas empresas están obligadas a hacer lo que se llama el gasto social, esto por contrato cuando se realizó las privatizaciones, muchas empresas dan dinero para saneamiento, deportes, arte, etc. No porque quieran, sino porque están obligadas. Por otro lado existen diversas instituciones internacionales dispuestas a dar dinero para actividades culturales, el problema es que no existe un contacto con ellas, y son dos problemas una es el idioma y la otra el conocer cuáles son. Por ello convendría darse una vuelta por las diversas embajadas y más de uno se daría una grata sorpresa, convendría aprovechar que este año el Perú termina su presidencia después de dos años del encuentro de América Latina el Caribe y la Unión Europea. En resumen hay que ponerle ingenio, hay que innovar y diversificarse.”Charles

“Es evidente que el mecenazgo, hoy patrocinio, juega un papel importante en el quehacer cultural. Sin embargo su imagen no es muy clara, cuáles son las pautas de acuerdo, cómo se acerca el artista a ello, o a la inversa cómo se acerca la empresa a ellos. ¿Está ahí la participación o intermediación de un gestor cultural o un curador? La respuesta sale a flote y creo que hay muchos matices en este asunto. Es evidente que hay interés de por medio, los hay como el publicitario, como un medio más para fijar la marca de la empresa. También está en encontrar reconocimiento como entidad que apoya el Arte, y se sabe que muchos de ellos manejan un presupuesto anual para este fin. Y está el artista que busca un medio por dónde revelar su hecho creativo. Creo que es un interés equilibrado donde ambas partes pueden beneficiarse. ¿Y cómo hacer que haya más apoyo? En principio será hasta donde el presupuesto pueda cubrir. Y creo que ahí va la creatividad y la iniciativa de artistas, curadores o gestores para armar propuestas organizadas y llevarlas a estas entidades y encontrar su apoyo. Suena sencillo, pero sin embargo esto es una tarea que demanda algo de tiempo, pues muchas entidades arman sus cronogramas de actividades con un año de anticipación y con ello su presupuesto de gastos. Aquí es donde se debe buscar mayor dinamismo e innovación como ya lo dijeron anteriormente”. Fred

*Agradecemos la participación de nuestros lectores en el Foro Artecorpus.

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

IX Encuentro Iberoamericano de Gestión y Valoración de Cementerios Patrimoniales

2009-01-18T12:46:00.000-08:00

30 y 31 de octubre de 2008

Lima, Perú

Desde la Red Iberoamericana de Gestión y Valoración de Cementerios Patrimoniales, queremos extenderles una invitación especial a nuestro encuentro anual que tendrá lugar en la ciudad de Lima los próximos 30 y 31 de octubre de 2008.Para este IX Encuentro Iberoamericano tendremos una amplia programación académica, en la cual abordaremos el tema del patrimonio, los rituales de la muerte, el avance en los proyectos de gestión y valoración de cementerios, así como iniciativas novedosas relacionadas con asuntos de interés como son el caso de los memoriales y el tema de los desaparecidos. Aspectos estos últimos de especial sensibilidad, pero que se constituyen en un hilo conductor de pueblos que conspiran contra el olvido, a través del diálogo simbólico con la muerte y la incertidumbre promovida por largas esperas en atención de aquellos que se marcharon sin dejar rastro.En esta ocasión las jornadas académicas se desarrollarán en el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú, en la Avenida Camino Real 1075 San Isidro, pero tendremos la oportunidad de acercarnos de manera especial al Cementerio Presbítero Maestro, el cual conmemora en mayo los 200 años de su fundación.Desde ya les extendemos nuestra invitación calurosa a unas jornadas en las que el patrimonio, los cementerios, la muerte y la memoria, se unirán en torno a esta Red que crece gracias al trabajo y el apoyo de todos ustedes.

Luis Repetto

PresidenteRed Iberoamericana de Valoración y

Gestión de Cementerios Patrimoniales

* Si desea descargar la investigación sobre el Bicentenario del Presbítero Maestro en formato Power Ponit haga CLICK en el siguiente enlace:

PRESBITERO MAESTRO(Autora: Gabriela Lavarello de Velaochaga)

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

LA COLECCIÓN DAROS-LATINOAMERICA EN BRASIL

2009-01-18T12:27:00.000-08:00

Por: Eibby Rosillo Angeles Investigadora e Historiadora del Arte

Radicada en Zúrich, Suiza, Daros es la colección de arte contemporáneo más importante que tiene Europa y ahora está por abrir un espacio cultural –Casa Daros- en Río de Janeiro donde ha creado expectativa y propone un espacio de discusión, reflexión y análisis del arte contemporáneo latinoamericano.

Casa-Daros al interior.

Actualmente Daros cuenta con tres importantes colecciones de arte americano: Daros Collection, orientada al arte norteamericano de pos guerra; Daros-Latinoamérica, que desde el 2000 viene agrupando a una serie de artistas contemporáneos de América Latina de los últimos veinte años y Daros Contemporáneo, que reúne y promueve el arte joven europeo.Adicional a la colección se viene desarrollando el programa Daros Art Education que promueve acercar el arte contemporáneo a la gente y dirigido al público joven.

Guillermo Kuitca. Capitonée House Plan. 1991. Daros – Latinoamérica.

LA HISTORIA

Daros como colección, comienza su historia en los 80’s con la recopilación que hizo Alexander Schmidheiny junto a Thomas Ammann de una copiosa adquisición de arte norteamericano entre las corrientes como el pop art, expresionismo abstracto, minimalismo, entre otras. Luego de la muerte de Alexander, la colección pasa a manos de su hermano menor Stephan, quien es creador también de la Fundación AVINA, para administrarla y gestionarla formando una empresa especializada en arte llamándola Daros. Es en el año 2000 que forma la colección latinoamericana que a la actualidad cuenta con cerca de mil obras de más de cien artistas, entre ellas de los argentinos Guillermo Kuitca y Julio Le Parc, el mexicano Carlos Amoraes, las colombianas Maria Fernanda Cardoso y Doris Salcedo, los brasileños Mira Schendel, Lygia Clark, Antonio Dias, Waltércio Caldas, Mario Cravo Neto, Hélio Oiticica; los cubanos Tania Bruguera y Juan Carlos Alom, entre otros.

Carlos Amorales - From The Bad Sleep Well N01 (2004)

CASA DAROS EN BRASIL

En este año, 2008, está proyectado la apertura al público del espacio cultural denominado Casa Daros. Se encuentra ubicado en un antiguo edificio que primero fue un Recogimiento de Huérfanas en el siglo XVIII y posteriormente pasó a ser el Centro Educativo Santa Teresa hasta que en el 2005 fue conocido como el Colegio Anglo-Americano. Ubicada al lado de lo que fue el Hospicio Pedro II, en la calle General Severiano 159, del barrio Botafogo al sur de Rio de Janeiro, la arquitectura ocupa diez mil ochocientos metros cuadrados y posee dos amplios patios internos. De estilo neoclásico, el edificio fue planeado por el arquitecto de entonces Francisco Joaquim Bethencourt da Silva y pertenecía a la Santa Casa de la Misericordia, institución hospitalaria que para 1868 había fundado el recogimiento de huérfanas donde las acogían llegando incluso a otorgar un dote a sus protegidas. Adquirido por 16 millones de reales (cerca de $ 9, 657,193) Actualmente ha sido restaurado y rediseñado por el arquitecto Paulo Mendes da Rocha donde la Casa Daros ubicará las diferentes expresiones artísticas contemporáneas, así como tendrá espacios para “promover charlas, cursos, talleres, visitas guiadas y publicaciones especiales. Habrá también una programación audiovisual, educativa, destinada a los más variados grupos de personas, y de investigación, que quedará a disposición de todos” como menciona en la web de la institución.Se encuentra actualmente dirigido por Eugenio Valdés Figueroa e Isabella Rosado Nunes.

María Ferndanda Cardoso. Dancing Frogs on Wall, 2002. Daros – Latinoamérica.

PROYECTOS Y EXPOSICIONES

La Fundación Avina, en colaboración con Daros, ha abierto las inscripciones para la segunda edición de las Becas Avina de Investigación Periodística para el Desarrollo Sustentable hasta el 1 de Julio de 2008, esta vez incluyéndose el tema Arte y Sociedad. El objetivo corresponde a la iniciativa de Casa Daros en incentivar reportajes sobre la educación y producción artística contemporánea en América Latina. Para inscribirse y conocer las bases puede accesar la web de Avina: http://www.avina.net/ Por el momento Daros-Latinoamérica tiene exponiendo en la sede de Zúrich, hasta el 07 de setiembre, la muestra Face to Face. Es la primera muestra que hace la institución poniendo frente a frente las colecciones existentes con artistas latinoamericanos y europeos de la segunda mitad del siglo XX. Parte de la colección también se mostrará en Tabakalera, ubicada al norte de España, en San Sebastian, País Vasco, donde más de treinta obras de 24 artistas contemporáneos de Latinoamérica, se exhibirán desde el 19 de julio hasta el 05 de octubre.Para conocer más de la colección Daros-Latinoamérica pueden ingresar a la web de la institución: http://www.daros-latinamerica.net/

Vista de la Casa-Daros.

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Dirección: Rua General Severiano 159, Botafogo .

Rio de Janeiro – Brasil.

CEP: 22290-040

Teléfono: +55 21 22750246

E-mail: rio@daros-latinamerica.net

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008

Abarcando Espacios

2008-08-12T22:37:00.000-07:00

Imágenes sueltas , sacadas de su contexto para ser reinterpretadas , es lo que nos presentó Juan Diego Vergara en la Galería Pancho Fierro de la Municipalidad de Lima

Por: Eibby Rosillo, investigadora egresada de la Escuela de Arte de San Marcos.

Juan Diego nos recibe una mañana al final del verano. Inicia la conversa con ArteCorpus puntualizando que en estos momentos está becado por la fundación Renné Navarrete, quiénes están promocionado su trabajo.Las obras de este joven artista plástico han cambiado desde sus inicios. Según nos comenta, las primeras tenían mucho del expresionismo abstracto, jugaba con la pintura superponiendo capas; ahora es mas técnica, más dibujo que pintura; el carbón domina sobre la tela de manera figurativa.

Investigar sobre el uso de diversos elementos y el empleo de objetos de deshecho lo han llevado a usar telas, lisas, estampadas y retazos "me hace sentir cómodo el uso de esos materiales, por ejemplo los retazos sustituyen los brochazos de óleo". La razón de estos cambios es la búsqueda de que el mensaje sea más claro " tenía la necesidad de ver ojos y caras" ; " antes la catarsis era botar todo al lienzo"." El impulso de tener la tela al frente y que quede plasmada una imagen es mi necesidad hoy "." El Cielo y el Suelo""Me llama mucho lo visual y trabajo con imágenes sueltas", carátulas de CD 's , imágenes de Santos , gráficas de Hare Krishna, todo vale para conformara nuevos contextos y crear espacios. La forma dual aparece en la relación de lo religioso, intangible, no real, que va de lado del cielo frente al otro que es la vida común; el colegio, el tráfico, la avenida "Pintar en el centro de Lima es toda una carga", es el suelo .

Lo que no nos extraña ya que la visión de lo dual siempre ha estado presente en nuestra idiosincracia.El resultado; la muestra tiene su peso testimonial, ha logrado rebasar los cuadros , abarcar los espacios , jugar con la sala.Arte en videoJuan Diego opina "Muy buenas cosas , me encanta que la gente experimente , investigue , me gusta que haya algo de artesanía en el video, que no tenga mucha computadora , que se sienta que esta hecho por un artista; uso el video en el arte , pero no soy videoartista" De hecho lo que nos transmite Vergara es una realidad indiscutible , en el arte siempre va a predominar la plástica y lo manual sobre la tecnología que vendrá a ser sólo uno de los medios para la creatividad.

TEOLOGIA INDECENTE

2008-08-12T22:27:00.000-07:00

La experiencia Humana de lo sagrado

La sala de exposición de la Biblioteca Central Pedro Zulen de San Marcos, presenta la exposición “Teología Indecente, la experiencia Humana de lo sagrado”.
El artista Fredy Caballero presenta una visión de una religión personal que cuestiona el poder del lenguaje plástico que ejerce sobre el comportamiento humano.

Retratos del subconsciente

2008-08-12T22:19:00.000-07:00

Patricia Eyzaguirre

El uso del collage artesanal como base para la representación de personajes oníricos surrealistas, constantes en el imaginario, es el sello de la artista peruana Patricia Eyzaguirre , pintora egresada de la Universidad católica y ganadora de diversos concursos: XII Concurso Nacional de Artistas Jóvenes Southern Perú Cooper Corporation - ICPNA (1997). Cuarto Concurso de Pintura Johnnie Walker (1998) y “Pasaporte para un Artista” organizado por la Embajada de Francia (1998).
A pesar de Las recientes tendencias de los artistas jóvenes hacia el hiperrealismo metafórico o casi fotográfico, con técnicas sofisticadas, cuyas imágenes se presentan como retratos o registros visuales de su personalidad y vida cotidiana; vinculada a su vez con el arte popular actual; la obra de Eyzaguirre hace reflexionar sobre su discurso figurativo y trabajo artesanal.

La artista retorna a las representaciones visuales de su subconciente, imágenes que guarda y que se presentan sin ninguna represión en sus sueños llevándonos hacia un registro verdadero, más personal y más claro.
El individualismo, le feminidad, lo andrógino, el erotismo y la introspección se reflejan en sus personajes (como alter ego) que evolucionan en cada cuadro.
La corriente surrealista siempre ha sido uno de los medios más efectivos para explorar la esencia y los sentidos. De este modo nuestro yo se plasma en diversos niveles. Salir de los métodos lógicos para acercarse a la realidad y a la imaginación en donde no haya límites para los sentidos.

El artista Francés Clemente planteaba que: «Primero se establece el 'Yo'. Después lo abandonas por el 'Nonato'. A continuación, atraviesas un campo de transformación en 'Bestiario'. Seguidamente, tomas posesión de tus poderes”.

“He usado diferentes soportes y temáticas, al comienzo realizaba un trabajo mas urbano y oscuro. La paleta la fui variando hasta cierta luminosidad, en cuanto al tema me ha ido interesando lo corporal en un sentido amplio, siempre he intentado mantener algún hilo conductor buscando una coherencia en la lectura. Tengo diferentes intereses, desde el papel recortado, objetos en pequeña escala y la pintura, busco replantearme constantemente” nos dice patricia.

Elementos naturales, ornamentos y símbolos nos remiten hacia la Esquematización y la función mágica primitivista.
Sin embargo, en mi opinión, las veladuras y sombras difusas hubiesen afianzado la idea de irrealidad (recordando a Tilsa).
Lo que rescato de la obra de Patricia no es sólo la perfección al retratase superficialmente como tal, sin no, llegar a reflejar su carácter, su yo interno con todo y su complejidad.

Kore : ¿Provocación?

2008-08-12T22:16:00.000-07:00

Kore (doncella en griego) es el apelativo que ha adoptado esta destacable historiadora del arte española Teresa Moreno, quién a través su espacio web analizarte.com acerca la historia del arte y las artes contemporáneas mediante diversos análisis y comentarios polémicos -“claros sin tecnicismos” como ella señala - a las nuevas generaciones de artistas y apasionados del arte.
En esta edición ArteCorpus buscando el intercambio cultural a través de este nuevo espacio presenta uno de sus más controversiales temas.

¿Provocación?

Según la Rae, "provocación" es el efecto de provocar, que se define así: "Hacer que una cosa produzca otra como reacción o respuesta a ella"
Hace unos días, en el blog de Avartist pudimos ver una obra que claramente buscaba eso: un efecto en el espectador. Se trata de la fotografía de un ano, que podéis ver a vuestra izquierda.
¿Es necesaria la provocación en el arte actual? ¿Se acabaron las ideas y se pasa al éxito fácil? La provocación no es nada nuevo en el arte, Velázquez retrataba a los enanos de la Corte quizá para buscar una reacción por parte del espectador; Goya hizo sus Caprichos con este fin.

Probablemente desde que el movimiento dadaísta surgió en el siglo pasado este sentimiento es manifiesto en todo el arte. Se busca una reacción por parte del espectador, ya sea positiva o negativa.Duchamp propuso un objeto fuera de contexto y se lo devolvieron como si fuera una escultura. También pasaba con los surrealistas, que buscaban en lo onírico una respuesta por parte del público para que dejara sus pensamientos inconscientes a flor de piel para entenderlo.
De eso se pasó a una provocación mucho más "inteligente", el arte povera. Entendía que el desperdicio humano se podía convertir en objeto de exposición, como una crítica al capitalismo. Y de ahí a la "Mierda de artista" hay un paso…

En estos últimos años, la provocación a mi entender ha surgido en tres vertientes:
- Religiosa. Es algo habitual en los artistas del siglo XXI incluir a la Iglesia como institución y al cristianismo como ideología en su temática habitual. Esto hace que se de un gran debate tanto ético como moral en el espectador, que mira a veces consternado y otras veces cómplice de esta crítica/manifestación.
- Sexual. El sexo es algo implícito en el ser humano, pero en muchas ocasiones y sobre todo en muchos lugares es un tema tabú. Algo que los artistas potencian para hacer que su trabajo sea conocido, trascender y "hacer" hablar. Además, por supuesto, de criticar este mismo tabú y hacer pensar en ello.
- Moral. En los últimos años una temática muy avanzada en el mundo del arte, busca meter el dedo en la llaga del espectador con debates morales acerca de la muerte, de la vida, de la sangre,…Se expresan por medio de imágenes inquietantes, con imágenes políticamente incorrectas. Hacer daño, ya sea para producir un debate o para, simplemente, darse a conocer.
Estos tres elementos no suelen ir aislados. Si bien la provocación religiosa tiene mucho efecto, mezclarlo con la sexual o moral tiene éxito asegurado.

Y hablamos de éxito porque la mayoría de los artistas lo que pretenden es que su obra traspase fronteras. Está el concepto de artista élite, el dios entre los artistas que quiere convertirse para los anales de la historia en un personaje de enciclopedia. Independientemente de la calidad, técnica o historial que tengan. Lo importante es destacar.

Esto se puede extrapolar a la sociedad actual, tampoco es para echarse las manos a la cabeza con nuestro arte. Toda la historia del arte tiene un componente de influencia social muy fuerte. A sociedad destrozada, arte destrozado para entendernos. Por eso, en nuestro país prolífico a Tomates y personajillos raros, que lo único que pretenden es sacar dinero y vivir como reyes, tampoco es extraño encontrarnos con arte degradante del gusto o de la lógica.

La provocación ha sido a lo largo de la historia del arte un paso más en busca de una nueva percepción, un acercamiento al espectador. Pero… ¿por qué? ¿Es necesaria la provocación fácil?
Volviendo a extrapolar el tema, si en este blog en vez de arte estuviera hablando de la Iglesia, mezclándolo con el sexo y tocando temas que hieren la moral, tendría muchísima más audiencia. Como decía Buñuel, "gracias a Dios soy atea", así que tranquilos, no voy a hacer eso…
Simplemente deciros ¿habría que marcar los límites de la provocación? ¿Cuáles serían? ¿Creéis que la provocación fácil ayuda al espectador o lo convierte en una víctima más de la incomprensión del arte?
Quien es provocativo, ¿el que provoca o el que no provoca? Es decir, si se busca provocación y se va a lo fácil, deja de provocar y pasa a ser predecible…así que… ¿a quién quieren provocar?

Pancho fierro y el costumbrismo en Lima

2008-08-12T22:11:00.000-07:00

Destacable: Turismo Educativo para el arte

Pancho Fierro nació el año de 1807 en el tradicional distrito del Rímac y murió en julio de 1879, poco después que estallara la guerra del Pacífico, en el hospital Dos de Mayo. Fue pintor autodidacta que vivió los últimos años del virreinato, la lucha por la independencia, el nacimiento del nuevo estado y los nuevos patrones sociales.. Realizó con gran maestría y originalidad la más importante serie de acuarelas sobre las costumbres de Lima, la cual se estima en más de 1200 escenas de la vida limeña.
En sus trabajos recoge temas y personajes entre las que sobresalen las tapadas, el transporte, fiestas y bailes, comerciantes, frailes entre otros.

Los Pregones de Lima: La Lima del XIX era ciudad donde la presencia de los vendedores marcaba un ritmo particular. Los denominados pregoneros, perennizados en la plástica por algunos artistas como Mauricio Rugendas, Leonce Angrand y Pancho Fierro, y en la literatura, por Ricardo Palma. Estos personajes salían a horas determinadas a las calles y a la voz de conocidas coplas ofrecían sus productos. La compositora peruana Rosa Mercedes Ayarza de Morales rescató letra y melodía de muchas de ellas plasmándolas en su ciclo "Antiguos pregones de Lima" que en ésta oportunidad serán interpretados por reconocidos cantantes de la actual escena lírica de nuestra capital
En el marco de la conmemoración del Bicentenario del nacimiento del pintor Pancho Fierro, la Oficina de Información y Turismo del Centro Cultural de la Universidad de San Marcos y la Asociación Cultural K’ASAPI con el auspicio del Banco de Crédito del Perú, Centro Cultural de España, Municipalidad de Surco, Municipalidad de Jesús María, Municipalidad de Magdalena y Centro Cultural de la Universidad Nacional de Ingeniería, presentaron la exposición itinerante de las reproducciones de las acuarelas del artista perteneciente a la colección del Banco de Crédito del Perú con el nombre “ Pancho Fierro y el costumbrismo “ innovador proyecto que une las actividades turísticas con la enseñanza de la historia del arte peruanos.

El proyecto forma parte de las actividades que realizan ambas instituciones para difundir y descentralizar actividades culturales mediante el desarrollo de programas que conjugan turismo, historia y arte, promoviendo al mismo tiempo la participación masiva del público.
Con visitas guiadas a los lugares más importantes del Centro Histórico de Lima relacionados con el artista y el tema del costumbrismo incluyendo la asistencia a la exposición y al espectáculo teatral “Los Pregones de Lima” interpretados por reconocidos cantantes de la actual escena lírica de nuestra capital.

Informes y CoordinacionesOficina de Información y Turismo Centro Cultural de San Marcos. Telf. 6197000 anexo 5206 / 97079601Email: turismo.ccsm@unmsm.edu.pe / kasapi_ac@yahoo.es

Museo del Barrio de Nueva York

2008-08-12T22:07:00.000-07:00

La búsqueda de identidad de la comunidad latina en los Estados Unidos propició la creación de una institución cultural y educativa que reivindicaba las raíces latinoamericanas.

Fué fundada en 1969 por el artista y educador Raphael Montañez Ortiz en respuesta al interés de los padres, educadores, artistas y activistas de Puerto Rico en Harlem del este, movidos por la idea de que las instituciones importantes del arte descentralicen sus colecciones artísticas y muestren la variedad de culturas de Latinoamérica.

Iniciada en el aula de una escuela pública, en 1977 se traslada a su actual sede un edificio neoclásico de Heckscher en la Quinta avenida 1230 de Nueva York la cuál abarca 31 instituciones, cuyo movimiento permite al Museo no sólo estar en contacto directo con la población de habla hispana , si no ser una sede clave en un circuito artístico cultural que integra el Museo Metropolitano del Arte , El Museo Guggenheim, El Museo Judío y el Museo de la cuidad de Nueva York.

Sus exposiciones y actividades buscan integrar las expresiones artísticas de Puerto Rico, de los países latinoamericanos y caribeños como un redescubrimiento y orgullo de una de las comunidades más amplias asentadas en la actualidad en norteamérica.
El museo preserva una extensa colección de obras, pre-colombinas , artes tradicionales, las impresiones del vigésimo-siglo, los dibujos, las pinturas, las esculturas , instalaciones, fotografía, así como películas documentales y vídeos las cuáles exhibe e interpreta para el público bilingüe en general adultos , niños , estudiantes y para los conocedores, presentándoles espacios especializados y preparándolos para la labor museográfica y curatorial hacia una nueva generación de profesionales.

Apoyada por diversas fundaciones e instituciones privadas como El Instituto de Lenguas Cervantes en la actualidad, El Museo del barrio presenta la quinta edición de la Bienal del Museo “Los Archivos 007”, curada por los guardiánes adjuntos del Museo Elvis Fuentes y Carmen Ramos donde se puede apreciar obras experimentales de artistas emergentes de diversos barrios locales, siendo Ecuador el país invitado para esta ocasión.
Los trabajos seleccionados de México, Venezuela, Cuba, Colombia, Perú y Argentina van desde lo tradicional hasta los proyectos que integran la luz, sonido, elementos interactivos, esculturas móviles y las instalaciones sitio - específicas las cuáles tratan temas sociales propios de la realidad americana, la hiperactividad cotidiana, la violencia, las guerras, la inmigración, la lengua, la identidad, la tecnología y la naturaleza, la dimensión pública del arte y la maneras en la cual interviene con aplicaciones el interés público, desde la experiencia histórico – artística.

El Museo del Barrio está situado en Edificio de HeckscherQuinto avenida 1230 (@ 104a calle), Nueva York 10029info@elmuseo.org

Lista de artistas que participan en Bienal del EL Museo:
Alejandro Almanza Pereda (1977; Ciudad de México, México) Blanka Amezkua (1971; Ciudad de México, México) Alessandro Balteo Yazbeck (1972; Caracas, Venezuela) Saidel Brito (1973; Matanzas, Cuba; vidas en Ecuador) * Toronjil A. Calderón (1974; Nueva York, NY; Puerto Rican) Pablo Cardoso (1965; Cuenca, Ecuador; vidas en Ecuador) * Liset Castillo (1974; Camagüey, Cuba) Vidal Centeno (1960; Nueva York, Nuyorican) Cecile Chong (1964; Guayaquil, Ecuador) César Cornejo (1966; Lima, Perú) Pedro Cruz-Castro (1970; Caracas, Venezuela) Franklin Evans (1967; Reno, nanovoltio; Mexicano) salir de los parásitos atmosféricos (latino y el gringo colectivos) Fernando Falconí (el an o 80; Guayaquil, Ecuador; vidas en Ecuador) Andrés García-Peña (1961; Milano, Italia; Colombian) Florencio Gelabert (1961; La Habana, Cuba) Eduardo Gil (1973; Caracas, Venezuela) Tamara Kostianovsky (1974; Jerusalén, Israel; levantado en la Argentina) Jessica Lagunas (1971; Managua, Nicaragua; levantado en Guatemala) Cristóbal Lehyt (1973; Santiago, Chile) EL C. Leonardo (1979 de Shaun; Reinas, NY; Dominicano/guatemalteco) José Lerma (1971; Sevilla, España; levantado en Puerto Rico) Adriana López Sanfeliu (1976; Barcelona, España) Luis Mallo (1962; La Habana, Cuba) Cecilia Mandrile (1969; Córdoba, la Argentina) Norma Márquez Orozco (1966; Chicago, IL; Guadalajara, México) Justin Mata (1979; Arbolado, CA; Chicano mexicano-americano) Iván Monforte (1973; Mérida, Yucatan, México) Alex Morel (1973; Nueva York, NY; Dominican) Lisette Morel (1974; Nueva York, NY; Dominican) Andrea Nacach (1975; Buenos Aires, la Argentina) Oscar Oiwa (1965; Sao Paulo, SP, el Brasil) Renzo Ortega (1974; Lima, Perú) Sebastián Patané Masuelli (1978; San Juan, la Argentina) Javier Piñón (1970; Miami, FL; Cubano) Maria Teresa Ponce (1974; Quito, Ecuador; vidas en Ecuador) * Dulce Pinzón (1974; Ciudad de México, México) Manuela Ribadeneira (1966; Quito, Ecuador; vidas en Inglaterra) * Jesús Rivera (1956; Ciego de Avila, Cuba) Carlos Rodríguez Cárdenas (1962; Cabaiguan, Cuba) José Ruiz (1975; Lima, Perú) Reinaldo Sanguino (1973; Caracas, Venezuela) Analia Segal (Rosario, la Argentina) Courtney Smith (1966; París, Francia; levantado en el Brasil) Germán Tagle (1976; Santiago, Chile) Sandra Valenzuela (el an o 80; Ciudad de México, México) Maria A. Valverde (1975, reinas, NY; Guayaquil, Ecuadoran) Guillermo Villalongo (1975; Hollywood, FL; Puerto Rican) Karin Waisman (1960; Buenos Aires, la Argentina) Katarina Wong (1966; York, PA; Cubano-Chino) Augusto Zanela (1967; Quilmes, Buenos Aires, la Argentina)

III Muestra Internacional de Teatro de Lima. Fernando Torres

2008-08-12T22:03:00.001-07:00

“El teatro es un arte contestatario y puede llegar a ser trasgresor por su capacidad de enjuiciamiento de las contradicciones sociales”

El teatro como forma de conocimiento nos permite tomar conciencia de nuestra realidad. Ha conseguido ser un testimonio de las diferentes épocas y sirve a demás como un termómetro de las relaciones del hombre con su entorno. Es inherente al nuevo teatro el compromiso con la dinámica social transformadora.Con motivo de la celebración de la III muestra Internacional de teatro de Lima, que reunió en cincuenta espectáculos a las más destacadas compañías de teatro nacionales e internacionales, Fernando Torres director del centro cultural del ICPNA nos responde:

¿Cómo ve al teatro en la actualidad?
Desde la época griega en la que el teatro reflejaba el interior humano a mantenido como constante la reflexión convirtiéndose en testimonio de las épocas.Charles Dickens retrata su época caracterizada por ser lúgubre y difícil, no ha perdido su sentido. Hoy en día más bien se ha ido perfeccionando hasta llegar a la interacción, es arte contestatario y puede llegar a ser trasgresor por su capacidad de enjuiciamiento de las contradicciones sociales.

¿Que es lo más destacado en esta muestra?
Esta muestra es la convocatoria más amplia que se ha realizado en el Perú, otra cosa importante es la inclusión de nuevos espacios teatrales en Comas y Villa el Salvador lo que ha permitido una integración de los espacios.

¿Cómo se pueden difundir el teatro en nuestro país?
Para la organización de estos proyectos se necesitan el concurso de tres elementos: los organizadores, los gestores culturales y los medios de comunicación. Estos últimos son los que juegan el papel principal en la difusión.

¿Cuál es el aspecto más importante, el rol de la muestra?
La idea de la muestra es el primer paso continuar el mayor desafío su continuidad, va a ser bienal y desde ya estamos preparando la cuarta muestra. Cincuenta espectáculos variados a elección en donde lo más innovador fué el teatro de pantalla como las obras “ Fedra” , “ El tío Vania “, “ Un hilo en la pata entre otras”.

¿A qué se refieren con el stand up comedie y la creación colectiva?
El Stand Up comedie es una forma de dramatizar lo cotidiano; más que teatro propiamente, es una forma unipersonal generalmente de entretenimiento a través de sus agudezas en las que involucra al auditorio. Hace llegar un humor cáustico, incluso llegando a la grosería. Por ejemplo en Nueva York en el Harlem es frecuente el lenguaje procáz.
La creación colectiva son grupos de teatro que no necesitan trabajar bajo la dirección de una persona.Plantean posiciones críticas y de avanzadas ante los anhelos transformadores. Es un trabajote introspección. Aquí en el Perú tenemos a Yuyachkani como ejemplo de colectiva. Este tipo de teatro es difícil, porque necesita mucha investigación y labor de ensamblaje del grupo.

Retratos: Identidad, memoria y poder

2008-08-12T21:54:00.000-07:00

¿Debe el retrato necesariamente guardar un parecido
con la realidad?

Vincent Van Gogh al hablar acerca de su obra "Jean Valjean", en homenaje al héroe de los Miserables de Víctor Hugo , dice "Que este personaje que la sociedad oprime y que pone fuera de ley al ser plasmado con mis rasgos obtiene tanto mi imagen personal como el retrato de todos nosotros".El retrato va más allá de representar a una persona. Un personaje resume las cualidades de toda una sociedad o cultura.

La Figura Humana es protagonista de las civilizaciones que por un lado crean el arte y por otro lado son creadas por el.
Baudelaire señalaba: "El retrato es una biografía dramatizada o más bien el drama inherente a todo ser humano. Nada es indiferente en el retrato, el gesto, la apariencia, la decoración sirve para representar un carácter… el artista primero ve aquello que se hace ver, pero también aquello que ha permanecido oculto".

Su valor histórico y sociológico sacia nuestra curiosidad por conocer a nuestros semejantes, las diversas costumbres y pensamientos de otros tiempos.
La muestra “Retratos, identidad, memoria y poder”, organizada por el Centro Fundación Telefónica y el Museo de Arte de Lima, en su proyecto “Arte para aprender”, que contribuye a la enseñanza de la historia del arte, tiene como objetivo mostrar aspectos de las más variadas formas de retratos, correspondientes a épocas y técnicas distintas.

El presente trabajo da una referencia histórica a la función del género en nuestro ámbito. De manera reveladora la exhibición explora las distintas formas y usos del retrato en el Perú. Ha llegado a adquirir una función de contrastación y de reinterpretación de la realidad con lo conceptual y lo figurado.
A diferencia de los retratos anteriores que mostraban un sector determinado de la sociedad, sean los gobernantes, donantes e íconos, hoy en día lo que reflejan es la ampliación de los segmentos de nuestra visión social utilizándolos como símbolos. Artes como el graffiti, el arte popular urbano, entre otros retratan a los obreros, empeladas del hogar y a otros personajes de distinta clase que forman parte de la realidad.

BLIP: Tecnología y arte

2008-07-22T22:04:00.000-07:00

ENTREVISTA A KIKO MAYORGA: “Es un laboratorio más que un taller de arte. No importa al final la etiqueta, lo que queremos es explorar.”

Proyectos orientados a la reflexión y crítica de la tecnología en el arte son presentados por BLIP: Robótica y Reciclaje, muestra que se expone en El Centro Fundación Telefónica, organizada por el reconocido artista electrónico Kiko Mayorga , quién respondió para ArteCorpus sobre los objetivos propuestos

A.c: ¿Cuál es el objetivo de BLIP? ¿Qué es lo que buscas?
Kiko Mayorga: Me parece que lo más valioso de hacer este tipo de trabajo es que los creadores “vuelen” en cuanto a su percepción de la tecnología. Cómo la tecnología afecta sus vidas; es algo que ellos pueden transformar según sus objetivos y experiencia.
Con la información la tecnología se democratiza, se acerca a las personas. Es algo que se está volviendo parte de tu vida, utilizas todo tipo de dispositivos electrónicos para comunicarte, para chatear, para mandar mensajes de texto, e-mails, etc. La gente poco a poco puede empezar a entender los dispositivos electrónicos y modificarlos o proponer fácilmente funciones alternativas.
A.c: ¿Cuál es el planteamiento teórico-artístico que estás formando en esta exposición?
Kiko Mayorga: Es ya típico del arte explorar nuevas herramientas. La ciencia por lo general no piensa cuál es la función de la técnica, el arte generalmente no comprende a la técnica pero piensa en la función de esta, por ejemplo, al construirse la primera máquina de fotos, el arte comienza a cuestionarse si los cuadros van a perder su vigencia, ya que no tiene sentido representar la naturaleza visualmente de manera fiel, porque la cámara de fotos lo hace mejor que cualquier mano. El arte se asoma así a la vanguardia de nuevas herramientas, explora alternativas sobre arte y tecnología.
En los 90’s en Alemania aparece el primer centro de investigación sobre arte y tecnología, allí empiezan muchos científicos e ingenieros a explorar las realidades. Esto sucede también en el boom de las computadoras personales, las Interfaces o dispositivos mediante los cuales tú interactúas con un sistema. Una pantalla, un teclado , el mouse y el joystick son interfaces.
El arte por su parte explora nuevas interfaces, por ejemplo sensores como pantallas sensitivas al tacto para generar interacciones de diversos tipos. El título, que abarca todo esto, es: “Los nuevos Medios”. En los últimos 10 años hay un gran auge en la difusión de nuevos medios en la producción de obras, es decir ordenadores, interfaces, trabajo con sonido sintético, animación, también producción visual generativa.
Aparecen reflexiones sobre los nuevos medios y propuestas de comunicación que revisan sus posibilidades.
A.c: ¿Cuál fue el motivo de traer a artistas internacionales en la primera parte del proyecto?
Kiko Mayorga: Son artistas exponentes del arte electrónico, ¿Por qué traerlos de afuera? Porque acá no hay suficientes trabajos para una muestra, si hubiese arte electrónica en Lima, se expondría. Se trae a los artistas de afuera porque hay que mover un poco a la comunidad, ponerles ideas de ímpetu para que creen.
A.c: ¿Entonces esta muestra es previa a lo que veremos en marzo?
Kiko Mayorga: Exacto. I/O es la primera parte, donde que se expusieron trabajos ya terminados, por ejemplo hay un trabajo que hice en comunión con José Carlos Martinat, sobre una impresora que tira papelitos. Era un autómata que estaba en la red buscando información, lo imprimía y lo tiraba. Ganó un premio en una versión parecida el año 2004 en España.
La tercera etapa pensada para BLIP, después de I/O era una exposición de robótica pero de artistas locales. Aquí no hay mucha gente que trabaje robótica, no existen esos trabajos, entonces vamos a reunir gente afín para que en grupo suelten sus ideas y vayan puliendo propuestas conceptuales. Hay un chico que quiere hacer un basurero que persigue a la gente incentivándola a botar la basura; otro quiere hacer una especie de bache que se coloca en la pista, cuando pasan los carros lo aplastan y se genera electricidad, es un bache pensado para que los ambulantes puedan energizar sus carritos de sándwiches o exprimidor de naranja, funcionan como generador eléctrico para sacar electricidad de la energía potencial del auto.
Alexandra Bianchi quiere convertir imágenes de tránsito en tiempo real en música, Cuando hay un atracón de carros hay cierta música y cuando los carros fluyen hay otra. Transformar una realidad en una representación sonora. Otro artista quiere construir una máquina que a partir de los latidos de tu corazón empiece a construir objetos en 3D.
Mi trabajo es escuchar las propuestas. ya sea contemplativa , analítica o emocional sobre la convivencia con la tecnología. Lo más importante para mí es que haya una reflexión sobre la tecnología. Son ejercicios asistidos, y asesorados para obtener ideas que tienen contenido.
A.c: ¿Qué impacto crees que va a tener las propuestas en el público?
Kiko Mayorga: El público puede ver la libertad con la que los creadores desnudan, voltean, contemplan, proponen la tecnología.
Lo que espero es que esta muestra despierte la curiosidad por reinventar la tecnología según las propias vivencias, que sean conscientes de cómo afecta la vida.
Por ejemplo cambias tu cuenta de Hotmail a Gmail y antes de repente usabas Terra. Tienes tres cuentas de correo, entonces tu identidad se fragmenta, eso sucede cuando uno es consciente de lo que implica que estés creando cuentas y cuentas de correo que a la larga te puede traer problemas.
A.c: ¿Qué conclusión sacaste de la primera etapa de BLIP, que ahora encuentras y refuerzas hasta llegar a la tercera?
Kiko Mayorga: Una conclusión importante que compartí con Jorge Villacorta, con el que estoy haciendo la curaduría, es que curiosamente en el Perú se consume un montón de tecnología, hay miles de cabinas de internet, la red está creciendo, es terreno fértil.
Y no hay que tenerle temor, es importante que la gente joven sea consciente que es un ser humano adaptado a la tecnología y que puede hacerla parte de las herramientas que maneja.
A.c: algunos artistas dicen que no se adaptan al uso de tecnología ya que al utilizarla su obra pierde esencia. ¿Qué opinas de esto?
Kiko Mayorga: Eso es depende de lo que quieres transmitir. Tienes que ser un poco abierto a usarla, verla, entenderla, conocerla, estar al día de lo que hay. Además para mí esto es investigación interdisciplinaria, creatividad, curiosidad, comunicación, creación, no necesariamente es arte.
Es un laboratorio más que un taller de arte. No importa al final la etiqueta, lo que queremos es explorar. Es más, a mí me asusta la palabra arte, me molesta porque hay mucha gente que tiene temor de contemplar una obra de arte, hay muchos artistas que hacen obras que no se entienden y hay público que se siente inculto a la hora de ver una instalación.

FABIANA WIELEWICKY en el MUSEO VICTOR MEIRELLES de FLORIANOPOLIS Brasil

2008-07-22T21:46:00.000-07:00

Conozcamos uno de los Museos más destacados de Brasil , La Casa Museo Víctor Mereilles , cuyo nombre nos recuerda al importante artista brasilero de finales del siglo XIX, sede que en la actualidad presenta a las nuevas generaciones artísticas.

La ciudad de Florianópolis del Estado de Santa Catarina, al sur de Brasil en cuyo paisaje se aprecian lagunas, dunas y pequeñas islas que se extienden por todo su litoral, conserva su arquitectura proveniente de la colonización de los portugueses de las islas Azores y a lo largo de la costa nos muestran una serie de fortalezas, construidas para evitar la invasión de los españoles y los holandeses de los siglos XVI y XVII. Entre ellos, la Fortaleza de Santa Cruz, en la isla de Anhatomirim; la de São José de Ponta Grossa, entre las playas de Daniela y Jurerê, declarada Patrimonio Histórico, y la de Santo Antônio, en la isla de Ratones Grandes. En Pântano do Sul, también en el litoral, está la más auténtica aldea de pescadores de la capital.
En el centro de Florianópolis, con sus callejuelas, conjuntos de casas típicas, iglesias y museos se encuentra el antiguo palacio del gobierno, en la actualidad Museu Cruz e Souza, nombre dado en homenaje al poeta de Santa Catarina que integró el movimiento simbolista, y el Mercado Público, construido en 1898, que a la sombra de su higuera centenaria comercializa productos alimenticios y artesanía local. Cerca del centro está también la casa donde nació Victor Meirelles, uno de los autores que retrataron la primera misa rezada en Brasil.
El museo Victor Meirelles se encuentra incorporado dentro del IPHAN, como Patrimonio Nacional, desde 1950. esta casa guarda el estilo luso-brasileño arquitectónico de fines del siglo XVIII, donde el segundo piso era utilizado como vivienda mientras que en el primero, para el comercio y propiamente en esta casa era utilizada para taller y venta de las obras del padre del Artista: Antonio Meirelles de Lima.

“La Primera Misa de Brasil"

Nacido en 1832 en la cuidad de nuestra señora del destierro en Florianópolis, Víctor Mereilles de Lima , hijo de inmigrantes portugueses pasó su infancia boceteando paisajes de su isla.
Su vocación precoz fue estimulada por las autoridades de su ciudad , quiénes le otorgaron una bolsa destinada a seguir estudios en la Escuela Imperial de Bellas Artes en Ríoi e Janeiro.
A los veinte años con su obra "São João Batista no Cárcere" (1852), recibe como premio un viaje a Europa. Al retornar a Brasil obtiene el título de caballero de la orden de la Rosa y es nombrado profesor de pintura de la Academia

A partir de entonces se torna en uno de los mayores exponentes de las artes plásticas del Brasil del siglo XIX, dejó un extraordinario conjunto de obras, minuciosos esbozos en papel y óleo sobre tela. Su obras más destacadas fue "A Primeira Missa no Brasil"(“La Primera Misa en Brasil”) realizada en Río de Janeiro el 22 de febrero de 1903.

Meirelles hijo fue un pintor reconocido del medio por su estilo siempre acorde a las corrientes artísticas europeas como el neoclásico y romántico. Es justamente con la obra “La primera misa en Brasil”, que toca el tema histórico de la llegada de los portugueses al país, se presenta en el Salón de París en 1861 siendo la primera vez que se muestra un artista brasileño en exhibiciones internacionales. Murió en 1903, catorce años después que el país se volvió República. A finales de su vida la gloria se le había desvanecido con las nuevas ideas revolucionarias tanto en la política como en la pintura de fines de siglo, atravesando de manera pobre y enfermo sus últimos días.

La Casa de Víctor Mereilles cuyo estilo es típico de finales del siglos XVIII e inicio del siglo XIX, es una construcción que e os sobrados mais requintados.

Su arquitectura presenta la tipología y los elementos formales de las construcciones de su período.

Actualmente se expone una muestra permanente de las obras del artista en el segundo piso de la casa-museo mientras que en el primero se exponen artistas contemporáneos.

SEGUNDA NATURALEZA

La Casa Museo no solo proporciona un panorama de la producción del artista, si no también funciona como un espacio para realizar muestras temporales de arte contemporáneo de artistas consagrados y emergentes de escenarios nacionales e internacionales.
Así en estos momentos Hasta el 11 de abril se esta exhibiendo dos series que se realizaron en el 2006 pertenecientes a la artista Fabiana Wielewicki llamada: "Segunda Naturaleza: octavo piso" y "Recantos".
Fabiana Wielewicki nació en Paraná, un estado fronterizo con Argentina y Paraguay. Se graduó como bachiller en artes plásticas en la Universidad del Estado de Santa Catarina (UDESC) y realizó la maestría en Artes Visuales en la Universidad Federal de Rio Grande del Sur (UFRGS), en Brasil. Actualmente dicta clases de fotografía y arte contemporáneo.
Desde el año 2000 incorpora la fotografía en su trabajo y realiza una serie de fotomontajes, foto-objetos y foto-instalaciones.
Su producción insta a indagar la relación de la mirada hacia el paisaje y la creación de breves ficciones en la composición de la imagen.
La reflexión en la que Fabiana trabaja corresponde a la idealización que se tiene de la visión de Florianópolis, que es un espacio turístico exportado mediáticamente como imagen paradisiaca en contraposición de la ciudad urbana, la convivencia diaria que tiene como parte inmersa de esta visión, como ella propone: lo "bonito" del poner del sol y lo "feo" de la ciudad y del cemento.

En la serie "Recantos" se presenta un contraste entre naturaleza y artificialidad. Estos trabajos provocan la reflexión en el espectador. Son imágenes montadas que siguen una composición fotográfica clásica donde contrasta la naturaleza y la vegetación artificial de plástico vendidas en tiendas comerciales.

En la primera serie la artista contrapone el ambiente de su departamento con imágenes cliché, donde el cuerpo de la propia artista aparece como una indicación para una mirada sensibilizada de la imagen.
Aquella reacción es una de las ironías que se encuentran inmersas en la obra de la artista.
La idealización del paisaje marino que propone Fabiana corresponde al espacio al que pertenece: Florianópolis. En palabras de la artista: "(...) es un paisaje del interior del departamento, un panorama de la oficina, un cotidiano que no coincide con la idealización de vivir en una isla”.

Dirección: Rua Victor Meirelles Nº 59. C.P: 88010-440 Florianópolis – Sc
Teléfono: (+55) 48 - 3222-0692
E-mail: museu.victor.meirelles@iphan.gov.br

Proyecto Artchivo 2008

2008-07-22T21:44:00.000-07:00

Nuestro interés es hacer que el arte visual peruano sea accesible a todo el mundo, promocionandolo y dejando las puertas abiertas para quien quiera investigar en nuestro arte actual.

Después de dos años de funcionamiento, hemos decidido que la mejor manera de lograr esta meta es a través de la web. El objetivo es volvernos un gran portal de arte peruano agrupando a todos los artistas, grupos artísticos, centros de arte, etc.
A través de www.artchivo.com se podrá acceder a todos los artistas del Artchivo, y así, cuando se pulse el nombre de cualquiera de ellos, llevará al usuario a un blog del artista creado por nosotros, pero modificable por ellos. Si el artista ya tiene un blog o una pagina web entonces simplemente los linkearemos.

Además de ser un portal de arte peruano actual, también queremos desarrollar un espacio más subjetivo en nuestra web. Este espacio estará compuesto de ensayos escritos por miembros de Artchivo y colaboradores externos, acerca de la movida del arte en Lima y de videos cortos en torno al arte peruano.
Los videos que componen el Artchivo, son muestras de arte que han sucedido en Lima, conversatorios o visitas guiadas, etc.
Este año, nos enfocaremos en “retratos audiovisuales de artistas”. En 2 minutos mostraremos la personalidad de cada artista de una manera muy ligera e irreverente. El público podrá darse una idea de cómo es esta persona, cómo es su espacio de trabajo, qué lo inspira, etc.

Los videos del Artchivo van a estar colgados en diferentes espacios de internet a parte de nuestra página web. Uno de ellos es www.videowebperu.com donde tenemos un canal llamado ARTCHIVO. En ese canal estamos colgando todos los videos que hagamos como primer paso para difundir nuestro proyecto y con él, al arte peruano.

Mariana Tschudi

Tecnología por el arte

2008-07-22T21:37:00.000-07:00

Juan Carlos Delgado.

Hablar de Arte digital todavía se hace difícil. Su comprensión recién empieza a ser planteada en términos científicos, en estos momentos trabajos simples ensayísticos luchan por entrar a un campo formal.

Los nuevos artefactos digitales, Hardware o Software son dispositivos o programas que se constituyen en los nuevos medios utilizados por las recientes generaciones de artistas. Términos tales como arte generativo, vida artificial, video arte, animación, música experimental, fractales, imagen processing, interactividad, estética y teoría del arte digital es la parafernalia del artista actual.

La estética digital dentro de un entorno electrónico avanzado ha venido a revolucionar el taller convencional del artista y el artista a su vez hace uso de la exploración del software y los programas gráficos. La estética del arte se ha mantenido aún habiendo cambiado el arte y su significado. Constituye el ámbito de la intuición subjetiva y la expresión virtual producto de la inteligencia.

Si el “arte” es - como dice Bergson – “Una visión directa de la realidad” consideramos a los medios modernos como medios naturales de expresión artística, ya que presentan y reproducen la vida casi como un espejo -señala D.A.Dondis

En el video del proyecto Flujo, Mariana Tschudi , artista integrante de Artchivo.com portal web que busca integrar todos los grupos artísticos , nos comenta que estos nuevos medios le permiten mezclar la pintura , el trabajo del color y la composición académica con el fotoshop , la animación y que al colocarlos en la web de un trabajo individualista en el taller se convierte en algo universal , global sin parámetros.

El trabajo digital es una substracción de la realidad, se puede decir que es una relectura del barroco por la acumulación, densidad, inestabilidad, mutabilidad y desarticulación de los detalles, suprimiendo los centros únicos y cuestionando la instancia matriz de la identidad. Las imágenes migran desde su nacimiento hasta su configuración como elementos híbridos. Las obras artísticas se presentan como objetos de experimentación donde el artista y el investigador se fusionan para transformar su proceso creativo.
El uso de la pintura, el dibujo con nuevos medios, textos, imágenes, objetos y sonidos ensamblados de forma no lineal permiten el desarrollo de diversas expresiones vinculadas a la comunicación y el arte.

En la obra Magna Opera, el artista visual peruano Rafael Besaccia representa los asuntos de la memoria bajo un ritmo de edición que refuerza un patrón de hechos secuénciales a modo de metáforas que pretenden llevar a un desenlace.
Sus composiciones sean pintura o animación toman diversas formas no buscando la perfección estética, si no buscando crear un clima emocional en el espectador.

A diferencia de la publicidad, se presentan como expresiones líricas, abstractas no narrativas. Los artistas manipulan, repiten y serializan imágenes de manera infinita consiguiendo una serie de elementos múltiples que modifican las formas , colores y significados .El artista digital es el que a través de un proceso de formación estética y discursiva del conocimiento realiza su trabajo siguiendo la normativa de parámetros y referentes que respaldan su arte.

En la obra de Juan Carlos Delgado, vemos una serie de pinturas que representan el encuentro íntimo del artista. Las imágenes surgen a medida que va trabajando en un proceso tanto estético como de autoconocimiento.

Si bien la tecnología no transmite el sentimiento, la imagen del videoarte realizado en formato 3d y animación “Corazón” es un medio que nos ayuda a comprender lo más profundo del ser, la energía vital. “El latido de la vida y de la creación está en cada uno de nosotros. El arte es una de las formas de conectarse con esta creatividad esencial “nos dice Juan Carlos.